Como surgiu o Flamenco na tua vida?
Foi um pouco por acaso. Fazia faculdade de comunicação, mas não estava satisfeita com o meu curso e com o rumo que a minha vida tomava. Estava decidida a retomar uma parte importante da minha vida, a dança. Sempre fui apaixonada pelo ballet clássico, mas por várias razões o havia abandonado e achava que eu já não tinha idade para isso. Hoje sei que isso é uma grande bobagem. Enfim, quando liguei para a primeira escola de dança, à procura de aulas, a secretária respondeu: “Aqui só temos ballet clássico e flamenco”. Decidi pelo flamenco. Foi amor à primeira batida (risos). Hoje trabalho em dois grupos, o Grupo Flamenco Silvia Canarim e o Aires de España, do Centro Español de Porto Alegre.

Falando nisso, como está o mercado de dança, especificamente flamenca, no Brasil?
O flamenco no Brasil tem evoluído muito. Quando comecei, há quase quinze anos, não tínhamos acesso a músicas, vídeos e poucos professores vinham ao país ministrar aulas. Atualmente, a situação mudou muito e para melhor. De qualquer forma, trabalhar com qualquer tipo de arte no Brasil é algo muito difícil. Em termos de flamenco, ainda existem poucos grupos profissionais. São poucos também os guitarristas e cantaores, parte essencial para a existência da dança flamenca. Os bailarinos sobrevivem por ministrarem aulas e não por sua atuação no palco.

Como surgiu a idéia do espetáculo A Casa?
Sempre fui fascinada pela obra de García Lorca e, dentro da vertente teatral, pela peça A Casa de Bernarda Alba. Além disso, tinha um sonho antigo de trabalhar com dramaturgia. Resolvi que era hora de tentar me aventurar neste caminho e convidei o diretor teatral Decio Antunes para trabalhar junto ao meu grupo. O projeto não era apenas realizar um espetáculo de dança flamenca, mas sim ampliar o repertório de movimentos e adentrar no universo da danza-teatro flamenca. Para fortalecermos essa leitura diferenciada sobre esta obra, convidei o compositor Felipe Azevedo para criar a trilha sonora. Felipe não é músico originário do flamenco, mas possui um trabalho marcado pelo multiculturalismo, no qual a música brasileira dialoga com outras manifestações musicais.

Como foi adaptar um texto teatral para a linguagem da danza-teatro flamenca?
A Casa foi um laboratório no qual a ausência da palavra foi o nosso desafio. Esse é um texto forte, carregado de emoções complexas, de conflitos e metáforas sobre a repressão social e política da Espanha na década de 30, em pleno governo franquista. O trabalho começou justamente com a leitura da obra. O elenco, juntamente com os diretores, discutiu o que representava aquela obra para cada um de nós, as relações entre as personagens e os ecos que encontravam na equipe. Na fase seguinte, iniciamos as oficinas teatrais, conduzidas por Decio. Essas oficinas funcionaram como uma espécie de laboratório de movimentos que, mais tarde, deram suporte para as coreografias. A música, obviamente, também influenciou a maneira como nossos corpos se movimentavam e traduziam as emoções desejadas.

Como foi a escolha do elenco?
O grupo já tinha uma formação de alguns anos. Além desses bailarinos, Maria Albers, Iandra Cattani, Rita Zanini, Jaqueline Ferreira e Adriano Ferreira, convidamos Daniele Zill e Ana Medeiros da Companhia Andréa Del Puerto.

E os músicos?
Para a execução da trilha ao vivo, foram chamados o guitarrista flamenco Giovanni Capeletti, a cantaora Thaís Rosa, o violoncelista Douglas Araújo e o percussionista Tuti, além do próprio Felipe, que tocou o violão brasileiro.

Por que apresentar o espetáculo num espaço não-tradicional, como o Solar Conde de Porto Alegre?
Essa foi uma proposição do diretor. Ele tinha interesse em realizar o espetáculo em um casarão antigo. Por uma incrível coincidência, o primeiro casarão visitado foi o Solar, onde funcionou a sede do DOPS em Porto Alegre na época da ditadura militar e que hoje abriga o Instituto de Arquitetos do Brasil (IAB). Esse fato foi de extrema importância para a dramaturgia que estávamos começando a construir. O paralelo entre as ditaduras brasileira e espanhola, entre a repressão política e social, entre o flamenco e a cultura brasileira ficaram muito mais coerentes.

Qual o enredo de A Casa?
A peça de Lorca conta a história de uma matriarca que encerra as cinco filhas dentro da própria casa para cumprir um luto de oito anos. Essa foi a metáfora utilizada por Lorca para simbolizar o enclausuramento da Espanha durante os obscuros anos da era franquista.

O que representa García Lorca no universo do flamenco?
García Lorca foi um dos primeiros intelectuais espanhóis que valorizou o flamenco. Antes dele, vários poetas, escritores e viajantes estrangeiros já haviam percebido a grandiosidade da arte flamenca, porém, como ela era cultivada nos bairros mais pobres, seus artífices eram marginalizados pelos próprios compatriotas. Ele, talvez como nenhum outro, soube traduzir a universalidade da cultura andaluza na sua expressão mais representativa: o flamenco. Lorca nasceu na província de Granada, que fica na Andaluzia, região sul da Espanha, berço dessa arte. Seus livros Poema Del Cante Jondo y Cancionero Gitano são uma verdadeira crônica da vida dos ciganos espanhóis. Outra faceta importante da obra de Lorca foi a música. Sua amizade com o compositor erudito Manuel de Falla originou o primeiro concurso de Cante Jondo de Granada. O Flamenco, que então passava por um período de obscuridade, entrou em um processo de revalorização.

O espetáculo, que tem uma produção requintada – um elenco de dezoito artistas, entre bailarinos, atores e músicos –, que ocupa três níveis do casarão, com deslocamento da platéia, deve ter sido muito caro. Além disso, ficou em cartaz mais de um mês em Porto Alegre, o que é raro para um espetáculo de dança. Vocês receberam algum tipo de patrocínio?
Nós recebemos financiamento do Funproarte – Fundo de apoio à Produção Artística e Cultural da Prefeitura de Porto Alegre – uma das poucas alternativas para os artistas locais viabilizarem suas produções.

Com nove indicações ao prêmio mais importante de dança do Rio Grande do Sul e quatro estatuetas conquistadas, A Casa foi o grande vencedor do Açorianos de 2007. O que isso representou na trajetória dA Casa?
Acredito que foi o reconhecimento de mais de um ano de muito trabalho, pesquisa e produção, de um espetáculo que, com certeza, ficará nos nossos corações e na memória de toda a equipe que acabou se tornando uma grande família ao longo desse processo. Além disso, representa uma conquista para os artistas que trabalham com o flamenco em Porto Alegre, pois essa foi a primeira vez que um espetáculo que tem essa linguagem é indicado ao Prêmio Açorianos.

Quando A Casa volta em cartaz?
Não temos uma data definida, até porque não temos patrocínio ainda. O espetáculo é realmente muito caro e a única forma de viabilizá-lo de novo é conseguindo verba para podermos iniciar uma nova temporada.

Quais são teus próximos projetos?
Tenho várias coisas em mente, mas não fechei as portas dA Casa ainda!

José Wilker é dos mais atuantes e competentes atores da cena artística brasileira, desses atores stanislaviskianos, de entrega absoluta ao personagem, capaz de fazer a platéia sonhar junto. Assim, de corpo, alma, idéias e sentimentos criou tipos memoráveis como o Vadinho de DONA FLOR E SEUS DOIS MARIDOS (de Bruno Barreto), maior bilheteria do cinema brasileiro; o Mundinho Falcão, de “Gabriela” (novela de Walter George Durst e com direção de Avancini); o Tenório Cavalcanti de O HOMEM DA CAPA PRETA e o Antônio Conselheiro de GUERRA DE CANUDOS (ambos dirigidos por Sérgio Rezende); o galã Roque, de ”Roque Santeiro” (do magistral Dias Gomes) e o homossexual Ariel em ”Desejos de Mulher”, em 2002 (novelas da Rede Globo). Com o Giovanni Improtta de ”Senhora do Destino” (novela de Aguinaldo Silva) reafirmou sua enorme empatia popular.

Como dramaturgo, a estréia foi com Renata Sorrah vivendo Trágico Acidente Destronou Tereza. Em cinema, a primeira atuação foi em ESTRANHO TRIÂNGULO, ao lado de Carlo Mossi. À época, devia ter uns 20 anos e considera sua atuação péssima. Nem gosta de lembrar do trabalho… Acabou virando cinéfilo de carteirinha e hoje possui filmoteca com quase 5 mil títulos. Quando está em casa, o programa preferido é assistir a um bom filme. Aliás, diga-se de passagem, se é Cinema, ele já começa achando bom: “Muitas vezes ver um filme realmente ruim, muito ruim, é uma experiência maravilhosa”. Presidente da RioFilme (órgão da prefeitura carioca responsável pela produção e distribuição dos filmes brasileiros), além de contratado da Rede Globo, trabalha no Telecine (canal por assinatura) e atua no rádio.

Desde o início do ano está mais uma vez na telinha, desta vez vivendo o presidente Juscelino Kubitschek na minissérie JK, de Maria Adelaide Amaral e Alcides Nogueira. A caminho, novos trabalhos em cinema: OS DESVALIDOS, de Francisco Ramalho Jr., O MAIOR AMOR DO MUNDO, repetindo a dobradinha com Cacá Diegues, e o próximo do amigo Hugo Carvana, CASA DA MÃE JOANA, história de quatro homens em torno de 50 anos, os quais relembram os bons tempos vividos no Rio de Janeiro das décadas de 70 e 80. Todos devem estrear em 2006.

PC: Como foi a decisão de entrar para a vida artística?
JW: Quando comecei, meu compromisso em representar era diretamente ligado a uma atividade político-partidária. Eu era do pessoal da juventude comunista. Tínhamos um grupo de teatro cujo trabalho tinha por base o método Paulo Freire. Nossa intenção era contribuir para eleger Miguel Arraes governador de Pernambuco. Não sabíamos nada de dramaturgia, a não ser que Mao Tsé-Tung, quando fez a Grande Muralha da China, estava acompanhado por um grupo de teatro.

E daí pra chegada ao teatro…
Eu achava que teatro era entediante, porque o teatro que entendia era o de pessoas assistindo a uma encenação com homens montados a cavalo falando de reforma agrária, de um futuro melhor… Até que conheci Rubens Corrêa e ele me chamou pra fazer O Arquiteto e o Imperador da Assíria. E aí comecei a me apaixonar por teatro.

E o que a peça tinha de tão especial, além da oportunidade de contracenar com Rubens?
Ah, era uma viagem interior fantástica. Foi também uma época em que a gente descobriu o LSD… aí comecei a perceber que era muito sectário em relação a uma porção de coisas, dividia tudo entre direita e esquerda, e aos poucos fui-me curando de tudo isso. Comecei a duvidar de minhas posições políticas e passei a não ter certeza alguma.

O que é mais importante na formação de um Ator?
Eu acho que o texto de teatro, televisão, cinema, é como uma partitura de música e cabe ao ator lê-la, e ao ser capaz de ler, tocá-la. O importante é que você acumule cultura pra administrar seu talento, porque tê-lo sem conhecimento pode quase nada… Qualquer forma de teatro, qualquer estilo de interpretação, pode ser importante. O Teatro tem que ser inclusivo. Nós tínhamos uma atitude rancorosa, preconceituosa, em relação a algumas formas de teatro. Eu era de um grupo que achava que só a forma de teatro que a gente fazia era certa, era boa. Mas o mais belo pra mim na arte de interpretar é a verdade no texto que é dito e no personagem criado, seja ele qual for. Não conheço nenhum grande ator internacional que antes não tenha sido um grande ator nacional.

O que você acha das críticas ao trabalho em televisão?
Já fiz teatro e lamentei ter feito. Já fiz televisão e cinema e também lamentei. Mas já adorei fazer todos eles. Fiz teatros muito ruins que prestaram enorme desserviço a mim, ao teatro e ao povo brasileiro… Por exemplo, ao dizer Eu te amo… Às vezes você sussurra na tevê e berra no teatro, e ambas as formas podem ser bem feitas. Veja a telenovela brasileira, que desempenha um papel muito importante na educação sentimental do povo. Ainda não se estudou a mudança profunda no comportamento do homem provocada pelas telenovelas. O homem brasileiro hoje é muito mais tratável, consegue expressar seus sentimentos de forma muito mais clara graças a essa mudança de padrão ocorrida na sociedade e expressa e difundida de forma sutil e poderosa pela telenovela.

Você contou no programa “Sem Censura”, da Leda Nagle, uma história insólita: que certa vez falou a um jornalista sobre um cineasta estrangeiro, e passou uma hora falando sobre o cara, e o jornalista anotando. Só que o cara foi uma invenção sua. E foi muito engraçado ouvir você contando essa história…
É, eu não tenho a menor paciência pra burrice e pra ignorância. Burrice é desesperante! E eu sou meio irônico. Aí o cara veio me perguntar sobre coisas sem a menor importância e eu mandei o nome de um tal Bohainsenberg, “Um grande cineasta que fez mais de tantos filmes…” E o cara foi acreditando, anotando tudo, e eu fui aumentando a história cada vez mais. E ele acabou publicando tudo. Depois ficou muito chateado comigo… O que acontece é que minha geração foi meio privilegiada. Nós fomos obrigados a nos levar a sério, então a gente teve de aprender a ler. Não apenas ler, mas ler e entender o que estava lendo, e daí fazer da leitura uma coisa útil, produtiva. Hoje não, qualquer débil mental aparece na tevê e ganha notoriedade. E aí as pessoas confundem e acham que isso é talento. A minha geração batalhou muito pra chegar onde está e não tinha um décimo da notoriedade que se ganha hoje.

Se você tivesse que citar alguns dos filmes de que mais gosta…
Com prazer: CIDADÃO KANE, O PODEROSO CHEFÃO I, UM BONDE CHAMADO DESEJO, O NOME DA ROSA, RAN, do Kurosawa, O ILUMINADO, TERRA EM TRANSE, DEUS E O DIABO NA TERRA DO SOL e tantos outros.

De que filmes brasileiros mais gosta?
Gosto de todos. O pior filme nacional, na opinião de quem quer que seja, para mim é o melhor filme do mundo. Falou em português, maravilha.

E os diretores de cinema, quais os preferidos?
Os grandes diretores de cinema vêm de uma sólida formação teatral. Esta passagem do teatro para o cinema é essencial. Eu diria Kurosawa, Orson Welles, Martin Scorcese, Stanley Kubrick, Brian de Palma, Billy Wilder, Kazan, Fellini, a família Barreto, Cacá Diegues, Walter Salles e outros que me escapam agora.

Você diz não gostar muito de se ver atuando…
Estou sempre em crise com esse negócio de ser ator. Já cheguei até a achar que o cara que se divide em dois é esquizofrênico e que eu devia ser internado… Sou muito crítico com o que faço, sempre acho que poderia ter feito melhor, que saiu exagerado, mas não tenho medo de correr risco. Não sou um ator que planeja, estuda. Vou na intuição mesmo, no feeling… Não sei nada, estou aprendendo, começando, me reinventando. Mas posso dizer que a melhor coisa que me aconteceu como ator foi me conhecer. Pude olhar pra dentro de mim, me investigar e reconhecer meus defeitos graves e minhas qualidades. Descobri como viver em paz comigo mesmo.

Você já declarou que considera o Big Brother um desserviço à profissão de Ator, mas a tevê já engatou uma nova edição. O que mais te incomoda no programa?
Eu acho reality show uma novela muito mal escrita. Se alguém gosta de fazer de sua vida privada um pequeno varejo, eu tenho muita pena e só. Não quero dividir cena com essas pessoas porque elas atrasam meu trabalho.

E quanto ao Oscar, você disse que o prêmio não tem a menor importância para o Brasil. É isso mesmo?
Pois é, um dia vamos ganhar e nada vai mudar. Porque a premiação para filme estrangeiro é só uma espécie de mea culpa do cinema americano pela invasão e o massacre que promovem no mundo todo. O colégio eleitoral que escolhe o filme estrangeiro não tem muito significado e os jurados às vezes nem vêem os filmes porque são legendados, e americano não gosta de ler legenda, não tem saco nenhum pra filme estrangeiro.

O Cinema é uma das prioridades na sua vida. E para o cidadão comum, você arriscaria apontar um grau de sintonia?
Eu entendo cinema como uma coisa importante na medida em que ele invade e se deixa invadir pelo dia-a-dia. Sendo assim, uso o cinema para entender o cotidiano e o cotidiano para revelar sentidos aparentemente ocultos nos filmes. Nunca tanta gente viu tanto cinema como agora. Ligue a tevê e confirme, repare no número de cineclubes em funcionamento no país, há festivais em todas as partes, bilhões assistem à entrega do Oscar…

E o Cinema Digital?
É o futuro. Trata-se de uma revolução tão importante quanto a chegada do som aos filmes. Claro, como em toda revolução, haverá um período de instalação gravemente conturbado, mas será um período necessário e inspirador. É preciso acabar com a vaidade de só aceitar o filme na tela grande, no cinema.

Como tem sido presidir a RioFilme?
O cinema e a administração estadual têm ritmos bem diferentes. O da administração é muito lento. Os cineastas precisam contar minimamente com o apoio oficial. Mas o cinema tem que aprender a caminhar de acordo com esse ritmo. O orçamento é uma ficção: é um desejo que o governo tem de arrecadar determinada quantia, que pode ser maior ou menor. Mas o grande problema do cinema não é a produção. A gente pode fazer filme sem dinheiro nenhum ou com muito dinheiro…

E agora nós podemos dizer que o cinema brasileiro encontrou enfim seu caminho?
Não acho que o cinema brasileiro vive um grande momento. Eu acho que a gente tem hoje filmes muito expressivos, mas ainda não temos um Cinema. Porque um filme não gera outro filme. Gera dívidas para o cineasta. E acho que ao invés de a gente se empenhar tanto em conseguir um Oscar, a gente deveria se empenhar fortemente em aprender a escrever pra cinema. Nós temos um problema grave que afasta o público brasileiro de nossos filmes que é a notável pobreza dos nossos roteiros. Na média, os nossos roteiros são muito fracos.

Com relação à minissérie JK, como você se preparou para “viver” Juscelino?
Partindo do princípio de que não é um documentário a respeito de Juscelino, não estou fazendo nada de especial. Somente o que sempre faço quando começo um trabalho: ler muito a respeito. Li “Brasília Kubitschek de Oliveira” (Ronaldo Costa Couto) e “JK: O Artista do Impossível” (Cláudio Bojunga). Não sei até que ponto vou usar isso para representar. Mas, com certeza, se não tiver a informação, não saberei como fazer. Porque, na verdade, por mais que a gente busque ser fiel ao personagem, a fidelidade é sempre mais de idéias do que de verossimilhança, semelhança física ou semelhança gestual.

O que é melhor ou mais fácil de criar: personagens fictícios ou pessoas reais?
Gosto de fazer as duas coisas, mas prefiro sempre os desafios. Acabei de filmar Lampião (OS DESVALIDOS, de Francisco Ramalho). E assim fiz Tiradentes, Antônio Conselheiro e Tenório Cavalcante e também o Vadinho, de DONA FLOR E SEUS DOIS MARIDOS, do Bruno Barreto, um personagem que existiu… e me falavam muita coisa a seu respeito… Era um “personagem” que tinha “muito dono”. Eu me sinto confortável com esse tipo de personagem.

Como você faz para dar conta de fazer tanta coisa ao mesmo tempo?
Quando se faz o que se gosta, o tempo é seu aliado. Do contrário, ele se torna seu carrasco. Disciplina é tudo para dar conta das coisas.Agora mesmo, além da minissérie e do próximo filme, estou produzindo uma peça de teatro que quero estrear até o fim do ano chamada Sangue, do sueco Lars Norén, na qual vou atuar ao lado da Marília Gabriela.

Que imagens da infância em Juazeiro são mais fortes em sua memória?
Em frente à minha casa, em Juazeiro, eu cresci vendo um rastro de sangue na porta que era o sangue das pessoas que vinham de joelho, de muito longe para pagar promessas… Presenciei tudo quanto é tipo de fé. Havia dois extremos em mim: a fé monumental e a desconfiança brutal porque via que nada dava certo. Hoje sabemos que não é a caridade cristã que leva a gente a algum lugar. E tem mais: antigamente, se levava muito tempo até acontecer um milagre. Hoje os milagres são oferecidos na tevê a cada minuto, você paga pra ver os milagres acontecendo… É demais!

E como você se define?
Sou uma pessoa absolutamente anárquica, mas ao mesmo tempo sou absolutamente disciplinado. Sou o preguiçoso que mais trabalha que conheço, uma pessoa tranqüila e organizada, apesar de doido!

Leona, você está em Gramado com dois curtas, CAPITAL CIRCULANTE e DESEQUILÍBRIO, e uma participação no OLGA, fora de competição. Primeiro: como foi trabalhar em DESEQUILÍBRIO?
Foi muito legal participar de DESEQUILÍBRIO porque seu roteiro é super diferente, contando a história de uma prostituta que se apaixona por um equilibrista. Ao mesmo tempo, tudo pode se passar dentro do inconsciente dela. É a história de um personagem muito diferente. Essa paixão pelo equilibrista traz a referência do anjo caído, junto dos poemas do Augusto de Campos, podendo trabalhar bastante com as imagens de uma outra maneira. Não tem diálogos, tudo é construído em cima desses poemas. Foi um filme que eu fiz há alguns anos atrás e só está estreando agora. É o primeiro curta do Francisco Garcia.

E você também faz um prostituta em CAPITAL CIRCULANTE…
Pois é, também, é curioso. São duas prostitutas, mas completamente diferentes uma da outra. Em CAPITAL CIRCULANTE já é outro papo, ela é muito mais descolada, muito mais esperta. Teve até uma passagem curiosa. Eu estava no Rio de Janeiro, filmando na avenida Atlântica, e encontrei o Nelsinho, filho do Nelson Rodrigues . Ele tinha me visto como Geni, em Toda Nudez será Castigada, e me disse: Ah, você por aqui, Geni?. Eu disse: Pois é, você vê, estou por aqui outra vez, como outra Geni. É engraçado pensar nisso, a Geni no teatro e essas duas, agora, no cinema, três prostitutas que são, na verdade, completamente diferentes entre elas. O que eu acho bacana em fazer estes personagens é poder dar a dimensão humana a elas. No caso de CAPITAL ela é essa persona astuta, diferente da sofrida de DESEQUILÍBRIO.

E como foi a produção de CAPITAL CIRCULANTE?
Foi bacana, foi um filme que eu fiz com o Ricardo Mehedeff. É um diretor muito bom, acho que tenho muita sorte com os meus diretores.

É uma produção muito boa, mesmo sendo independente, tem uma qualidade excelente…
Você viu? É bacana, eu não tinha visto ainda e gostei bastante. O legal foi que DESEQUILÍBRIO eu também não vi, acabei assistindo aqui pela primeira vez.

É legal assistir junto do público e perceber as suas reações? Ainda dá um friozinho na barriga?
Dá. Nossa, dá sim, porque é a estréia pra mim também. Existem filmes, inclusive, como o longa CONTRA TODOS (dirigido por Roberto Moreira, ainda não lançado), eu fiz há pouquinho tempo e filmei inteiro sem vídeo assist. Então você não sabe como ficou, ainda tem a edição, o som. Quer dizer, a surpresa é multiplicada, nem é redobrada.
E no caso de CAPITAL CIRCULANTE eu tinha visto apenas as minhas cenas, não o filme inteiro. Por isso é claro que me dá um friozinho na barriga, eu quero muito que o filme seja bom, apesar de confiar muito nos diretores.

A entrega é total?
Me entrego, claro. Eu parto desse princípio: se eu estou trabalhando com uma pessoa é porque eu estou confiando totalmente nela. E eu tenho sorte, realmente eu posso dizer que tenho tido sorte.

Você tem feito boas escolhas. Desde UM CÉU DE ESTRELAS, filme super premiado…
Foram meus primeiros prêmios de atriz, neste meu primeiro filme. (Leona ganhou os prêmios de melhor atriz dos críticos paulistas, do Cine Sesc e em Trieste). Depois eu fiz ATRAVÉS DA JANELA, também da Tata Amaral, com a Laura Cardoso, depois o AMARELO MANGA…

AMARELO MANGA foi um filme surpreendente, num ano de megasucessos como CARANDIRU, que você também faz uma participação, ele teve uma ótima carreira, de público e de crítica.

Qual é este projeto que você talvez vá filmar?
O FEDERAL, do Erik de Castro, diretor de SENTA A PUA, de Brasília. Eu faço a mulher do Carlos Alberto Riccelli. É com o Selton Mello, e tem um elenco de fora também. Não sei direito o cronograma, mas é meu próximo filme.

Para terminar, Leona, fala um pouquinho sobre o clima do Festival de Cinema de Gramado.
Eu adoro…

Além de tudo, é voltar pra casa.
É, voltar pra casa, encontrar minha família, que está aqui, inclusive (Leona aponta alguns familiares que aguardam, pacientes, o final da entrevista). Eu adoro, acho que é um festival muito bem organizado, realmente é. É um festival grande, tem toda uma infra-estrutura, e oferece muitas coisas. Eu, particularmente, tenho ido bastante a festivais pelo Brasil, que são também muito bons, mas o de Gramado tem um diferencial porque consegue trazer gente de diversas áreas. Ele é realmente um grande ponto de encontro. Todo festival é, mas Gramado consegue realizar isso de uma maneira muito legal.

Argumento: Qual a sensação de uma atriz jovem e experiente, como tu, receber um kikito em Gramado? O que representa, para ti, esse prêmio?
Dira Paes: Eu sempre quis ter um Kikito, pois sempre achei essa estatueta linda, além do que um prêmio em Gramado ganha uma dimensão nacional devido a alta popularidade do Festival.

Argumento: Muda alguma coisa no teu trabalho de atriz quando tu és também produtora, como em CELESTE E ESTRELA?
Dira Paes: Co-produzir um filme ou uma peça teatral é uma maneira de viabilizar a produção dos projetos que você acredita e quer participar, mas durante os ensaios e a filmagem, eu só sou atriz.

Argumento: Tua parceria com a Betse de Paula já rendeu dois filmes bem divertidos. Quais as dificuldades – e prazeres – em fazer comédia?
Dira Paes: A comédia no cinema tem o desafio de manter a piada fresca, pois as repetições entre ensaios e filmagem podem fazer com que você perca a graça, diferente do teatro, que você tem a resposta instantaneamente. A Betse me introduziu à comédia no cinema, esse passo me proporcionou um novo olhar sobre o meu trabalho. O grande prazer é ouvir a gargalhada espontânea do público durante a projeção do filme.

Maria Fernanda Cândido tem 29 anos, é paranaense de Londrina, foi eleita a mulher mais bonita do século XX e, na semana passada, conquistou o Kikito de melhor atriz do Festival de Cinema de Gramado pelo filme DOM, seu primeiro trabalho na “telona”. Na história, baseada no livro Dom Casmurro, de Machado de Assis, ela vive a personagem Capitu, o grande amor do ciumento Bentinho, interpretado por Marcos Palmeira.
Antes de embarcar para uma temporada de dez dias na Europa, Maria Fernanda, que já fez quatro novelas – Pérola Negra (SBT), Serras Azuis (Band), Terra Nostra e Esperança (Globo) – uma minissérie – Aquarela do Brasil (Globo), conversou com o Argumento sobre sua estréia no cinema.

Argumento: Fazer cinema era um sonho?
Maria Fernanda: Minha formação como atriz foi toda feita voltada para o cinema. Eu estudei interpretação para isso durante três anos com a Fátima Toledo e se hoje sou uma atriz, é por causa da minha grande paixão pela sétima arte.
Meu tão esperado encontro com ela demorou um pouco, porém aconteceu na hora certa. Tive a alegria de interpretar essa personagem deslumbrante, a Capitu.

Argumento: O que representa para sua carreira o Kikito de melhor atriz?
Maria Fernanda: É mais do que um ponto de chegada, ele representa um ponto de partida para mim, o início de uma história com o cinema brasileiro. Estou extremamente feliz por ter recebido esse prêmio.

Como diretor de teatro foram muitos espetáculos marcantes, de grande empatia com público e crítica, como CERIMÔNIA POR UM NEGRO ASSASSINADO (Fernando Arrabal), NA CARRÊRA DO DIVINO (Carlos Alberto Sofreddini), e FELIZ ANO VELHO (Marcelo Rubens Paiva e Alcides Nogueira). Tive oportunidade de assistir a este espetáculo no Teatro Villa-Lobos, no Rio, em 84. Com ele, Betti ganhou todos os prêmios de Direção naquele ano. Ele relembra entusiasmado: “Ninguém esquece da cena inicial do Marcos Frota pulando do alto da escada e mergulhando no escuro”. Daí partiu um convite do ator Sérgio Britto para dirigir ASSIM É, SE LHE PARECE, de Luigi Pirandello. Mais uma montagem inesquecível, uma irretocável direção do ator, que também conferi quando da temporada no Teatro dos Quatro, Rio de Janeiro. No elenco, a saudosa Yara Amaral, José Wilker, Nathália Thimberg, Ary Fontoura, Cristina Pereira e o cearense Nildo Parente, citando apenas alguns.

Pode ser no cinema, no teatro, na televisão. O trabalho de Paulo Betti sempre se destaca. Este ano marca a estréia na direção de Cinema com CAFUNDÓ, um dos mais tocantes filmes da safra 2005, exímia direção de atores a provar a necessidade de por trás das câmaras haver alguém que confere ao Ato de Representar a importância devida. E Betti sempre está fazendo mais de uma coisa ao mesmo tempo. Agora, por exemplo, além de estar fazendo o circuito de festivais nacionais e internacionais com CAFUNDÓ, faz Malhação, apresenta o programa semanal de entrevistas “Novos Nomes”, no Canal Brasil, dirige o musical “A Canção Brasileira”, de Francisco Iglesias, no CCBB carioca, e ainda coordena as muitas atividades da Casa da Gávea (RJ) e do Instituto Cultural Vila Leão, em Sorocaba, sua cidade natal.

O filme teve sua primeira exibição pública durante o 7º Festival Internacional de Cinema de Brasília, mas a grande platéia mesmo estava na 33ª edição do Festival de Gramado, onde CAFUNDÓ conquistou 4 Kikitos e o prêmio RGE de Incentivo à Realização Cinematográfica.

Conheça agora um pouco mais sobre Paulo Betti, suas idéias e a estréia dele no cinema como diretor.

Como nasceu a idéia de CAFUNDÓ?
Paulo Betti: A história do preto velho Nhô João de Camargo me encanta desde criança. CAFUNDÓ conta a história do escravo João de Camargo, que encontra através de uma iluminação mística uma possibilidade de ser alguém no mundo dos brancos. É baseada em fatos reais e está relacionada com minha infância, porque a igreja que ele construiu ficava no caminho da roça do meu avô. CAFUNDÓ aborda o sincretismo religioso característico do Brasil sob a ótica delirante de João de Camargo, vivido de forma brilhante por Lázaro Ramos. No elenco, estão também Leandro Firmino, Leona Cavalli, Francisco Cuoco, Flávio Bauraqui e Luis Mello. O filme é a oportunidade de mostrar a visão peculiar que tenho sobre a história dos negros. A sensação de ver este projeto finalizado é maravilhosa!

E dirigir no cinema, como é?
Dirigir cinema é completamente diferente de dirigir teatro, onde você só dirige os atores. No cinema não, é uma equipe enorme que você tem de dar conta. Uma aventura enorme de egos e vaidades, de urgências de tempo. É um mar mais revolto. Mas gostei muito da experiência, tenho vontade de continuar nisso.

Você diria que foi um passo muito difícil?
Não, pois dividi a direção com Clóvis Bueno (O BEIJO DA MULHER-ARANHA e CASTELO RÁ-TIM-BUM). Trabalhamos juntos muito tempo. Ele é um experiente e talentoso diretor de arte e isso ajudou muito a estruturar uma base para o filme. Tivemos também uma produção muito competente. Estive cercado de gente muito experiente. Talvez, se estivesse sozinho, me afogasse.

E como nasceu a idéia do filme?
Desde que eu era menino, com cinco anos, visitava meu avô, um imigrante italiano que era meeiro de um fazendeiro negro em Sorocaba. Era uma situação muito insólita, pois poucos negros tinham a propriedade da terra e era difícil ter um imigrante italiano trabalhando nessas condições. Eu o visitava na roça e via a casa grande do ponto-de-vista da senzala. Era uma visão invertida. No meu bairro, 95% da população era negra. Era um quilombão. Então, toda a minha visão da negritude, da cultura negra e das minhas relações na infância passaram por essa ótica. É uma história fascinante, que me conquistou desde a infância. No caminho da roça do meu avô havia uma igreja misteriosa, que ainda existe, dedicada a esse homem, João de Camargo. Ele foi escravo e criou uma religião da qual foi sacerdote e papa, um misto de espiritismo, da religião ancestral africana e do catolicismo, as três religiões formadoras do núcleo sincrético da criança dele.

O filme tem uma riqueza de cores e de sincretismo religioso impressionante. É como um mergulho no Brasil profundo. Quando é que você percebeu que ali estava um material rico para ser explorado num longa-metragem?
A história do filme é uma obsessão minha, da vida inteira. Eu tentei de todo jeito botar essa história na peça NA CARRÊRA DO DIVINO, em 79, mas não tínhamos um ator negro no Pessoal do Victor, aí não deu. Quando voltei dos Estados Unidos, onde fiz curso de Documentário, resolvi ir a Sorocaba e fazer um filme sobre a história de minha mãe, que teve 15 filhos, analfabeta como meu pai. Na hora deu aquele pudor bobo de deslocar uma equipe para filmar minha mãe… Como era Dia de Finados e ela gostava de ir ao cemitério, fomos pra lá e então filmei o túmulo do nhô João. Cheguei em casa, filmei minha mãe e ela falou muito sobre ele. Daí resolvi: o documentário seria sobre João e minha mãe faria parte dele. Mais tarde, o Adilson Barros passou lá em casa com sua mãe e eu falei todo animado que ia fazer um documentário sobre o João de Camargo. E ele disse: “Isso é mixa. O João de Camargo é um longa, uma coisa maravilhosa”. Nessa mesma noite, o Adilson me falou que o Florestan Fernandes tinha um trabalho sobre o João. No dia seguinte, fui atrás do Florestan e gravei um depoimento dele. O fato de um grande mestre como ele ter interesse no tema reforçou ainda mais minha convicção de que ali estava um assunto fascinante. Ele virou uma estátua de barro dessas que você encontra em lojas de umbanda. É o pai João de Camargo, um exemplo de humildade que se impunha e nos orientava o tempo todo no set.

De lá para cá, então, você veio tocando o projeto paralelamente à sua carreira de ator…
Reuni muita coisa. A geração do livro “João de Camargo de Sorocaba – O Nascimento de uma Religião”, de Carlos Campos e Adolfo Frioli [ed. Senac], veio junto de muita coisa, perda de pai, de mãe, e eu querendo segurar tudo. Criei em Sorocaba, na casa em que cresci, o Instituto Cultural Vila Leão. Lá tem o projeto Quilombinho, com cursos para crianças e adultos. As pessoas ficavam sabendo do meu trabalho e levavam material sobre João de Camargo para lá.

Eu queria que você falasse um pouco como foi a peregrinação em busca da verba necessária pra fazer o filme.
Bom, o projeto foi aprovado em 1995 e fiquei tentando arranjar o dinheiro até 2003, quando filmamos. Foi uma péssima época. Quando comecei, houve todo aquele problema com o Guilherme Fontes [a respeito da verba do filme CHATÔ, O REI DO BRASIL, ainda inacabado] e eu também fazia parte do filme dele. Houve uma certa confusão, pois eu também era ator, sentiam desconfiança. E o tema era religioso, o que assusta um pouco as empresas pela possibilidade de polêmica. Foi penoso e complicado, mas contei com muita colaboração importante no processo. Teve o Clóvis Bueno, com quem me entendi super bem em todo o processo de criação do roteiro e quando preparamos a filmagem. Além de dividir a direção com ele, tive grandes parceiros e certamente os principais foram a Virgínia Moraes e o Rubens Gennaro, que assumiram a produção comigo, dividindo responsabilidades, angústias, frustração e também as muitas alegrias.

Qual foi a repercussão do filme no Festival de Cinema Brasileiro em Nova York?
Eu estava lá. Foi muito legal. É engraçado ver um filme seu com legendas em inglês. Parece que fica mais importante. De uma certa maneira, a palavra escrita ajuda a compreensão. Temos agora uma cópia em inglês para lançar lá fora.

E como foi escolhido o elenco?
O Lázaro foi escolhido quando vimos A MÁQUINA, peça de João Falcão. Era o ator que estávamos esperando! Procuramos colocar atores do Paraná, que tem uma tradição de formar bons atores, e também por razões econômicas, afinal filmamos lá.

Eu soube que foi muito difícil o processo de finalização do filme e queria que você falasse sobre isso…
A primeira cópia do filme ficou cinco meses na [distribuidora] Columbia sem que me dessem uma única resposta. Há uma tentativa de assassinato do cinema brasileiro por parte das grandes distribuidoras. Quando você apronta um filme, leva numa grande distribuidora para ver se consegue uma boa visibilidade. Faz a primeira cópia, que é cara, e você não tem dinheiro para fazer outra. Mas é necessário ter material para poder mostrar e negociar. E fica cinco meses sem uma resposta, um prejuízo enorme… Não sei se é sacanagem ou falta de consideração. Só obtive uma resposta quando liguei e exigi. Aí decidiram não ficar com o filme.

Você tem idéia de quando deve ser lançado CAFUNDÓ?
No começo de 2006, por volta de abril. Não há mais data para lançamento neste ano, e também não haveria tempo para estruturar um projeto junto a faculdades que pretendo fazer. Quero ainda colocar uma banda tocando as músicas dele (João de Camargo, sem ter estudado música, fez composições para a Banda nº 5, criada por ele para a sua igreja) nos cinemas.

Você já tem distribuidora para o filme?
Ainda não. A Columbia não vai, e graças a Deus. Estamos negociando com três distribuidoras. Esperamos fechar o mais breve possível, depois de Gramado nosso passe se valorizou! Vamos ver qual topará fazer o que pretendemos. Queremos um lançamento personalizado, não simplesmente largar e ver no que dá. Quero viajar o país.

Como foi acompanhar a exibição de CAFUNDÓ em Gramado, o festival de cinema mais concorrido do país?
Foi uma emoção muito grande. Gramado é um festival realmente muito popular, tem que ser preservado e melhorado. Eles devem fazer isso: passar apenas um filme por noite para que o público possa prestigiar os concorrentes. Veja, nosso filme passou na mesma noite com mais 2 filmes. Um nem estava na competição! Outra coisa é que eles devem fechar as portas na hora da exibição e não deixar entrar retardatários, prejudica muito o filme que está sendo exibido. Mas é claro que você perguntou outra coisa. Fiquei super feliz e emocionado em ter o filme passando no festival e ainda mais ganhando 4 Kikitos!

E a reação do público e da crítica?
Gostei muito da reação! O público acompanha o filme com atenção. A crítica respeita o trabalho por ser um tema muito relevante. Existem divergências, o que é muito salutar, não esperava unanimidade, mas conseguimos uma: todos consideram um filme muito bem feito!

De que forma os Kikitos vêm-se somar aos planos que você já tem para a carreira de CAFUNDÓ?
É um estímulo grande. O Lázaro ganhar o prêmio de Melhor Ator é excelente para o filme. Ele encarna a figura de João de Camargo, personagem principal. Um filme que tem um melhor ator promete! E ganhamos também prêmios importantes de cinema: Melhor diretor de arte, melhor fotografia e especial do júri de melhor filme. Isso vai ajudar muito o filme!

CAFUNDÓ já tem um circuito previsto também no exterior?
Estamos com convites para Viña Del Mar, no Chile, e Vancouver, no Canáda. Também Amsterdan, Liverpool e São Francisco. Vamos ver se conseguimos fazer esses festivais todos. E também tem Goiânia e Paraty, e os grandes festivais do Rio e São Paulo.

E o Paulo já tem um outro filme esperando na fila?
Tenho dois projetos pensados, vou começar a trabalhar neles, já estou com roteiro pronto e tudo, mas por enquanto é segredo.

Atuar, dirigir teatro, dirigir um filme, apresentar um programa de tevê, coordenar as atividades da Casa da Gávea e do Instituto Cultural Vila Leão, você sempre diz que essas são atividades que lhe dão muito prazer, mas também devem dar algumas dores-de-cabeça. Como você faz pra conseguir atuar em todas essas frentes?
Com a internet facilitou, respondo entrevistas por e-mail. Faço uma coisa de cada vez, como dizia Jack, o Estripador, por partes. São todas atividades que me dão prazer e são complementares, uma se liga a outra, uma fortalece a outra. Claro que dão dor-de-cabeça, mas tenho pessoas maravilhosas que ajudam, que também fazem por prazer. O Instituto, por exemplo, não iria adiante se não fosse a Cassiane, o Pedro Courbassier, a Isabel Monteiro. Em 4 anos fizemos MACBETH, SONHOS DE UMA NOITE DE VERÃO, MORTE E VIDA SEVERINA, cursos, palestras. E eles é que organizam e tocam tudo, eu supervisiono, ajudo, etc.

No início de setembro, estreou no Rio um grande musical dirigido por você: A CANÇÃO BRASILEIRA, com texto do Luís Antônio Martinez Correa, cartaz do CCBB, no Rio. Como nasceu essa idéia e que alegrias você tem tido no contato mais próximo com o universo tão rico da MPB?
Esta peça é uma jóia rara da música popular brasileira. É uma pesquisa da Maria Helena Martinez Corrêa (irmã do diretor de teatro José Celso), que tem 72 anos. Quando seu outro irmão, Luiz Antônio – responsável pela renovação do teatro musical brasileiro – morreu, brutalmente assassinado, 17 anos atrás, ela me trouxe o libreto, que fala de quando o samba se transformou num símbolo nacional, nos anos 30. Depois ela, miraculosamente, encontrou as partituras. É uma opereta de 1933! Fiquei deslumbrado. Adoro pesquisa. Há 3 anos minha filha Juliana me instigou a montá-la… Sempre adorei essa história, adoro pesquisa, e a história da música popular brasileira é incrível!

Se Uma Pessoa Soubesse Qual é o Filme, Que Público, Não Teria Existido Cinema

Num de seus momentos mais inspirados, declarou: ”O Cinema é a Música da Luz”. Quer entender? Procure assistir a uma das poesias cinematográficas assinadas por ele.
Pra mim, bastou assistir a O MANDARIM. Desde então, interessei-me por conhecer Júlio Bressane. E aí vieram leituras sobre seus filmes, sua trajetória no cinema nacional, a busca por suas obras em cinemas e locadoras. Mas é sempre difícil encontrar disponível um exemplar da obra do genial cineasta. É raro filmes seus entrarem em circuito comercial. Quando isso acontece, em geral, ficam tão pouco tempo em cartaz, que até hoje há uma série de seus filmes ainda por conhecer. Felizmente, o criador das obras instigantes e poéticas eu já conheço. Tive a honra de entrevistá-lo no Hotel Nacional, em Brasília, por ocasião da última edição do mais antigo festival de cinema do país.
Conversar com Bressane é um momento raro de iluminação. Fala manso e generoso, discorre com simplicidade e sabedoria sobre qualquer assunto, faz a gente refletir enquanto se deleita com inteligência tão vibrante e singular. Como diz Carlito Azevedo, ele é ”nosso cineasta de mais robusta capacidade e cultura intelectual”. Confiram, pois, nosso Papo Cult.

Como você está sentindo a reação do público a FILME DE AMOR?
Júlio Bressane: No Festival de Turim, no de Veneza… o filme teve uma boa acolhida em todos os festivais, principalmente fora do país, mas aqui foi muito melhor do que eu esperava. Senti que as pessoas se interessaram, ficaram curiosas. Isso me surpreendeu, e não esperava uma aderência ao filme dessa maneira, que pudesse causar esse prazer em tanta gente e essa controvérsia em tantas outras. Foi uma surpresa pra mim.

E essa controvérsia, é isso que você quer causar com o filme?
Não, olha, não quero. Não sei nem dizer a você que tipo de… O filme… são sensibilidades… O filme é uma coisa que você tem ali pra dispor. Você dispõe daquilo de uma maneira que… a você mais sensível, mais razoável… Algumas coisas você percebe melhor, gosta mais, e outras percebe menos, não se sente tocado por elas. São coisas que… depende muito. Eu faço algo que procura tratar com dignidade o público. Eu tenho talvez uma idéia alta do público. Como disse antes em outras ocasiões, o público é muita coisa. Não existe o público. O público são segmentos e segmentos e sociedades. Então essa idéia do público ser uma coisa… precisa você saber, aquela velha história, como atingir aquele segmento aonde é mais sensível, é mais perceptível… Como o público com o cinema cheio, você tem muitos segmentos ali, muitas áreas de sensibilidade, muitas zonas de intensidade. Nessas zonas de intensidade é que as coisas são mais ou menos compreensíveis. Se uma pessoa soubesse qual é o filme, que público, não teria existido cinema. Isso não existe. Agora o que justamente existe é isso: existe uma possibilidade de você endereçar a uma… público são muitos segmentos, é uma fração de sociedade, não existe O Público. São segmentos da sociedade. Então justamente é você ver o produto que àquele segmento possa ser mais sensível, mais aderente. É isso que é pra mim a coisa… Eu vou agora, pela primeira vez, sentir o que é ter um filme endereçado, lançado num cinema, e tal, coisa que eu não tenho tido… meus filmes são colocados num cinema, mas não têm lançamento, são colocados lá, e tem pra mim surpreendido muito pela recepção, que têm tido muito mais do que eu esperava e talvez muito mais do que eu desejasse, e… (pausa longa) e nem tenho essa idéia…
Eu falei um negócio ali… porque essas sensibilidades, elas mudam. Eu, ao contrário, as coisas interessantes que ouvi na minha vida foram de pessoas que não se encontravam no que diziam, pessoas tolas que eram capazes de dizer coisas muito interessantes. Então a beleza… outro dia, eu jantava com um biólogo português, casado com uma pianista brasileira, ele tava me falando da beleza do mundo do microscópio e do mundo microscópico, do que você não vê. Ele disse: ”Eu, como biólogo, me sinto também cercado pela beleza”… pode ser sensível a isso… não precisa ser, não é preciso, não há necessidade, ainda mais numa sociedade que ainda está se formando como a nossa … essa exclusão brutalizante. Não há nem necessidade ainda do capital. O nosso capital não está ainda nessa fase, vamos dizer assim, na fase prostibular… Porque há uma interessante observação do Sartre, da Filosofia da Alcova, que diz o seguinte: que o final da democracia capitalista era o prostíbulo. O que ele quer dizer é justamente isso: é o comércio, é o triunfo desse capital democrático e o comércio no mundo, é esse mundo globalizado, é esse clichê que taí, que não é globalizado mas é quase. E esse “quase faz a diferença”. E aí entra uma coisa que é essa razão: você pode ser cercado e ser sensível à beleza. Sensível à beleza. Inclusive isso é uma oração de um grande poeta judeu espanhol, Raphael Cassinos-Assen, que eu botei no filme, essa frase que muito me impressionou. Ele dizia: ”Oh, Senhor, que não haja tanta beleza…” Porque ele se sentia cercado pela beleza, inundado pela beleza (Bressane vai ficando engasgado) e esmagado pela beleza…
Quer dizer… você não sente a beleza, não se emociona pela beleza, há alguém do seu lado que é justamente o sujeito que está sendo sufocado pela beleza… Então essas coisas… Há um outro verso também, você encontra algumas coisas sensíveis na poesia, um poeta que tá esquecido, infelizmente, e não consigo entender porquê. Chama Robert Brawne, um poeta inglês. Ele tem um verso que ouvi há muitos anos, uma voz de um homem que procuro até hoje ouvir e imitar, que diz assim, primeiro não é só suficiente, mas diz mais ou menos assim: ”Precisamente quando nos sentimos mais seguros… um acorde próximo ao pôr-de-sol, uma corola de flor, a morte de alguém, um coro final de Eurípedes… e já estamos de novo entregues à beleza, estamos rendidos à beleza”. Então essa pergunta não se justifica porque a beleza é… você precisa se educar pra beleza, mas ela pode ser acessível, ainda mais num país em que a coisa forte, sensível, é popular. O Brasil não é um país de eruditos. O que tem de interessante na nossa arte, na nossa música, tudo é popular…

Mas não lhe deixa triste saber que…
Olha, eu não me sinto adiante…

Você não acha que o público brasileiro está muito mais voltado pra coisas de digestão fácil, como comédias despretensiosas, do que pra entender um Bressane?
JB? Não, não é isso, a coisa não é assim. O público não tem nada com isso… Você sabe vou falar uma outra coisa pra você. Isso é uma idéia em que pelo menos você pode crer por alguns minutos, muita gente já pensou nisso: (diz em francês): ”pensar o mundo como uma escritura divina, onde todas as coisas, o homem, os objetos, as pedras, a natureza, todas essas coisas fizessem parte de uma escritura divina na qual você constantemente está lendo e constantemente está escrevendo e se inscrevendo…” O Bernard Shaw tem uma frase que diz assim: ”God is on the made…” Deus está fazendo-se, ou seja, Deus estaria mais no futuro do que no passado. É através de nós, de cada um de nós, não sei se de todos, porque nem sei se todos existem, mas de cada um de nós, é através de cada um de nós que Ele se faz. Ele está se construindo através de nós, de uma idéia inacabada, de que você também seja uma cifra. De que todas essas coisas, até as mais simples, já estejam determinadas. Isso pode não ser verdade, mas por quinze minutos a gente pode acreditar nisso, não vai fazer mal a ninguém. E essa é que a questão. Agora você sabe que uma das coisas das primeiras religiões, tanto o budismo quanto o judaísmo, eles não tinham necessidade de fazer a … de ser de todo mundo. Não tinham o sentido de ser de todos, massivo. Era uma coisa pra cada um escolher, cada um procurar-se. Não se pode dizer que o mundo gosta disso e despreza aquilo. O povo brasileiro, coitado, vive hoje preso e a procura de que? De trabalho. Então essa coisa mínima, ínfima, raquítica que sobra pra ele, de ociosidade, de prazer, ele já recebe de uma maneira quase que pronta.
Então, eu não… espero que… não me vejo… ao contrário. Eu não me sinto, de nenhuma maneira excluído dos outros. Eu tô aqui, tamos aqui sentados, sinto interesse, o carinho de cada um de vocês, interesse de estarmos aqui, curiosidade… Então o que é que nos trouxe aqui? O prazer de estarmos aqui falando… isso… Se um homem… Sabe o que é que o Ravel, o músico Maurice Ravel, quando ele fez a valsa dele já no final, apresentou… – veja você como as coisas se repetem – ele apresentou em Paris, fez uma escuta da música, a valsa dele… Quiseram meter fogo no teatro. E o Ravel, os jornalistas ali – não faltou quem viesse estocá-lo, lógico – estocá-lo, uma pena; ele começou dizendo, altivo: ”Olha, o senhor tá no fim, tá assim, tá assado…” Porque ele sofria de uma disfasia, não era nem uma afasia, era uma disfasia. Ele se sentia distante dali embaixo, por isso demorava a se aproximar. ”Mas eu… sabe qual é o meu problema? É que eu abaixo a cabeça, vem música”. Ele morreu fazendo. Diz simplesmente o seguinte…
Eu não vou falar isso porque eu me sinto emotivo, eu vou me emocionar se disser… então vou dizer depois… O que é que o Ravel respondeu? Eu ontem tava lendo o texto do Machado de Assis, naquela palestra. Ce sabe que parei de ler o texto porque ia chorar? Quer dizer… tem uma coisa que é você… essa é uma distinção que não sou eu que tô fazendo, essa é uma distinção clássica, entre o gênio e o talento. Diz que o talento é uma força que você maneja, uma força que você domina. E o gênio é uma força que domina você, pela qual você é dominado. Então ontem eu tava falando de uma coisa, mas o meu fecho emotivo tava em outra. Aquilo tudo, aquele buquê de flores que apresentei ali foi pra esconder uma dor, saiu ali, transfigurado. Bom, essa é que a questão. Então se fez pro público, fez pra isso… Ele diz o seguinte: ”Se a minha valsa, não, se todos os deuses é um Deus, todas as valsas são a minha Valsa” (Ri muito). Essa… os caras ficaram loucos, o que era isso… Fez uma valsa de pedaços de valsa. Pegou o primeiro Strauss, e fez uma valsinha que não acaba e vai… E os jornalistas estavam perguntando se ele tava fazendo pro público, pra ele, ou pra que público… Ele se achou tão fora do mundo que nem se incluiu com o público. Essa é uma questão muito triste, e é a questão central: há uma força que está agora lentamente se apagando, apagando-se lentamente, é uma força que é a força do gênio. E essa é uma força que tá além da mente agora, numa pessoa, que representa e é esse… essa razão dessa minha emotividade e de toda emotividade nossa. E essa é que a tristeza, que me deixa num duplo de fenecimento e ressurreição… é a perda de um gênio, não um gênio do Cinema Brasileiro, um gênio do cinema mundial. É porque o foi, não é porque se chamava Antônio. E essa é que é a tristeza que, pessoalmente, me deixa mudo.

Um dos seus filmes mais bonitos, que mais me tocou, que fiquei completamente apaixonada quando vi, foi O MANDARIM. E uma das coisas que mais me impressionou ontem, vendo FILME DE AMOR, foram as músicas que você escolheu. Quando entra aquela imagem belíssima do Rio de Janeiro com a música tão bela em perfeita sintonia com a imagem mostrada, a gente vai sentindo toda uma musicalidade que compõe a trilha e a musicalidade dos seus filmes…
Você sabe o que me levou àquela música foi o verso do Lamartine: ”Rio de Janeiro a Janeiro… Rio de Janeiro a Janeiro…”, foi isso que me levou a essa música… Não, deixa te dizer uma coisa: não tô hoje, agora. nem em condições, vamos encerrar isso agora porque já fui além do que eu podia, entendeu?! Mas o filme do Mário Reis… eu era amigo do Mário Reis, então, aquele filme não fui eu quem fez, não foi mesmo, fui habitado por… uma orientação e tal, foi feito além-túmulo pelo Mário. Sinceramente. Foi uma transa espírita. Foi feito aquele filme de além-túmulo. Foi o Mário que fez aquele filme, ele me deu tudo pronto, fui e juntei ali e fiz aquele filme. Eu mesmo não me lembro do filme… teria que ver de novo pra tentar reconhecer, porque não me lembro do filme. Sei que foi o Fernando Eiras, está espetacular, agora eu próprio não me lembro. Aquele filme tem um defeito que é o fato de eu ter botado como Diretor. Que é uma coisa que não deveria ser porque não tem, aquele filme não tem nada a ver com a minha… não fui eu quem fez. Me foi dado e eu fiz… (neste ponto a entrevista é encerrada porque Bressane cai em lágrimas).

ESTHER GÓES: ”Sou uma grande apaixonada pela leitura”

Esther, um de seus mais fortes trabalhos no teatro foi ABAJUR LILÁS, do Plínio Marcos. Por que essa escolha e como conseguir fazer um texto tão denso sem deixá-lo pesado?
Esther Góes: Isso eu devo ao Sérgio Ferrara, esse jovem diretor com tanta sensibilidade. Foi ele quem conseguiu fazer o Plínio dessa forma. Porque eu também só faria o Plínio assim. Nem todo mundo sabe fazer isso. Eu sempre digo que Plínio Marcos só pode fazer quem é capaz de transcender determinadas coisas. Porque o Plínio você mergulha muito fundo, você mergulha no pior. Se você conseguir transcender, você vai trazer o que ele traz: a grande compaixão, a grande ternura pela humanidade. Se você não conseguir fazer isso, você vai conviver com aquelas coisas e você pode permanecer lá com elas, né?! Tem muito essa transferência do ator para o personagem e vice-versa. Porque ele toca em questões humanas que são nossas e são muito fundas mesmo. Mas quando você é capaz de entrar nisso com leveza, você pode sair quase que ressuscitando a humanidade, porque acho que o lindo do Plínio é isso: depois que ele entra no terror, ressuscita a humanidade.

Como é enfrentar este risco: montar espetáculos que levem o público a pensar, numa época em que o Brasil está tão pontilhado de incentivos à superficialidade, à era da celebridade instantânea? De onde nasce a coragem para assumir um Plínio Marcos?
Sempre fiz o contrafluxo na vida, sabe… Acho que é um negócio da gente, que te pertence… nunca esteve tão contemporâneo um texto do Plínio Marcos. É tão visível… está ali na rua, a todo momento. Agora está muito claro. Agora não são mais os marginais, a periferia, a exceção. Agora é a regra. O que está em cena também está fora de cena. Então eu achei da maior importância, inclusive em revelar o que o Plínio tinha antevisto, o que ele tinha visto antes, digamos assim. O que ele viu na parcela, agora é o todo. E pra onde caminha, pra onde que a gente vai? Isso é uma pergunta muito séria que nós temos que nos fazer de fato.

Como você vê essa questão da superficialidade exacerbada acontecendo hoje – a televisão priorizando os rostinhos bonitos e até o teatro muitas vezes com montagens absolutamente comerciais, sem conteúdo?
Eu acho que o teatro vai ter sempre pessoas apaixonadas por ele e ele não vai morrer nunca. E quanto mais há uma fertilidade de coisas que vão se sucateando, e que vai ficando esse horror, esse vazio, esse oco, de outro lado as pessoas começam também a formar uma outra vertente que reage e que quer fazer algo bom. Isso sinto claramente em São Paulo, que existe de tudo, inclusive aqueles que se distinguem e que o continuarão fazendo com muita força, com muita energia e com mais paixão ainda. Isso é muito claro, isso me agrada muito. Eu me incluo entre essas pessoas. Agora, de resto, acho que este vazio de que nós estamos falando, essa bobajada, essa coisa toda é um momento da humanidade mesmo, é constrangedor mas é isso que está acontecendo, não só no país, mas no mundo. Isso aqui já é imitação de outras coisas, mas a gente espera que esse momento passe. A humanidade já ficou doente de outras coisas muitas vezes, não é verdade?! Sempre que acho que as coisas estão muito ruins para o ser humano, penso que são ciclos também. É possível que não seja o fim porque já houve. Na época do Hitler, todo mundo acreditou que fosse acabar tudo com aquele extermínio. Quer dizer, em muitos momentos a humanidade sofreu coisas terríveis, críticas e ela mesma chegou a limites terríveis dela mesma. E no entanto, num outro lado, prevalece alguma coisa nova, onde aparece e se encontram possibilidades. Eu confio muito que seja um ciclo, um momento muito terrível, muito crítico pro ser humano, por isso é que temos a obrigação de responder com muito vigor, contextualizando, colocando idéias e pensamentos para serem amadurecidos, esperanças concretas e sólidas. E devemos também ser muito guerreiros na prática, porque a gente tem que conseguir uma sociedade melhor não é só nas idéias, mas também na força, na guerra, na luta.

Que conselho você daria para quem está se iniciando nas Artes Cênicas?
Procurar aqueles que possam ser um bom condutor, um bom espelho, para não serem levados pela onda. Infelizmente, tenho muitos alunos e vejo o quanto é fácil ser carregado por isso. Porque a força dos meios de comunicação é muito violenta então, tem horas que você está lá querendo montar uma coisa importante. Eu montei ELECTRA (do grego Sófocles) agora com um pessoal. Mas quando fala em Big Brother, Casa dos Artistas, ou qualquer coisa assim, os olhos deles faíscam, você percebe que é meio impossível, é muito forte o apelo. Mas a onda passa, a onda vai passar…

Que importância teve a leitura na sua vida?
Toda. Eu sempre digo isso. Todos os meios de comunicação são importantes, a internet é ótima, mas o livro, não adianta porque não tem outro. O livro veio antes do cinema ainda, né?! Ler é Tudo.

Um livro que lhe marcou profundamente.
A ILÍADA é um livro que me marcou profundamente. Eu li muito… O Guimarães Rosa, com o GRANDE SERTÃO: VEREDAS, OS SERTÕES, do Euclides da Cunha, tanta coisa, tanta coisa… Eu sempre fui leitora, sempre li muito, muito, desde criança que era apaixonada por livros. Tenho certeza que desemboquei na Arte por causa da leitura. E da paixão pelo livro que sempre tive. Sempre. Gosto muito de ler, o que depois se transformou em leitura de Dramaturgia, mas ainda assim não bebo só nas peças, bebo na capacidade crítica que a leitura em geral me dá. Porque não dá pra você construir a Dramaturgia só a partir dela própria. Você precisa do que está acontecendo no mundo pra poder, enfim, contextualizar. Então, gosto de tudo, leio tudo, sou uma grande apaixonada pela leitura realmente.

Você é uma atriz que torna qualquer papel um trabalho relevante. Foi assim, por exemplo, no filme POR TRÁS DO PANO. O que lhe move a escolher um personagem? É uma mensagem que você quer passar ao público?
Quando tenho de escolher, sim. Quando escolho uma coisa pra fazer. Por exemplo, sei porquê quis fazer Tarsila do Amaral. Tenho meus motivos, aqui dentro. Mas às vezes sou convidada, como no POR TRÁS DO PANO. E às vezes você aceita ou não. Tem coisas que não aceito porque sei que não vou me dar bem. Não tenho afinidade e já vejo que aquilo não rola. Mas POR TRÁS DO PANO tinha umas coisas muito interessantes, tinha aquele nível de loucura, né?!, a loucura do estrelato que é uma coisa que leva a pessoa a extrapolar qualquer limite e se tornar quase que uma louca. Eu achava isso muito engraçado, porque vejo isso nas minhas colegas, muitas vezes, e penso a mesma coisa do jeito que o estrelismo vai modificando a pessoa até ela ficar pirada por total. Achava muito engraçada essa personagem, e tinha uma pequenina cena da Cleópatra que era imperdível fazer. E essa cena me demandou muito esforço, porque tive de ler, tive de estudar toda a Cleópatra pra isolar uma cena deste tamanhinho e chegar lá e fazer. Eu não podia fazer aquilo tirado do nada. Então foi uma coisa muito incrível tive que estudar mesmo, me dedicar a fazer uma ceninha tão pequena. Mas é Cleópatra, do Shakespeare, então valia a pena. Achei muito legal, adorei fazer!

Você tem ainda algum personagem que gostaria de fazer?
Eu tenho uns Brecht assim… quer dizer, a Mãe Coragem eu queria fazer. Os Brecht todos são maravilhosos… os personagens-Mães do Brecht são todos maravilhosos. Gostaria muito de fazer algum. Tennessee Williams tem algumas coisas que eu gostaria de fazer, sim, mas são todas montagens muito complicadas, muito cheias de problemas em geral. Mas um dia desses eu pego a gata pelo rabo. Ainda acho que também tem uns gregos, né?! Gostaria de fazer uma tragédia, quem sabe os Shakespeare também, aqui e ali. Quero fazer uns graúdos desses aí, que esses caras são bons demais.

E do Brasil, fora o Plínio Marcos, qual é o outro graúdo que você gostaria de fazer?
Tem um cara muito bom aparecendo. Eu vi uma peça mínima dele agora, mas adorei. Ele escreve bem demais. Chama Bosco Brasil. É marido da Ariela Goldmann, que dirigiu… não me lembro o nome agora… era uma pequena peça. Eu achei maravilhoso. Não esquece este nome: Bosco Brasil. (NR: alguns meses depois, o diretor foi premiado com o texto de NOVAS DIRETRIZES EM TEMPO DE PAZ).

Se você tivesse que escolher uma, qual seria a maior lição que o Teatro lhe deu?
Fidelidade a si mesmo. É a coisa que mais aprendi. Porque vejo todo mundo sempre se esforçando em muitos caminhos. Essa é uma carreira de ilusões e você precisa ter uma noção de porquê você a faz. Então o motivo tem de ser muito verdadeiro, senão você será apenas mais um. Isso tenho absoluta certeza.

Você concorda com Plínio Marcos quando ele diz que “A imprensa não é contra mim mas contra o povo brasileiro”? Como você avalia essa afirmação dele e como você vê o atual momento político do país?
Eu acho que nós temos a necessidade, a obrigação de uma grande mudança. Senão, se a gente não conseguir mudar esse modelo econômico, ele vai nos destruir. Isso está muito claro, tal como aconteceu com a Argentina. Nós somos realmente destinados a um tratamento desses. Então, acho que é o momento que a gente tem que ter consciência e tem que ter coragem. Coragem de lutar por essa mudança e por enfrentar aqueles que se consideram os donos do mundo nesse momento, PORQUE O NÃO SÃO, porque não devem ser e porque é preciso mudar esse esquema sim, é preciso mudar tudo isso. Eu acho que isso demanda coragem, demanda conseqüência. Então eu acho que não a imprensa em si – porque a imprensa, inclusive, é reveladora, a imprensa escrita – mas principalmente a televisão, a comunicação em vídeo em geral, ela tem uma tendência a fazer um caminho de obstrução dessa consciência, de detonar tudo como se fosse normal, light… Brecht falava muito sobre isso. Acho que é preciso ver o mundo como estranho, pra que a gente possa ver que isso não é normal, não é legal e que precisa ser mudado.