Justamente 9 meses depois, uma gestação, só há uma resposta a ser dada: “Pegou!”.

Fenômeno de sucesso nos EUA, a série já expandiu sua fama mundo afora e cativou adolescentes e adultos com a dramédia musical que tem como pano de fundo um clube de cantoria em uma escola de ensino médio no interior do estado de Ohio. Formado por alunos excluídos e impopulares, o clube enfrenta dificuldades e preconceitos, assim como seus membros, que veem na música um meio de se integrarem e de fazerem novas amizades, se apaixonarem, se aceitarem e se encontrarem no mundo.

O sucesso televisivo foi tamanho que, inicialmente prevista para ter 13 episódios, a história ganhou outros 9, retornando de um hiato que durou de dezembro a abril e fechando na última terça-feira, 8 de junho, pouco depois do final oficial da fall season. A produção se saiu muito bem no mercado fonográfico também: neste curto período de 9 meses, foram lançados nada menos que 5 álbuns com as músicas apresentadas na TV, sendo que dois deles foram EP’s específicos de episódios e, dos outros 3, um saiu em versão normal e em versão deluxe, com direito a faixas adicionais. As vendas foram boas e tanto os álbuns quanto os singles atingiram posições respeitosas nas paradas da Billboard – um feito grandioso para um repertório exclusivo de covers variadas em estilos, artistas e épocas.

Finalizada com o episódio “Journey”, fazendo alusão à banda de mesmo nome e também ao termo “jornada“, a primeira temporada encerrou deixando saudades e levando consigo um desafio para o setembro próximo de manter o padrão de qualidade e o sucesso obtidos até aqui. Com renovação garantida por pelo menos mais dois anos, a equipe de produção, que já teve até a permissão de Madonna para fazer um episódio só com suas canções (veiculado lá fora em 20/04 e intitulado The Power Of Madonna), tem um universo musical inteiro para explorar e para adaptar ao canto dos competentes atores cantantes do elenco. Que as imitações mantenham-se longe e que, mesmo com toda a inocência jovial e instável que rege a atmosfera da trama, possamos nos deleitar por bastante tempo ainda com os losers cantores, suas desventuras e até mesmo com seus divertidos vilões.

(No Brasil já está disponível para venda o box em DVD com os primeiros 13 episódios e somente os volumes 1 e 2 em CD. A estreia da segunda parte da temporada na TV a cabo é prevista para o mês de julho).

É impossível negar que Lost foi a série da década: assim como Arquivo-X esteve para os anos 90, a saga dos náufragos da ilha misteriosa, no ar desde 2004, foi um fenômeno dentro e fora da televisão.

Lost bombou na mídia, nos jogos, nas rodas de conversas e, sobretudo, na internet. Teorias, desfechos e soluções foram dadas para resolver os segredos da ilha e seus fenômenos inexplicáveis. O capítulo final, veiculado com o adequado título de The End (O Fim), era aguardado desde o anúncio do final da série (em 2007) por uma legião de fãs e curiosos, na esperança de respostas para uma infinidade de questões.

Em termos de respostas, muito pouco foi dado: os mistérios da ilha continuam sem explicação – para a indignação de muitos, diversas dessas explicações ficarão a critério da imaginação e da interpretação de cada um. Este episódio final, com duração em torno de 110 minutos, tem em sua primeira metade o mais do mesmo que a série vinha mostrando nesta sexta e última temporada: enrolação e preparação para um clímax. Na segunda metade, sobretudo na última meia hora, a trama começa a correr efetivamente e passa a ter ares de final. Não se pode dizer que a série ficou sem seu final – que pode não ter sido elucidativo, mas ainda assim foi fechado, certeiro e, sob certo ângulo, emocionante e até bonito, em que a melhor solução encontrada foi a distração.

Distração. Na ausência de uma explicação plausível que pudesse justificar a teia de absurdos cultivada em 6 anos de show, a saída foi desviar o foco da audiência. A ilha continuou a ser o palco da ação principal, mas a criação dos chamados flash-sidewyas (algo como realidades paralelas), aparentemente sem pé nem cabeça no contexto inicial, foram tornando-se instigantes e chamando cada vez mais a atenção para si.

Desde a aparição dos flash-sideways, os produtores haviam anunciado que a relação dessas realidades com a história na ilha seria o grande mote da temporada e, consequentemente, do final da série, uma das poucas promessas que foi efetivamente cumprida. Muitas das respostas sobre a ilha ficaram no ar, perdidas com ela no meio do oceano.

O desfecho da trama, embora pouco surpreendente, foi armado de forma tão tocante e bela que, naquele momento não sobrou espaço para indignação ou perguntas. O que ficou foi uma sensação de saudade e despedida, com uma pontinha de tristeza. Foi como uma etapa concluída, o fim de uma brincadeira que durou por 6 anos e uma despedida que, além de tardia, era necessária. E mais: uma bela demonstração da mágica da distração, onde não é preciso explicar nada quando se sabe desviar os olhos alheios para o lado.

Que Lost descanse em paz, pois as perguntas continuarão a incomodar por muito tempo.

Curioso, percebo como essa participação dentro de um jogo televisivo – nossas antigas gincanas em um momento de confinação absoluta – recebe uma infinidade de comentários de um público cada vez mais ligado na internet, capaz de trocar ideias e de tecer opinião a respeito de qualquer coisa, e como, deste modo, essa grande massa de frases internéticas acabam sendo usadas como uma espécie de “termômetro avaliativo” de uma nação em estado de semiguerra.

Digo isso porque já li que haverá uma tendência a um crescimento na intolerância, especialmente relativa à escolha sexual, por conta da vitória do gaúcho Marcelo Dourado. Li, estarrecido, ativistas gays dizendo que, ainda que o próprio não soubesse, enquanto confinado, dessa legião de seguidores cruéis que ele tem (o que por si só é uma afirmação generalizadora e sexista), ele é um “líder do mal” simplesmente por reunir a simpatia dessa “gente retrógrada” oriunda de um tempo medieval, apaixonados por seu estilo brucutu.

Caramba! Menos, gente, menos! Não percamos o foco. Não transformemos esse BBB em oráculo da sociedade. Não o façamos muito mais do que ele é: simples entretenimento.

A despeito de toda a maravilhosa estrutura que este último BBB trouxe para a cena, com uma edição divertida e pescando do comportamento dos brothers ingredientes novelescos, o BBB não tem e nem merece esse caráter transcendental. O que vivemos, hoje, é um momento de instantaneidade: o fulano e o beltrano possuem twitter, blog, ou respondem em fóruns, em respostas automáticas das páginas de discussão, enfim, essas pessoas que, tempos atrás, não tinham voz na grande mídia, agora o tem. E isso assusta alguns, pois ali vemos certas atrocidades, certas generalizações, certos preconceitos que refletem, sim, a diversidade de pensamento do brasileiro, para o bem e para o mal.

Nunca escondi de ninguém que me divirto assistindo ao Big Brother, e assisti com atenção a essa última edição. Marcelo Dourado não é um exemplo de ser polido ou educado. O cara arrota, solta flatulências, grita e diz pequenos absurdos, mas em nenhum momento pareceu-me homofóbico. É um cara tosco, ou assim construiu seu personagem, um lutador profissional que levou muita porrada na cara e que nunca escondeu de ninguém que isso o tornou mais bruto, mais rude. Mas não nos esqueçamos de que o Marcelo Dourado que ali aparecia era um jogador. E por isso ele mereceu vencer. Mereceu vencer por ter sido coerente dentro do jogo o tempo inteiro. Em contrapartida, tivemos um desfile de personagens mais liberais, alguns dos quais assumidamente gays, que se firmaram mais pela excentricidade (um personagem do personagem de si mesmo), pelo lado divertido, de fazer os outros felizes, do que pela coerência em buscar aliados (trocavam confidências de fidelidade partidária a cada 2 dias, vide Dicésar) e muitas vezes traíram-se por uma língua tão ferina quanto. Também esses que se dizem vítimas de perseguição dentro do programa desfilaram um sem número de preconceitos, de visões estereotipadas, de gracinhas ferinas, especialmente contra alguns integrantes não-fashions na casa. Significa dizer que, nesta edição, eram os gays personagens repletos de futilidades, permeados por fofocas, cínicos que alisavam o outro e depois falavam mal dele, diferentemente daquela em que havia um Jean, este sim, também homossexual assumido, ético, correto e com coerência dentro do jogo (tanto que venceu, e este mesmo “povo” hoje considerado “retrato de homofobia” deu o prêmio a um gay). Ou seja, quem disse que o gay deve se identificar com o gay só porque ele é gay; ou que a mulher deve se identificar com a mulher por ela ser mulher; ou o negro; ou o heterossexual, independentemente do caráter mostrado (na TV, bem verdade)? Então o Big Brother seria uma espécie de Arca de Noé em que espécies do humano são colocados e são eles os únicos remanescentes desta humanidade? Que idiotice.

A bem da verdade, querer intelectualizar um programa televisivo sem este caráter é quase um tiro no escuro. Porém, irrita-me sobremaneira ler por esses pagos internéticos barbaridades de ditos críticos televisivos (sim, isso existe) de uma iminente guerra civil por conta da vitória de um Marcelo Dourado. Talvez alguns digam que ele poderia ter dado o exemplo e mostrado como um heterossexual pode, sim, ser mais maleável; talvez alguns digam que ele não deveria arrotar e cuspir a cada dez minutos… De qualquer modo, este é o cara que venceu o prêmio com 60% das intenções de voto de um paredão histórico. Ou seja, o cara atingiu o seu objetivo.    

E antes que me perguntem, eu não torcia diretamente para ele. Eu queria muito que a sensacional, paranoica, divertida, barraqueira olha-no-meu-olho Lia vencesse. Mas se fosse ela, mais um sem número de teses seriam escritas a seu respeito.

Os evidentes problemas que a série tem enfrentado junto ao público já vêm desde a temporada anterior, com quedas na audiência, críticas negativas e o próprio interesse da emissora, que nesta fall season concedeu menos episódios à série (somente 19) e terminou por encerrar a temporada 3 meses antes do normal.

Esta última temporada teve pequenas melhorias em relação às 2 anteriores: podem se considerar positivos a redução de personagens novos com importância significativa, a redução das viagens no tempo e o fechamento de arcos desinteressantes sobre os quais os roteiristas ainda insistiam. Nesta temporada ainda houve espaço para a resolução de algumas turbulências de percurso, como a retirada definitiva do personagem Nathan Petrelli (Adrian Passdar), a cura do tumor cerebral de Hiro Nakamura (Masi Oka) e a resolução do seu romance platônico e desnecessário com a garçonete Charlie (Jayma Mays). A entrada providencial do personagem Samuel Sullivan (Robert Knepper) também ajudou a tornar a série um pouco mais interessante neste ano.

Por outro lado, a série continua com sérios problemas “pendurados”, que são heranças das ruins 2ª e 3ª temporadas. Alguns personagens estão perdidos na história, sem função ou motivação, aparecendo pouco e desempenhando papel quase que nenhum na trama – dois bons exemplos disso são Tracy (Ali Larter) e Angela Petrelli (Cristine Rose). Sylar (Zachary Quinto) há muito tornou-se um elefante branco na série, sem haver um jeito de eliminá-lo, e a solução dos roteiristas terminou por ser infeliz, transformando o vilão invencível em mocinho no final desta 4ª temporada. Noah Bennet (Jack Coleman) é mais um em cima do muro, com motivações que mudam de lado a todo instante e não dão um rumo ao personagem. E estes são apenas alguns exemplos…

Com a promessa de um Admirável Mundo Novo (Brave New World), o título do episódio final da temporada e também do próximo volume da série (se sair a esperada renovação que ainda não foi concedida pela NBC), pode vir uma última chance da saga de heróis se redimir com o público e com a audiência, garantindo-lhe uma sobrevivência maior do que a expectativa atual. Pelo que se ouve e se lê por aí, são necessários diversos ajustes na série, como a instituição de um foco/motivação únicos para cada personagem, a eliminação de alguns excedentes de arcos e personagens que não se fazem mais necessários e o retorno da expectativa por um evento importante – de preferência uma grande catástrofe -, sem contar o aumento dos duelos e das cenas de ação cheias de efeitos, que têm deixado a desejar e seriam o mínimo a se esperar de uma série como HEROES.

O olho de uma telespectadora já identificou o vencedor. E ela é a mulher que mais entende de BBB neste país, dona do blog mais acessado sobre o assunto, moderadora das discussões mais fervorosas sobre os paredões das terças-feiras. Pois a dona Susan, do De cara para a lua,  http://www.decarapralua.zip.net/ acredita que o gaúcho Marcelo Dourado vai ser o grande campeão do BBB 10. Ela tem argumentos que mostram uma tendência para isso ainda na segunda ou terceira semana do programa, quando Dourado recebeu o poder supremo através do voto pela internet.

Não gosto do Marcelo Dourado. Acho uma figura escrota. É o cara com quem eu não conversaria numa roda de amigos, é o personal a quem eu não iria pedir ajuda na academia. O povo que hoje idolatra o gaúcho, esquece de quem ele era no BBB 4, quando saiu sem ganhar um anjo e sem levar qualquer prêmio para casa. O Dourado de hoje tenta domar seu jeito truculento até a chegada da primeira frase contra ele. Virou um monstro contra a Angélica que se rebelou contra seus arrotos na mesa ou contra uma opinião absurda. Chamou a guria de filha da puta, vagabunda, fofoqueira. Angélica pisou no calo de Dourado em um programa onde todo mundo o respeita. Ou teme, melhor dizendo. Hoje ele é quase um intocável. Até os fortões Eliéser e Cadu pensam duas vezes antes de botar Marcelo na berlinda com medo do que pode acontecer quando ele voltar. E Dourado vai voltar.

O poder supremo dado pela internet há algumas semanas e o carro presenteado por voto do público mostram que este é um caminho certo rumo a vitória. Queria muito que o que a Susan percebeu e o que eu vejo agora fosse errado. Queria que Dourado fosse desmascarado antes do final de março. Minha esperança é que costumo errar essas previsões. No ano passado, achava que Francine derrotaria Max na final. Que nada! O artista plástico tinha o mesmo dom do Marcelo Dourado. Conquistou o seu público e garantiu o nome na galeria dos grandes campeões do principal reality show do país.

Em uma escaldante noite de fevereiro, estava eu atirado em minha cama à procura de algo decente que estivesse passando na TV. Mesmo prevendo o fracasso da minha jornada – afinal, 90% do que se concentra nesse entretenimento massificado é desprezível –, movido por algum impulso irracional, continuei zapeando. (In)Felizmente encontrei algo que considerava inicialmente assistível. Tratava-se do Manhattan Connection, uma espécie de mesa redonda na qual se debatem “n” assuntos, entre eles cinema. Sentados à mesa estavam cinco sujeitos: Diogo Mainardi – famoso colunista da revista Veja -, Ricardo Amorim, Lucas Mendes – o líder da mesa -, Caio Blinder e Pedro Andrade. Antes do programa, não tinha nenhuma opinião formada sobre os integrantes daquilo que eu descobria ser a Assembleia do Pedantismo e da Ignorância (API). Meu desprezo começou a tomar forma quando se iniciaram as discussões políticas, na qual os participantes opinavam de maneira débil e pretensiosa; um dos comentários mais infelizes foi o de Diogo Mainardi – escritor que, até aquele momento, era indiferente a mim, mas agora eu o repudio -, que disse “socialismo é coisa de analfabeto”. Os outros integrantes da API eram um pouco mais sensatos que Diogo, e discordaram da sua opinião.

Assim como um indivíduo que pega um filme no meio e que não acompanha o nome das personagens, eu não sabia o nome dos integrantes da mesa. Desta forma, criei natural e mentalmente um apelido para um sócio da API. Diogo Mainardi não necessitava de um cognome, pois já o conhecia; Pedro Andrade foi mencionado no decorrer do programa, assim tomei conhecimento de como ele se chamava; Caio Blinder e Lucas Mendes não possuíam nenhuma notável característica da qual se pudesse extrair uma designação alusiva a ela; Ricardo Amorim, devido a sua notável arcada dentária extremamente alva – nunca na minha vida eu havia visto dentes tão claros –, foi mentalmente batizado de Dente Branco (o nível de claridade de sua guarnição maxilar era tão elevado quanto o seu pedantismo; sua dentição era a manifestação física de sua pateticidade; ele poderia perfeitamente ser uma das personagens pedantes que constantemente aparecem nos filmes de Woody Allen – com a única diferença de que Amorim não possuía nenhum conhecimento.). Devo admitir que um dos membros da Assembleia não merecia estar lá; Pedro Andrade fazia comentários sensatos e parecia ter pesquisado sobre os tópicos do programa, ao contrário dos outros, os quais provavelmente foram dominados por uma absurda auto-confiança prepotente, a qual os fez julgar não necessária a busca por conhecimento sobre os assuntos a serem debatidos na mesa.

Mas o que isso tem a ver com a sétima arte? Como disse no primeiro parágrafo, um dos assuntos debatidos no programa é cinema. A vítima dessa arte pela qual sou apaixonado a que eu assisti ser açoitada foi A FITA BRANCA, último longa de Michael Haneke. O cineasta me encantou com FUNNY GAMES U.S e CACHÉ; além disso, já conheço a fama de sua última obra, a qual ganhou a Palm d’Or no Festival de Cannes (premiação que eu respeito muito) e o Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro (essa premiação já não tem meu apreço). Pedro iniciou a discussão fazendo um belo comentário sobre o filme, dizendo que Haneke buscou uma estética clássica para a película. Dente Branco e Diogo não entenderam o comentário, e pensaram – se é que aqueles dois seres pensam – que o diretor pretendia que sua obra fosse um clássico, pretensão a qual Pedro jamais incluíra em seu comentário. O resultado da ignorância dos dois mais nobres membros da API foi uma seção de piadas cretinas sobre a falsa arrogância de Haneke. Espero que os outros espectadores tenham detectado o mal entendido, mantido suas mentes intactas após aquela lavagem cerebral putrefata, e não distorcido a imagem do austríaco. Outro trecho do debate o qual me irritou profundamente foi quando perguntaram a opinião de Diogo sobre Haneke. Mainardi disse que havia apenas visto um filme sobre dois garotos que entravam em uma casa e torturaram a família (ele estava referindo-se a FUNNY GAMES). O jornalista da Veja disse que havia achado o filme muito parado – acho que ele está mais acostumado com enlatados estadunidenses – e que o cineasta retratava de coisas muito pesadas – declaração que confirma meu pensamento anterior – e não o achava normal por causa disso.

Definitivamente não suporto quem confunda a obra do realizador com o próprio realizador – ou quem não consegue distinguir o gosto do indivíduo e o próprio indivíduo. Ilustrando minha idéia: Chan Wook-Park não é um sanguinário por ter filmado OLDBOY, e quem assistiu à Trilogia da Vingança não é um feroz assassino. Em uma declaração de Guillermo Arriaga – roteirista da Trilogia da Perda, filmada por Alejandro Gonzalez Iñarritu – mostrava sua falta de apreço por indivíduos artisticamente sádicos, como Quentin Tarantino. O desrespeito ao gosto dos outros devido a uma tentativa frustrada de transmitir benevolência a qual se transforma em uma cegueira cultural é de uma inocência ímpar. Não bastasse isso, Caio Blinder começou a dizer erroneamente que o nome da película a qual Diogo Mainardi se referia era CACHÉ; Pedro Andrade educadamente tentava retificar o colega, falando que o nome do filme era FUNNY GAMES. No entanto, as tentativas do singular membro da API foram em vão, pois Blinder não apenas dizia o que ele pensava ser o nome do filme, ele metralhava o equivocado título em cima de todos. A Assembleia parecia um zoológico com aquela saraivada de equívocos; isso apenas comprova a jactância dos componentes da mesa ao não pesquisarem sobre os assuntos debatidos.

Para finalizar a discussão cinematográfica, Dente Branco declarou que filmes como os de Haneke não eram divertidos, mas que divertido era AVATAR. Por tratar-se do intelecto de Ricardo Amorim, não traduzi a frase como um sarcasmo, mas sim como uma afirmação que revela o vácuo que há na caixa craniana desse ser humano. Pedro Andrade reproduziu meu pensamento de que A FITA BRANCA pode ser muito mais divertido do que AVATAR para alguns.

A mídia brasileira televisiva está fadando seus telespectadores à eterna ignorância. Enquanto esses não abrirem seus olhos para a lavagem cerebral que sofrem, a cena cultural nacional será sempre a mesma: a valorização da cultura vazia, reproduzindo a ideia de que a arte que nos faz pensar é chata, entediante, monótona. A TV vende o Rebolation, vende os blockbusters, vende o vazio cerebral. O pior de tudo: há quem compre. Para a apreciação da verdadeira arte – pois não considero arte vazia uma arte – é necessário uma mudança de mentalidade que é feita com o questionamento sobre aquilo o que nos é oferecido na TV. A televisão é – em suas devidas proporções – a nossa teletela de 1984, de Gerge Orwell.

ANTICRISTO

Um dos filmes mais polêmicos dos últimos anos, Lars Von Trier teria escrito o roteiro de seu último filme em meio a uma enorme depressão. Nas coletivas de Cannes, o diretor proclamou-se o melhor do mundo, dizendo estar acima de Deus – e talvez do Diabo. Não achei a obra absolutamente polêmica, apenas entediante, com um desfilar de psicologismo simbólico, um roteiro que força para parecer erudito e que fez a alegria de meia dúzia de pseudo-cabeças que têm orgasmos com este tipo de narrativa. Charlotte Gainsbourg (premiada em Cannes como melhor atriz) tem a melhor atuação de sua vida, e aí talvez esteja o mérito de Von Trier. Willem Dafoe é o esquisitão de sempre. O prólogo, ainda que um tanto apelativo, é belissimamente filmado. O que mais incomoda, na verdade, é aquela gratuidade em certas cenas “vamos chocar”, com mutilações e violência que servem de muleta para as carências de um filme que foi superdimensionado. Ok, sou suspeito. Não gosto muito do diretor. Achei DANÇANDO NO ESCURO um festival de pieguice, mas gostei de DOGVILLE.

VALSA COM BASHIR

Impressionante. A animação que traz a Guerra do Líbano é um delírio. O incrível é que na memória recente, busco as cenas e elas não são mais animações, tal a beleza, o perfeccionismo, o cuidado do traço. Ari Folman e David Polonski, o roteirista e o diretor de arte, constroem uma obra única, impactante. Ao tentar recuperar suas lembranças da guerra, um cineasta entrevista ex-combatentes. O resultado é um documentário animado, inédito, poético e com uma trilha sonora belíssima. Quem ainda não viu, corre para uma hora e meia de uma experiência única.

THIS IS IT

O documentário, sucesso mundial, dirigido por Kenny Ortega, traz os ensaios de Michael Jackson sem nenhum sentimentalismo mórbido. Não há a antecipação: o nosso astro vai morrer. Os depoimentos são genuínos, de músicos, bailarinos e demais artistas que estão, simplesmente, em êxtase por poderem participar daquele baita evento que nunca vingou. É de cortar o coração observar o cantor perfeccionista cuidando de todos os detalhes, com um vigor e ao mesmo tempo uma delicadeza e educação raras no meio artístico. O mais duro é perceber que, de fato, tais shows seriam maravilhosos e entrariam para a história.

O BÚFALO DA NOITE

O roteirista Guillermo Arriaga é um dos meus favoritos. Adoro AMORES BRUTOS, 21 GRAMAS, BABEL. Depois de alguns desentendimentos com Alejandro González Iñárritu, o diretor das citadas obras, ele investiu com Jorge Hernandez Aldana e fez este O BÚFALO DA NOITE. E que decepção! Mais uma vez apoiada no vai e vem dos acontecimentos, a história não linear nunca decola, nem surpreende. Diego Luna é um don Juan que pega todas, incluindo a namorada do melhor amigo, um cara esquizofrênico que se suicida. Com cenas pretensamente fortes – como a tentativa de apagar a tatuagem do búfalo com uma tesoura –, apoiadas em uma erotização repetitiva e praticamente estéril, o roteiro possui personagens soltos, frouxos, e a história, com ar noir, é um festival de clichês e imagens simbólicas que chegam a irritar por suas pretensões, nunca resolvidas. Enfim, uma pena.      

A série conta a saga de um soldado (interpretado pelo ainda desconhecido Andy Whitfield) cujo nome real por enquanto não foi revelado, um habitante da antiga região europeia denominada Trácia, que, por uma desavença com o exército romano, provoca um motim entre seu povo e tem como consequência sua prisão e a venda de sua bela esposa Sura (Erin Cummings) como escrava. A partir daí, o soldado é jogado na arena de gladiadores como saco de pancadas para os lutadores e, adivinhem, termina por vencer um confronto, é aclamado com o título de “Spartacus” (o nome de um grande rei trácio) e recebe uma segunda chance de viver ao ser vendido para o proprietário de um Ludus, uma “academia” de treinamento de gladiadores, o ambicioso e endividado Batiatus (John Hannah, mais conhecido por sua participação na triologia A MÚMIA), esposo da ardilosa Lucretia (a Xena Lucy Lawless).

Em seus episódios de apresentação, SPARTACUS demonstra um exagero no estímulo visual e deixa a desejar nos demais quesitos. A série já começa contando contra si as inevitáveis semelhanças com a excelente, mas já extinta série ROMA (2005-2007), com o clássico do cinema SPARTACUS (1960), cujo próprio nome foi emprestado, e com o aclamado e mais recente GLADIADOR (2000). O roteiro se concentra em um único ponto – a  história do soldado Spartacus – e não parece inclinado a desenvolver outros personagens e outras tramas paralelas, de modo a render mais histórias interessantes e segurar melhor o interesse do telespectador. Pesa ainda no elenco, formado quase que por desconhecidos, algumas presenças que transcendem a canastrice.

Visualmente o produto é bem feito, ainda que exagerado. Mirando em um público mais jovem, a série tenta combinar o épico com linguagem de histórias em quadrinhos, técnicas de movimento mais que manjadas, uma trilha sonora moderna que muitas vezes não combina com as cenas e um literal banho de sangue, sem deixar muito espaço para algo além da ação. Todas as tentativas de diferenciais empregadas acabam caindo em plágio de obras do cinema como MATRIX (1999) e 300 (2006), só pra citar algumas. O que prejudica ainda mais as cenas é a repetição: as cenas de luta, por exemplo, são quase que executadas em câmera lenta, com direito a “paradinhas” de câmera na hora dos ferimentos, seguidas de uma explosão de sangue surreal na maioria dos casos, na intenção de homenagear o formato HQ. Excetuando-se as cenas de sexo que são bem picantes e dão abertura para um pouco de “emoção“, SPARTACUS: BLOOD AND SAND é exatamente o que o título promete – sangue e areia. Embora fraca, a série é um bom entretenimento, e disso não parece passar.

Minha opinião:

1. Monica Geller (Courteney Cox), de FRIENDS (1994-2004)

O mais bem-sucedido seriado da história da TV americana (e minha comédia preferida), seja pela crítica, seja pelo público, seja pela grana que rendeu, traz três nomes na minha lista. Se tivesse que escolher uma, eu ficaria com a Monica, porque foi ela quem mais me fez rir com seu jeito competitivo, sua obsessão por limpeza, suas compotas, suas lasanhas e seus impagáveis flashbacks ainda gordinha. Megalomaníaca, obsessiva, compulsiva e ainda por cima apaixonada pelo chato do Chandler.

Cena antológica: uma apenas? Monica apostando o apartamento, e perdendo, num jogo meninas X meninos.

2. Rachel Green (Jennifer Aniston). Da entrada triunfal, vestida de noiva, às suas composições fashion quando cai no mundo da moda, muitos achavam que Rachel era a verdadeira personagem principal de Friends, pois muito do roteiro centralizava todas as principais situações ao seu redor. Amada por Ross (e por Joey), Rachel – a Raquel no SBT – era espirituosa e divertida.

Cena antológica: Rachel entrando vestida de noiva no Central Perk.

3. Phoeb Buffay (Lisa Kudrow). Massagista e música de pouco sucesso, a aloprada Phoeb carregava de non-sense o seriado. Tinha uma irmã gêmea malvada, vivia de pequenos bicos, herdou um táxi da avó e merece lugar destaque em qualquer lista que se preze.  

Cena antológica: Phoeb correndo no Central Park.

4. Scully (Gillian Anderson), de ARQUIVO X (1994-2002)

A cética e profissional agente especial Dana Scully possuía uma delicadeza e uma fragilidade que poucos enxergavam. Ainda que seu auge tenha sido nos anos 90, esta é uma das minhas séries favoritas. Scully nunca perdia a classe na hora de investigar et’s e crianças desaparecidas.  

Cena antológica: qualquer uma da Scully descendo do carro na estrada molhada, em meio a bosques, procurando respostas científicas a situações absolutamente incomuns.

5. Ally McBeal (Calista Flockhart), de ALLY MCBEAL (1997-2002)
A solitária advogada Ally vivia em dois mundos: o real e o inventado em sua cabeça, recheado de clássicos de Barry White e outros da black music. Adorável, parecia um marionete, com suas caretas, frente aos estranhos casos jurídicos que defendia.

Cena antológica: qualquer uma de Ally dançando em um mundo paralelo.

6. Sydney Bristow (Jennifer Garner), de ALIAS (2001-2006)

Linda, fluente, sempre com um disfarce nas mãos, sempre fugindo de enrascadas, Sidney é a McGyver  de saias, e deu a Jennifer Garner uma grande popularidade. Impossível não se apaixonar pela compenetrada agente dupla que enfrentava mil e um vilões em cenas absolutamente inverossímeis e adoráveis.

Cena antológica: Sydney fazendo-se de mulher de vida fácil, sexy, dentro de um trem, prestes a arrebentar com um vilão qualquer.

7. Ruth Fisher (Frances Conroy), de SIX FEET UNDER (2001-2005)

Meu seriado dramático favorito de todos os tempos trazia personagens que viviam entre o cotidiano e o bizarro, com falas evaporando humor negro. No comando de uma família dona de funerária, Ruth, uma sensacional mulher esquisita, com seus longos cabelos descuidados, seus vestidinhos de chita, seus namorados mais exóticos ainda e três filhos para se envolver em silêncios e discussões absurdas.

Cena antológica: chapada por ecstasy, andando no bosque e vendo ursos de pelúcia.

8. Claire (Lauren Ambrose)

A filha artista da excêntrica família Fisher, uma versão moderna da Família Adams, é a personagem que mais cresce no show. De adolescente à jovem adulta, Claire passa por barras pesadas, especialmente na convivência com os seus irmãos e mãe.

Cena antológica: a última, quando sai de casa, entra no carro, liga o rádio e finaliza o seriado. Aliás, o final mais emocionante a que eu já assisti de uma série.

9. Grace Adler (Debra Messing), de WILL & GRACE (1998-2006)

Quase todos preferiam o humor cortante de Karen Walker (parente dos Walker de BROTHERS & SISTERS?), vivida pela ótima Megan Mullally. Not me. A ruiva era, de fato, a melhor coisa do show, com suas indecisões amorosas, seus pagamentos de mico, seu ar sexy decadente, sua insegurança como arquiteta.

Cena antológica: Grace roubando as dicas de um personal trainer na academia.

10. Georgia Less (Ellen Muth), de DEAD LIKE ME (2003-2004)

Um seriadinho absolutamente despretensioso, mas querido e com humor inteligente, muito devido ao carisma da mal-humorada e monossilábica George. Morta antes do tempo, é convocada a recolher outras vidas em desfechos violentos. Ácida e terna, a adolescente que nunca virou adulta garantia risadas e algumas lágrimas.

Cena antológica: George em qualquer cena com sua chefe, Delores Herbig (Christine Whiles) na Happy Time.  

11. CJ (Allison Janney), de WEST WING (1999-2006).

Poucos se dão conta de que C.J. é quem mais aparece no seriado que retratou os bastidores da Casa Branca. A porta-voz do presidente possuía um humor refinado, e era o centro de referência de toda a mais alta cúpula dos Estados Unidos criado por Aaron Sorkin.

Cena antológica: qualquer uma de C.J. entrando nas coletivas de imprensa, metralhando os jornalistas com suas respostas rápidas.

12. Samantha Jones (Kim Cattrall), de SEX AND THE CITY (1998-2004)

Ok, as quatro personagens principais de Sex and the city escorregavam no estereótipo, mas tudo ficava mais engraçado quando Samantha entrava em cena, ela e sua infindável lista de casual sex. Tentando ser amiga de drag queens, querendo um lugar especial nos melhores restaurantes de Nova York, era a única que ninguém levava a sério. Por isso, roubava todas as cenas.

Cena antológica: Samantha levando uma esguichada de uma lésbica Sonia Braga.

Pena que por tão pouco tempo:

Presidente Mackenzie (Geena Davis): COMMANDER IN CHIEF (2005-2006)

Olive Snook (Kristin Chenoweth): PUSHING DAISIES (2007-2009) 

Artista que oculta a idade ou mente na cara dura tem bastante por aí. O curioso é pensar que a mentira de Leila vem de muito tempo atrás. Leila  ficou conhecida em todo o Brasil como a professorinha Lu, da novela Renascer, de 1993. Chegou a ser chamada de a nova namoradinha do Brasil.

Na época, a apresentadora do Jornal Hoje, Cristina Ranzolin, fez uma matéria com ela para o programa de sábado. Levou até um chimarrão para tomar com a gaúcha de Esteio. Neste vídeo, a idade que Leila diz, em 14 de agosto de 1993: 25 anos.

Se seguíssemos a linha normal de tempo, a atriz teria morrido esta semana aos 41 anos. Mentira! Ela tinha meio século de vida. Fico pensando no momento mágico em que se joga 10 anos da vida fora. É uma baita de uma mentira, uma mentira que você passa a assumir para o mundo inteiro. Quando estreiou na tv, em 1990, na Manchete, Leila tinha 31 e do dia para a noite passou para 21, como se estivesse chegando na maioridade. E já era balzaquiana… Que loucura isso! Por mais que eu tente, não consigo imaginar como alguém consegue fazer isso. Tente, você. Jogue 10 anos fora. Vou tentar aqui: acabo de fazer 25 anos, 25 anos. Eu tenho 25 anos. Não dá. A mentira de Leila não teve perna curta, mas ser desmascarada depois de morte é algo que a atriz não merecia. Não precisava. É mais feio do que fazer filme pornô.