Essa história todo mundo conhece. Assim como quem já presenciou Adriana Calcanhoto em alguns shows percebe uma certa displicência da artista para com a platéia. Não me entendam mal, não acho que Calcanhoto seja rude ou esnobe quando está no palco. Apenas acho que ela vive sua melhor personagem: a de artista entre o envergonhado e o blasé.

Particularmente, me divirto com uma espécie de falta de jeito da cantora em se comunicar – falando – com a platéia. Falando, porque cantando, Adriana não precisa mais provar nada. Ela consegue total atenção do público, que se delicia com sua voz doce (ainda que os graves tenham ficado em Pelotas, como ela mesma disse). Sua presença tímida engrandece-se ao longo do show.

O belo cenário traz imagens marinhas, como uma gigantesca concha no palco, embora algumas figuras do pano de fundo sejam um tanto óbvias. É todo azul, como era de se esperar, mas isso cria efeito interessante quando a cantora surge com tons avermelhados. E o show flui. Adriana desfila sucessos, como Devolva-me e Esquadros, juntamente com as novas músicas, incluindo as já radiofônicas Porto Alegre, Mulher sem razão e Três. Apresenta um novo arranjo para a belíssima Vambora, que ganha ares de sambinha melancólico. Traz Meu mundo e nada mais, de Guilherme Arantes (regravação que nasceu em Portugal, quando, segundo a cantora, teve quase um surto psicótico por conta de remédios para gripe), em um arranjo simplesinho demais, contando apenas com o teclado burocrático de Bruno Medina, ex- Los Hermanos). Enfim, todo o show é bem amarrado, e há, para os que fazem questão disso, momentos em que ela se solta e conversa com a platéia, como quando relata a engraçada história da criação da música Vai saber?, gravada por Marisa Monte em seu último trabalho.

Contando com uma ótima banda, com destaque para a percussão de Domenico Lancelotti e Marcelo Costa, Adriana Calcanhoto vale-se da troca de instrumentos para, talvez, esconder-se ainda mais do conversê com a platéia. Troca de violão, pega o violoncelo (arranha, na verdade), a cuíca… Valorizando a sua versatilidade de instrumentista, é mesmo com a voz que Adriana conquista e encanta.    

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Direção: Rita Clemente

Elenco: Grace Passô, Gustavo Bones, Marcelo Castro, Paulo Azevedo e Mariana Maioline

É impressionante como o pouco é muito. O grupo mineiro Espanca! deu provas de que pode ser conciliado o teatro com inovações, sem necessariamente abdicar da palavra. Em cena, um ator narra todos os acontecimentos futuros: o telefone irá tocar. É um irmão que mora em algum lugar no exterior e liga para dizer que está com saudades. Depois, ao fim do espetáculo, outra vez o telefone irá tocar, para avisar que este mesmo irmão se suicidou.

A família que habita a casa é composta por uma mãe (excelente a atriz que a interpreta) e quatro filhos. Um mais novo, com problemas respiratórios, que vive de pés descalços, brincando de construir com pecinhas de madeira. Um mais velho, que tem “o seu primeiro dia” em algo nunca de fato esclarecido. E um do meio, sonâmbulo, aquele que explicou à platéia os acontecimentos da peça. Há ainda uma irmã, alienada e desinteressada, sempre com fones no ouvido, a repetir tardiamente o que a família já comentara. Por fim, há a presença-ausente do pai, que é citado como alguém que deve estar dando a sua caminhada em algum parque.

Os conflitos surgem nas pequenas coisas. O cenário, composto por uma casa perceptível por detrás de uma tela transparente, auxilia nessa visão raio-x da família. Outra bela idéia da diretora Rita Clemente é a utilização de música em volume alto para representar as brigas horríveis que a família presencia de seus vizinhos. Sim, a discussão é dos outros, porque dentro daquela casa, ainda que seja notória a problemática situação daqueles parentes, a não-comunicação prevalece. Não há espaço para brigas: há apenas o silêncio, o olhar repressor. E quando a atmosfera fica pesada, a família sapateia. Literalmente. Há dois números de sapateado, uma idéia original e criativa.

Porém, o melhor está reservado para o final. Lembrando a metáfora do “Há um elefante nesta sala”, que significa uma espécie de silêncio incômodo, e também remetendo a Dostoievski em sua novela O Crocodilo, surge a existência de um hipopótamo, roubado do zoológico pelo filho menor, que com isso pretendia respirar melhor, já que o mamífero teria pulmões enormes. E para completar, o animal devorou o pai.

Com um texto conciso e sempre inteligente, e contando com excelentes atuações, Amores surdos é uma grata surpresa neste Porto Alegre em Cena.

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Direção: Marcio Aurélio

Elenco: Carlos Canhameiro, Daniel Gonzalez, Jonas Golfeto, Letícia Moreira, Michele Navarro, Weber Fonseca e Tetembua Dandara

O Chalaça, livro de José Roberto Torero, já foi adaptado até para a televisão, dando origem à minissérie Nos quintos do Inferno. Para o teatro, a trupe Les Commediens Tropicales traz o texto de Torero de forma inventiva e original. O início do espetáculo é promissor. Os sete atores em movimento carregam cadeiras como se procurassem seu espaço no palco. Em seguida, cada um deles posiciona-se frente ao microfone e, simulando uma entrevista, despeja seu texto. São depoimentos adaptados da obra de Torero sobre personagens que circulavam em torno de D. Pedro, como a Marquesa de Santos (maravilhosa a atriz que a representa), a Imperatriz Leopoldina, Marquês de Barbacena, entre tantos outros que são apresentados e, por vezes citados, ganham corpo mais adiante no palco. Na verdade, todos esses personagens históricos estão relacionados com Francisco Gomes da Silva, o Chalaça, que apenas surge na peça composto pelos discursos alheios.

A encenação é decididamente criativa. Com ares de CPI, parece que estamos assistindo à TV Senado, TV Câmara, e por aí afora. Inclusive, há três monitores no palco. O problema é que o texto, quase picaresco, ganha ares um tanto ingênuos por conta de tanta brincadeira lingüística. Há momentos por demais “Casseta e Planeta”, joguinhos de palavras maliciosos que mais entediam do que divertem. Mas há outros realmente inspirados, especialmente quando os melhores atores surgem na hora do depoimento. E este é outro ponto fraco do espetáculo: o elenco não é coeso. É perceptível o timing maior para comédia e improvisações de parte do grupo. Dos sete, três ou quatro enchem os olhos da platéia.

De qualquer forma, é interessante perceber o quebra-cabeça histórico, muito mais voltado para os bastidores do Império, bem verdade, que aos poucos vai sendo montado. Depoimentos iniciais vão ganhando mais sentido quando são complementados por outros. A pausa para o cafezinho também é uma boa idéia, assim como a óbvia aproximação da podridão dos puxa-sacos que rodeavam os poderosos com os nossos dias de hoje.

E quando tudo começa a ficar um tanto repetitivo, há uma espécie de rompante. Cuspes, genitálias, bundas à mostra e outras situações bizarras surgem no palco. Silêncio na platéia. Contudo, toda a cena é tão ensaiada que o momento “vamos escandalizar” só surge grotesco mesmo, esvaziado. E aqui falo sem o menor moralismo ou puritanismo. Poderíamos fazer diversas associações metafóricas óbvias sobre tal escolha, mas a cena, a meu juízo, quase parece fazer parte de um outro espetáculo, e não daquele a que estávamos assistindo.

Depois deste certo constrangimento (nada que justificaria, porém, o desabafar de certas senhoras que saíram praguejando do teatro contra a “barbaridade e pouca vergonha” do que viram. Menos, madames, menos!) , o grupo traz mais alguns depoimentos, até o ótimo final, que ficcionaliza também o autor, Torero, que conversa com os personagens e com a platéia. E tudo termina como começa, numa rodinha das cadeiras, com os atores tirando peças das roupas e trocando-as entre si. Despojando-se de seus personagens.

Chalaça, a peça, tem perfil de espetáculo de Festival de Teatro. Quanto a isso, cumpre o seu papel com folgas, dando a polêmica necessária para tal. Contudo, tendo em vista os seus excelentes primeiros trinta minutos, confesso ter ficado com uma espécie de gostinho de decepção, no final das contas.

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Direção: Peter Brook
Elenco: Bruce Myers

Peter Brook é sinônimo de bom espetáculo. O diretor britânico, radicado em Paris desde os anos 70, trouxe, a esse Porto Alegre em Cena, um trecho da obra Os Irmãos Karamazov, de Dostoievski, na verdade um capítulo.

Uma das grandes idéias do espetáculo é utilizar o ator Bruce Myers como narrador e personagem. É incrível como Myers consegue magnetizar a platéia. O início de seu monólogo é tão rico que vemos as pessoas sendo conduzidas às fogueiras no auge da grande Inquisição.

“Estamos em Sevilha, no século XVI”, diz o narrador. O confronto – que na realidade não há, pois “Cristo” a tudo ouve, sem emitir uma única palavra – toma conta de toda a peça. Não há cenário, apenas dois bancos dispostos em diagonal. Um homem da inquisição pretende queimar na fogueira aquele para o qual “trabalha”. Uma pequena heresia de Dostoievski, em um texto que mexe a todo momento com os limites da fé.

Intolerância religiosa. Queimamos aqueles que são de nós diferentes. Arrasamos com o pensamento contrário ao nosso. Enfim, não se acabou a queima na fogueira, pois as palavras também agridem, também condenam, também queimam.

O grande inquisidor é um espetáculo textual, que conta com uma aula de atuação de Bruce Myers, ator que se agiganta no palco. Não há nada que possa quebrar a concentração da platéia: nem elementos de cena, nem trilha sonora. Apenas o texto e o ator, de corpo inteiro.

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Direção: Eimuntas Nekrosius
Elenco: Vladas Bagdonas, Salvijus Trepulis, Elzbieta Latenaite, Povilas Budrys, Vaidas Vilius, Margarita Ziemelyte, Kestutis Jakstas, Gabrielia Kuodyte, Zemyna Asmontaite, Diana Gancevskaite, Viaceslav Lukjanov e Vladimiras Dorondovas

Um cenário com cones. Escuro. Homens marcham com certa displicência. E o texto de Fausto.

E uma música ininterrupta.

O texto de Goethe é o que resta de Fausto, montagem da Lituânia. A aposta do diretor em explorar um teatro mais imagético, com gestual e expressão exagerados, não me conquistou. Já tinha assistido à montagem de Hamlet, no gelo, da mesma trupe, e igualmente tinha achado o espetáculo pretensioso e hermético. Lá, porém, o gelo a derreter era uma atração à parte.

Confesso que me cansa um pouco este teatro de vanguarda, algo que Gerald Thomas já fazia vinte anos atrás, e com uma plasticidade muito mais interessante. Portanto, que vanguarda é esta? Evidentemente que muitos me dirão que sou ignorante frente às metáforas, à sutileza dos movimentos, ao complexo jogo claro-escuro que o diretor propõe. Desculpem, mas a mim isso não convence. Prefiro ainda o bom teatro em que o texto faz a ação, e entramos dentro do cenário.

Enfim, esta também é a função da arte: desacomodar, causar polêmica, afrontar certezas, nos fazer remexer na cadeira, bocejar. Fausto, para mim, foi um longo exercício de paciência.

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Direção: Flávio Faustinoni

Elenco: Carmela Paglioli, Mari Nogueira e Pedro Garrafa

Famílias inteiras tiveram suas casas engolidas por um buraco gigantesco, incompetência articulada pelos senhores engenheiros responsáveis pela obra do Metrô de São Paulo, em Pinheiros. Houve uma vítima.

A tragédia que é triste retrato do nosso Brasil contemporâneo ganha os palcos com Depois de tudo. Uma família – mãe, uma filha e um filho – estão hospedados em um quartinho minúsculo de hotel, enquanto aguardam que sua casa seja liberada por conta do desastre do buraco. Contudo, os encarregados pelas obras do metrô avisam que a casa será destruída, e por isso apenas um dos familiares poderá entrar na casa e buscar os pertences.

A luta pela dignidade na recolha das lembranças rende, no espetáculo, momentos cruelmente engraçados, mas o surreal da situação mostra todo o desamparo que aquela família enfrenta.

Carmela Paglioli constrói uma paulistana com sotaque forte, que conquista aos poucos a platéia. Ela é a filha criançona, uma mulher-menina que festeja, de certo modo, o fato de estar hospedada em um hotel. Acha tudo aquilo muito chique, ainda que uma amiga sua, cabeleireira, tenha morrido no desastre. Se no início do espetáculo seu texto e sua expressão soam um tanto artificiais, quase exigindo a graça, aos poucos a atriz consegue transmitir uma ingenuidade brejeira à personagem, tornando-a adorável. Mari Nogueira e Pedro Garrafa carregam um pouco no estereótipo da mãe castradora e religiosa  e do filho rebelde e sem destino. Mesmo assim, o trio funciona muito bem junto e é um dos destaques do espetáculo. O texto, enquanto transita pela tragédia, é leve e bem escrito. Porém, para aumentar o conflito que por si só é gigantesco, há uma trama dentro da trama, envolvendo mãe e filho. E esta não funciona. É a manjada história do filho que não deu certo. Ele sempre foi rejeitado pela mãe, e tinha dentro da casa uma mala cheia de cocaína. O clichê de sempre no enfrentamento dos dois quase desvia o rumo da peça.

O cenário de Depois de tudo é um caso à parte. A grande sacada é construir um quarto de hotel com ares de obra abandonada, andaimes e ferros espalhados. O êxodo forçado daquela família é metaforicamente transferido para a platéia. Antes de iniciar, Garrafa recolhe algumas pessoas da platéia e as conduz para outros lugares. Uma idéia simples, mas eficiente.

É esse o grande mérito de Depois de tudo: a simplicidade e uma quase-delicadeza, mesmo ao abordar um fato tão grotesco.          

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Direção: Celso Frateschi

Elenco: Angelo Brandini, Elisabeth Hartman, Christiane Galvan, Arô Ribeiro, Sidney Santiago, Heitor Goldflus, Cinthya Chaves, Gisela Millás, Adriana Mazzoni

À luz de velas, ouvimos o murmúrio dos atores no palco, acompanhados por… roncos da platéia.

Tio Vânia, texto fabuloso de Tchecov, que trabalha com as questões do tempo e o que fazemos para evitar frustrações durante a sua passagem, ganha uma montagem sonolenta, em exibição no Porto Alegre em Cena.

Um teatro de texto, evidentemente, depende da boa execução por parte de seu elenco. Infelizmente, a peça dirigida por Celso Frateschi falha na composição de seus atores. O ator Angelo Brandini, que faz o personagem central, por exemplo, teve uma dicção deficiente, dificultando a compreensão. O tom entediante do personagem que, contraditoriamente, é um dos pontos máximos do texto russo, recheando Vânia de humor negro, ironia e sarcasmo, na montagem paulista não consegue passar o aprofundamento psicológico necessário, resultando apenas num maçante discurso. O elenco de apoio também não se sai muito bem, soando forçado e caricato, além de existir problemas graves na sua escolha, como a do ator Sidney Santiago, que vive um médico quarentão, mas que não parece ter mais que vinte anos. Aliás, todo o gestual do ator é exagerado. De todos, sai-se ilesa a atriz Cinthya Chaves, que constrói uma Helena vigorosa. 

As situações vividas por uma família russa rural, um tanto decadente, não decolam. O texto parece mastigado, superficial, e a ação torna-se enfadonha. Não há grandes sacadas criativas na direção do espetáculo, que resulta simples demais. Um cenário comum, com uma pintura clichê do campo ao fundo, e algumas cadeiras, não oferecem uma dinâmica diferenciada a Tio Vânia, fato esse agravado pela monotonia pastel dos figurinos. Outros elementos, como o andaime, têm pouco aproveitamento, deixando no ar a idéia de que há muita coisa a ser ajustada. 

Em nenhum momento o espectador parece se identificar com o que é dito no palco, o que é uma heresia, pois o texto de Tchecov tem, de fato, uma atemporalidade, prova disso são as diversas montagens já realizadas, aqui no Brasil, da mesma peça dramática. Portanto, pode-se perguntar: por que encenar Tio Vânia novamente? Esperava-se que essa produção tivesse algum diferencial, mas isso não se concretiza. Ao sair do teatro, lembro-me com saudade das montagens com Diogo Vilela e Renato Borghi no papel principal.

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Direção: Ariel Borghi

Elenco: Esther Góes

O teatro político de Bertold Brecht entra em cena com Determinadas Pessoas: Weigel, um vôo rasante na vida de Helene Weigel, uma mulher à frente de seu tempo, decidida, comunista, amante das artes, atriz e companheira do citado dramaturgo alemão.

Ariel Borghi, filho de Esther, consegue apanhar boa parte dos acontecimentos decisivos na Alemanha durante o século XX. O espetáculo inicia nos anos 20. Weigel, austríaca, então com 20 anos, chega à Alemanha. Em meio a pequenos papéis, envolve-se com Brecht. Fugindo do nazismo, o casal consolida o teatro com o Berliner Ensemble, companhia na qual os dois defendiam um teatro engajado, de esquerda, a lutar contra os tiranos e os acomodados.

O cenário é simples, e surge em diferentes dimensões. Num primeiro plano, apenas algumas cadeiras e uma mala grande. É a apresentação da jovem Weigel. Atrás, uma cortina tem imagens projetadas. Filmes especialmente produzidos para a peça, em preto e branco, conferem um ar datado ao visual. No primeiro, uma mulher pica salsa verde. Mais tarde, Weigel diria que uma mulher deve ser mulher (engajada) até cortando uma salsinha. Já num segundo plano, surgem outros elementos em cena: uma sala, mesas antigas. Ainda mais ao fundo, outros panos com imagens projetadas e, mais tarde, uma enorme e bela carroça atravessará o palco, homenagem à peça Mãe Coragem, uma das mais famosas de Brecht e que trouxe fama para Weigel quando essa retornou a Berlim, depois do exílio por conta dos nazistas.

O bom texto traz um belo panorama da vida dessa personagem adorável, que lutava numa sociedade ariana machista. Boas as idéias de misturar a biografia da atriz com o texto de Brecht, pois realmente eles são inseparáveis. As projeções conferem dinamismo e poesia à peça. Contudo, nada tem maior destaque do que a entrega completa de Esther Góes, que consegue transmitir tanto a inocência da jovem atriz que procura o sucesso, até a decadência da mulher viúva (sem ter casado), enfrentando a solidão, mas nunca desistindo do seu amor ao teatro.

Esther está iluminada em palco, aludindo a Hitler, imitando divas, multiplicando-se em palco com uma desenvoltura tocante. Obviamente, foi ovacionada pela platéia. Emocionada, a atriz chamou o filho e parceiro do projeto, agradecendo à produção do festival e ao público. Vida longa ao Porto Alegre em Cena, disse Esther. Vida longa a atrizes como você, dizemos nós.

Determinadas Pessoas: Weigel é teatro de alto nível, desnudando personagens pouco conhecidas do grande público e apresentando, de quebra, uma aula de História, de política, de filosofia, de arte.  

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Direção: Marcelo Braga e Marcelo Denny

Elenco: Vivian Bertocco, Tay Lopes, Lílian de Lima e Lui Strassburger

O texto de João Silvério Trevisan traz, geralmente, uma tensão interna: personagens que não sabem o próximo passo. Seres perdidos, sem rumo. Lembra, ainda que sem a genialidade estilística, a temática de um Caio Fernando Abreu. Sim, pois Trevisan sempre trabalha com a solidão, os conflitos sexuais, os relacionamentos que começam e que terminam.

Levar este texto para o palco foi tarefa dos Marcelos Braga e Denny, diretores de Ritual Íntimo, participante do 15º Porto Alegre em Cena. Baseado na obra de contos Troços e Destroços, o espetáculo acerta em tudo. Os nove contos estão embaralhados e surgem de todas as maneiras: gravados em áudio, lidos ao vivo ou vividos pelos quatro bons atores, com destaque para Vivian Bertocco. Aliás, o embaralhamento ficção-realidade atinge também os atores, que se apresentam em depoimentos falando sobre amores, falando sobre si mesmos, nomeando-se no palco.

Amores e desamores é o tom da peça. Durante uma hora, os personagens conversam, brigam, apaixonam-se e desapaixonam-se entre si. O cenário e os objetos de cena são um caso à parte. A equipe traz um móvel, uma espécie de cômoda gigantesca que, primeiramente, repousa no palco como se fosse uma cama de casal grande. Aos poucos, ao cair do lençol, as gavetas transformam-se em degraus, e os atores circulam por cima e pelos lados do móvel. Também há repartições, mininúcleos nos quais os atores entram e sentam, uma espécie de local sagrado onde contam seus segredos. Porém, a melhor sacada são as malas que compõem o palco. A imagem da mala simboliza a partida, e os personagens realmente vivem como se já estivessem indo embora. As malas também são abertas e trazem outros objetos de cena importantes, além de, juntas, formarem uma mesa, por exemplo.

A voz de um ator dá lugar à de outro. Os discursos misturam-se. O sofrimento de quem perde, de quem parte, é impulsionado pelo texto cru de Trevisan. A direção propõe, com criatividade, alternância nos textos. Há contos que são dramatizados simultaneamente. Em outros, os personagens repetem o texto, alternando-se enquanto casais. Contudo, o humor negro, irônico, está sempre presente, provocando riso da platéia.

Ritual Íntimo é um teatro inventivo, simples, que traz a contemporaneidade das relações instáveis, o medo da solidão em contraponto com a necessidade quase egocêntrica de se sentir dono do seu nariz, pequenas dilacerações que questionam, ao mesmo tempo em que divertem.   

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Direção: Sérgio Ferrara

Elenco: Caco Ciocler, Joaz Campos, Sylvio Zilber, Abraão Farc, Igor Kovalewski, Nelson Peres, Dan Rosseto, Liza Scavone, Júlio Machado e Ronaldo Oliva

É de 1873 este texto de Ibsen, que bebe em dados históricos e conta o esforço do Rei Juliano (331 dC)  para aniquilar com o cristianismo. Quanto mais o imperador esforça-se para tal intento, mais fracassado ele se sente, pois seus ataques fortalecem a Igreja. A montagem de Sérgio Ferrara, que já apareceu no POA EM CENA com Abajur Lilás.

O texto é denso e Ferrara inicia o espetáculo com mão pesada, apostando no drama pelo qual atravessava o Império Romano. Surge um Caco Ciocler de aspecto muito grave, tentando ajeitar suas estratégias de expansão. O figurino de Márcia Orcini é estilizado, vestimentas pretas e longos sobretudos. O cenário é econômico, apenas uma mesa, algumas cadeiras e uns banners que deslizam do alto durante o decorrer da peça.

IMPERADOR E GALILEU, de certa maneira, morre nas boas intenções. Um bom diretor, um bom texto e um bom ator principal não são garantias para um bom espetáculo. A montagem padece na falta de ritmo, em desnecessárias duas horas, com longos solilóquios e um fraco elenco de apoio. Na noite de estréia, houve um certo ar de amadorismo, com problemas no cenário (o tapete ficou enrugado numa das lutas dos personagens, quase virando as cadeiras) e uma hesitação nas falas. Contudo, o mais grave, a meu ver, é a indecisão no tom do espetáculo. Se a rigidez inicial do drama provoca aquela encenação típica das obras históricas, atmosfera grave, elenco com o exagero na face, pés que batem no chão numa sempre-pressa, num quase-desespero, como se tudo devesse ser discutido para ontem, há também outras passagens que procuram um humor ingênuo, em geral apoiadas na expressão facial do rei ou na própria ironia do texto.

É uma pena. Ainda que Ciocler se esforce e dê dignidade a seu personagem, IMPERADOR E GALILEU não decola, e o ótimo confronto Estado X Igreja, proposto por Ibsen, acaba diluído pelos problemas da produção.  

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