O sofrimento e angústia de Júlia Ferraz é atentamente acompanhado pelo público, que passa de espectador a cúmplice, a partir dos relatos da personagem, na curtíssima temporada do espetáculo na capital gaúcha. Assim é A loba de ray-ban, texto escrito na década de oitenta por Renato Borghi, originalmente protagonizado por Raul Cortez, com o viés masculino. Na mesma época, a pedido de Dina Sfat, foi escrita a versão feminina que, em razão da prematura partida da atriz, não chegou a ser encenada. Passados mais de vinte anos, a peça, agora com a inversão para o feminino, é encenada novamente por Christiane Torloni no papel da Loba (na primeira montagem ela fez a ex-mulher de Cortez). Leonardo Franco (o amante, na versão original) nesta é o ex-marido.

O espetáculo tem uma concepção cênica arrojada, com rampa de metal articulável, uma grande rede, que remete a uma grande teia e, ao fundo, um andaime de ferro com uma passarela. O texto, ainda que escrito há mais de vinte anos, mantém-se absolutamente pungente e contemporâneo. A direção competente de José Possi Neto valoriza a ação dos atores na justa medida que o texto exige. Vários temas tabus da década de oitenta, como a bissexualidade e a diferença de idade entre casais se mantêm polêmicos e pertinentes.

Especial destaque para o ritmo do texto e a fusão de “realidade” e ficção, mesclados com arquétipos femininos do teatro, que imprimem à narrativa uma metalinguagem muito eficaz e interessante junto ao espectador. Para isso, Borgui lançou mão de fragmentos de grandes clássicos como: Medeia, de Euripedes, Esperando Godot, de Samuel Beckett, e As criadas, de Jean Genet fazendo uma alta costura com essas referências, que muito enriqueceram o espetáculo.

Passadas quase duas horas, encerra-se a apresentação com muitos aplausos e um especial agradecimento de Torloni aos diretores da Opus, Carlos e Geraldo que, segundo a atriz, fizeram do Teatro Bourbon Country o melhor teatro do Brasil.

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Argumento.net: veículo credenciado pela Opus para a peça A loba de ray-ban.

Máscaras de penas penadas e Comunicação a uma academia são dois espetáculos que fogem do convencional, do teatrão. Dois monólogos densos, com resultados diferentes, mas que comungam pela entrega de duas atrizes das mais gabaritadas.

Em Máscaras, dirigido por Georgette Fadel, Leona expõe-se em cena duplamente. No palco e no texto, adaptação de Ana Monteiro de um capítulo do livro Caminho das pedras, reflexões de uma atriz, da própria Leona Cavalli. Dividido em duas partes, na primeira vemos uma atriz ensaiando, procurando encontrar o tom para suas personagens míticas: Diana, Apolo e Dionísio. Inegavelmente, a plateia deleita-se muito mais com a incrível versatilidade de Leona, que se transforma nessas figuras, diferentes entre elas, em segundos. Porém, há qualquer coisa que não deixa o público embarcar na história. Destaca-se o belo momento em que as máscaras iluminadas descem ao palco. Fim (falso) de espetáculo. A plateia aplaude, meio sem saber se é isso mesmo. Leona resmunga no palco e começa a segunda – e mais divertida – parte, essa sim, notadamente em diálogo com a plateia. A atriz, de forma espelhada, reclama de sua atuação, devolve a bola para o público, que novamente não sabe muito bem o que fazer. Termina o espetáculo e o que fica é a presença de Leona, inteira e sempre excelente.

Roberto Alvim, por sua vez, conseguiu construir sua própria academia dentro do Theatro São Pedro, quando o público – que de certo modo também faz parte do espetáculo – escuta a comunicação especial de um ex-macaco, humanizado, tentando mostrar aos acadêmicos (a plateia inteira em cima do palco, em cadeiras) que não houve falha no processo. A perfomance de Juliana Galdino, indicada ao Shell de melhor atriz por este papel é hipnótica. Tudo é impressionante: a exploração do movimento, a impostação vocal, a maquiagem sutil e ainda assim forte, que confere à academia-plateia a certeza de estar frente a um ex-primata. O texto de Kafka é inteligente e atual, trazendo para a cena o absurdo de forma dura: o animal humanizou-se de fato ou o homem que já é há muito um legítimo orangotango selvagem?

Contribuíram, ainda, para o impressionante espetáculo ter o resultado que teve a iluminação extraordinária, criando quadros, e a utilização de gravação do depoimento do homem-ex-macaco como eco e duplo dele próprio, em um efeito muito bem pensado. Tecnicamente perfeito, Comunicação a uma academia cativa pela força e, ao mesmo tempo, pela singeleza.

E quantas vezes não pensamos em contar algum acontecimento para amigos que não sabem escutar, apenas aguardam uma pausa para colocarem-se em nosso lugar e contarem eles próprios alguma experiência, a critério deles, muito mais interessante, divertida, relevante?

Escutar é uma arte, nos dias de hoje, e Carla Faour fez disso uma peça teatral. O texto, indicado a alguns prêmios importantes, como o Shell, possui momentos deliciosos.

São esquetes em que sempre alguém vem alugar os ouvidos da protagonista (Flávia Fafiães). No banco, uma senhora modernosa (Thaís Portinho) conta seu passado riponga em contraposição com a caretice da filha. Na noite de Natal, quando a personagem era ainda uma criança, o tio (Charles Paraventi) faz confissões para a sobrinha. Na mesma noite, a mulher do tio (Faour) também expõe as suas dores e frustrações. Na academia, uma mulher (Juliana Guimarães) comenta sobre o ex-marido e o atual amante. No metrô, um velhinho (Isaac Bardavid) conta uma antiga história da infância.

O ponto alto do espetáculo, dirigido por Henrique Tavares, é o divertido texto da mulher da academia, com uma atuação hilária de Guimarães, a falar como numa compulsão, e também o tocante relato do metrô, valorizado pela emocionante perfomance de Bardavid, uma das vozes mais conhecidas do público brasileiro (ele é dublador de personagens famosíssimos do nosso repertório, de Esqueleto – inimigo do He-Man – a Wolverine, e até o computador do carro da Supermáquina). Uma pena que, por problemas técnicos, não funcionou muito bem, no dia da estréia no Theatro São Pedro, o projetor que mostrava imagens do subterrâneo. Por vezes, a marca d’água do equipamento, nos momentos de pausa, era projetada e repousava no rosto dos atores, por conta da redução de iluminação, provocando um anticlímax. Portinho e Paraventi seguram bem seus personagens, mas o texto possui altos e baixos. Curiosamente, Faour, a autora, dedica para si mesma o mais fraco dos textos, repleto de clichês que não condizem com o restante da encenação. Na verdade, a plateia manteve-se muda nesta esquete, o que se revelou um pouco constrangedor. Também a atuação de Carla segue a linha da mulher fogosa, insatisfeita sexualmente, que quer provar ainda estar ‘viva’.

Cenário simples, com alguns elementos básicos que se alternam em cada esquete – um pinheirinho de Natal iluminado, cadeiras que simulam um vestiário, barras para fazer de conta que estamos em um vagão de metrô –, talvez o maior problema do espetáculo seja a narração em off, muitas vezes explicativa por demais. A personagem que escuta também fala com a plateia, em pequenos monólogos, portanto o seu “pensamento” poderia ser substituído por esta comunicação direta com o público.

De qualquer modo, A arte de escutar é um montagem despretensiosa e bastante satisfatória, especialmente pela belíssima ideia de valorizar essas pessoas do nosso dia a dia que têm a duríssima tarefa de escutar o outro. Não por acaso, o texto tem sido traduzido e levado a outros palcos, como o canadense.    

Decidimos ver o famoso Hair, que revolucionou o gênero nos anos 60, antes de rodar o mundo. Teve até uma montagem no Brasil com Sonia Braga. Eu já conhecia várias músicas e sabia que o elenco ficava pelado. Até com temperaturas abaixo de zero. E lá fomos nós. Como sempre, fotos proibidas, indicavam os cartazes. Só que ao contrário do Brasil, aqui, quem ousar tirar uma fotografia, é retirado do teatro e responde a um processo criminal. Bem diferente do que se vê em terras tupiniquins.

A atual versão de Hair foi montada em 2009 e é recheada de jovens com vozes potentes e corpos sarados. O The New York Times chamou de retumbante, maravilhosa. Eu, um avesso a musicais desde os filmes do Elvis Presley na Sessão da Tarde, não posso falar nada menos do que isso. Direto do túnel do tempo, os amigos de Claude (Gavin Creel) se envolvem em aventuras de paz e amor. O ator Gavin Creel, de 32 anos, nunca fez um filme segundo o site IMDB, mas poderia despontar em qualquer série jovem. Tem cara e talento para isso. Sasha Allen, a Dionne, que abre a peça com a célebre Aquarius, deixa a gente sem piscar quando está cantando.

São duas horas de espetáculo com um intervalinho de 15 minutos, no qual o povo bebe como se estivesse em uma festa. No fim do primeiro ato, apenas Claude não tira a roupa. Os outros balançam de um lado para outro como se estivessem em casa.

A surpresa veio no final. Os atores convidam o público para subir ao palco e dançar com eles Let the Sun Shine In. Eu e a Mari podemos ficar bem perto da mocinha Sheila (Caissie Levy), sósia de nossa colega Nuria Saldanha, do Canal Rural. De repente, vimos que tinha gente tirando foto. Epa! Peguei minha câmera na hora. Estava registrada nossa passagem pela Broadway e em grande estilo. Mais uma foto do palco para a platéia antes do guarda chegar com o “no pictures, please”. E não fomos presos.

Fotografo por trás dos vidros

da minha janela

o mundo lá fora

vazio, distante

Quando revelo as fotos,

Vejo o meu reflexo em todas elas

O ator Paulo José, nos anos 80, possuía um programa na Rede Globo chamado Caso Verdade. Milhares de brasileiros enviavam suas histórias, quase sempre trágicas, para serem analisadas e virarem drama. Quem fazia a apreciação crítica era Ana Cristina Cesar. É ela quem envia um dossiê destruindo a qualidade do programa. Paulo José, achando absolutamente pedante os comentários no documento daquele tal de A.C. César, foi tirar satisfações, à procura de um Antonio Carlos, e encontrou uma jovem bonita, que o encarava nos olhos.

Esta história é uma das que aparecem em cena no poético espetáculo Um navio no espaço ou Ana Cristina Cesar, espécie de tributo que o ator, nascido no Rio Grande do Sul, concede a uma tradutora e poeta muito talentosa e pouco conhecida no nosso país. Quando, alguns meses mais tarde, Paulo descobriu um livro de poemas chamado A teus pés, percebeu de quem ele era. Quis encontrar a sua antiga “inimiga”, mas foi tarde demais. Com 31 anos, Ana havia se suicidado.

Ana Kutner, filha de Paulo com Dina Sfat, é a Ana Cristina Cesar na peça. Sentado ao lado do palco, tendo em volta uma série de gravações, lendo poemas enquanto o público se acomoda no novíssimo teatro Oi Futuro Ipanema, Paulo José está soberbo, sendo ele próprio e vários outros, confabulando com sua filha – o que garante uma química maravilhosa – e tratando com respeito e reverência a obra da poetisa carioca. É interessante o diálogo que ocorre entre os poemas ditos por Ana no palco e os comentários tristes, irônicos, bem-humorados de Paulo.

olho muito tempo o corpo de um poema
até perder de vista o que não seja corpo
e sentir separado dentre os dentes
um filete de sangue
nas gengivas

É porque muitas coisas não possuem, de fato, explicação. Longe de tentar encontrar situações que justificassem o ato do suicídio, a dupla passeia pela obra e pela vida de A. C. Cesar, suas idas e vindas ao Brasil, sua estada na Inglaterra, seus medos adolescentes, suas dúvidas na maioridade. Rotulada como parte da geração anos 70, da trupe de Caio Fernando Abreu, Ana recusava etiquetas, ao mesmo tempo em que orgulhava-se da companhia “marginal”.

Poucas vezes a junção do vídeo com o teatro foi tão feliz. Em muitos espetáculos, o tal momento multimídia por vezes resulta quase desnecessário. Em Um navio no espaço, não. Há pequenos capítulos que, muitas vezes, recebem a ajuda de imagens para serem melhor contados. E também surge Ana em imagem ao vivo, em cena, deitada, numa fusão muito bem elaborada.

Denso e emocionante, Um navio no espaço ou Ana Cristina Cesar é imperdível (e possui preços populares: 20 reais). A belíssima dramaturgia de Walter Daguerre e o cenário (sempre se fazendo e desfazendo) de Fernando Mello da Costa merecem destaque, além da direção geral de Paulo José, mas nada é mais impactante, nem mesmo a impecável atuação dos atores, do que as palavras de Ana Cristina Cesar que vagam, pesadas ou leves, por aquele oceano chamado poesia.

Não sou idêntica a mim mesma

Sou e não sou ao mesmo tempo, no mesmo lugar, sob o mesmo ponto de vista

Sobre o espetáculo, disse a exigente crítica teatral Bárbara Heliodora: “Um navio no espaço ou Ana Cristina Cesar é um espetáculo inteligente e encantador, com méritos na forma e no conteúdo, pois texto e interpretação se unem para uma ótima experiência teatral, que muito merece o nosso aplauso”.

Direção: Eduardo Figueiredo

Com: Antônio Petrin e Elaine Giacomelli

Em razão de problemas cardíacos, Jasek, um sexagenário ator polonês, às vésperas de estrear Ricardo III no teatro, é aconselhado a deixar de atuar para que possa ganhar mais uns anos de vida. Este é o embate proposto por Eduardo Figueiredo que assina a direção e texto de Só os doentes do coração deveriam ser atores, cuja inspiração adveio da obra Além das ilhas flutuantes, de Eugênio Barba.

Ao chegar ao teatro, poucos minutos antes do espetáculo, o público é recebido por uma jovem de pés descalços e elegantemente vestida, Elaine Giacomelli, entoando, na sua gaita, uma doce melodia que serve de sinal para a abertura das portas do teatro. Enquanto o público procura os seus assentos, a jovem sobe ao palco e senta-se ao piano postado no fundo do tablado. Percebe-se que à sua frente, no centro do palco, está um senhor de cabeça baixa e coberta por um pano sentado em um banquinho. Assim que as luzes do teatro se apagam, este senhor descobre o rosto e inicia a falar.

Desta forma, tem início o espetáculo no qual Jasek, Antônio Petrin, expõe suas dores, suas memórias e seus amores diante da plateia. Entrecortados pelos seus depoimentos, o ator também interpreta algumas falas de Ricardo III e dialoga com a jovem que recebera o público no foyer, agora entoando algumas canções ao piano e assumindo também a condição de algumas paixões do sexagenário ator.

Só os doentes do coração deveriam ser atores tem como grande destaque a interpretação de Antônio Petrin, que consegue envolver o público, em seu drama particular, a partir de uma atuação competente e verossímil, transmitindo toda a angústia e sofrimento que caracteriza seu personagem. O espetáculo se encerra com vigorosos aplausos de uma plateia duplamente emocionada: seja pela bela interpretação de Petrin, seja pela escolha do seu personagem, Jasek, em permanecer atuando. Só os doentes do coração deveriam ser atores propicia ao público uma certeza de que tanto o ator quanto o  personagem comungam de um inabalável sentimento: a paixão pelos palcos.

Argumento.net é veículo oficialmente credenciado ao PORTO ALEGRE EM CENA

Com: Georgette Fadel e Isabel Teixeira

Dizem alguns críticos que o escritor alemão Friedrich von Schiller, quando escreveu a peça dramática Mary Stuart, o emblemático confronto entre duas rainhas, desenvolveu as metáforas da filosofia da liberdade moral (na representação da Rainha Mary que, ao renunciar ao pecado e à culpa, atinge a liberdade moral: “Já pus em ordem todas as minhas coisas terrenas. Conto ir deste mundo livre de todas as dívidas com os homens”) e da busca da harmonia (retratada na Rainha Elizabeth I, que persegue o que lhe falta: a beleza de Mary Stuart: “São estes os encantos, lorde Leicester, que nenhum homem impunemente contempla e com os quais nenhuma outra mulher se atreve a comparar os seus? Francamente! Essa glória conseguiu-se com facilidade. Para que tal beleza seja igual para todos, preciso é que a todos tenha pertencido!”). A emblemática diretora teatral Cibele Forjaz, que sempre traz ao Porto Alegre em Cena espetáculo inovadores (quem se esquece daqueles em que uma ainda pouco conhecida Leona Cavalli brilhava, como Toda nudez será castigada e Um bonde chamado desejo?), propõe a desconstrução do texto de Schiller, a desarmonia das vozes em dueto, das dores e angústias de ser rainha e de ser atriz.

O Theatro São Pedro transformou-se em arena para receber a montagem de Rainha[(s)] – Duas atrizes em busca de um coração: apenas o palco foi utilizado, montando-se arquibancadas em torno de um grande círculo labiríntico pintado no chão. Nas extremidades, dois camarins onde as atrizes recebem o público. O texto de Schiller é apresentado ao espectador de duas formas: alguns lampejos do original, em monólogos que funcionam como esquetes, ou nos diálogos acirrados das rainhas, e uma espécie de aquecimento da plateia ao porvir, na conversa informal das atrizes, em tom de bastidores, sobre as cenas mais importantes, como que trocando experiências, situando o público no contexto histórico. É outra metanarrativa: o teatro se mostra teatro. Porém, ao mesmo tempo, a característica de embate entre as rainhas também é passada para as atrizes, que duelam em palavras por fatos banais: de grampos de cabelo a marcas na pele que indicam envelhecimento. Entre elas, o sumiço do coração comprado no açougue, e o aparecimento da metáfora que vem no subtítulo: duas atrizes, duas rainhas, apenas um lugar. Apenas uma sobrevive.

A arena montada por aquelas duas mulheres prende a atenção do espectador. A alta dose de humor sarcástico nas “improvisações” ensaiadas das atrizes é um dos pontos altos, especialmente quando elas se misturam ao próprio texto clássico. A interatividade do público é sempre pretendida: as atrizes atuam no grande círculo, girando lentamente para que todas as partes das arquibancadas testemunhem seus duelos. O final da peça é questionado: todos sabem que Elizabeth, a rainha da Inglaterra, alegando que Mary Stuart tivesse conspirado por sua morte, pede a cabeça da Rainha escocesa. Porém, na montagem de Forjaz, o público vota: uma bolinha vermelha para a cabeça de Mary; uma branca, para Elizabeth. As bolinhas são pesadas em uma balança, e o público sela o destino. Enquanto vota, a plateia observa os apelos disfarçados das atrizes: ambas querem morrer. É melhor a vítima trágica do que a assassina culpada.

No palco do São Pedro, nem tudo funciona à perfeição. As pesadas e incômodas cadeiras que fazem as vezes de arquibancada provocam ruídos, são incômodas. Há pessoas que não conseguem ver os dois extremos onde se localizam as atrizes, quando naqueles camarins: algumas ficam de pé. Há ainda espectadores nos camarotes laterais, que enxergam ainda com maior dificuldade. Talvez se fosse em um teatro em formato de arena, tudo funcionasse melhor. Georgette Fadel e Isabel Teixeira digladiam-se com muita competência. Ocorre que tudo em Isabel é maior: a voz, a altura, a presença, e o público tem a sensação de um duelo desigual. Contudo, Georgette é pequenina e funciona como a parceira ideal: tanto como a rainha ciumenta quanto a aspirante a atriz. Suas falas são metralhadoras giratórias, e uma é escada para outra. Porém, inegável dizer, a presença de Isabel Teixeira ilumina. Ela canta lindamente, ela percorre uma sutil palheta de emoções: da doce e sarcástica atriz que come uma maçã à furiosa e destemperada rainha que arranca os cabelos. Não por acaso, a atriz recebeu o prêmio Shell por sua atuação.

O público ovacionou – ok, aparentemente quase tudo é ovacionado – as duas atrizes à procura de um coração, no centro do círculo do grande teatro. O Porto Alegre em Cena se aproxima de seu final, e talvez este tenha sido um dos anos mais positivos, mais regulares da mostra.

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Direção: Liliana Sulzbach e Márcia do Canto

Com: Araci Esteves e Ida Celina

A partir da belíssima concepção cênica, assinada por Élcio Rossini, que propicia um excelente aproveitamento do palco, as protagonistas Marlene Dietrich e Leni Riefenstahl, Araci Esteves e Ida Celina respectivamente, encontram-se e discutem suas carreiras, amores, crenças. Entre elas, há um tom de competição, em um duelo que remete a clássicos do cinema como O QUE TERÁ ACONTECIDO A BABY JANE?, até encontrarem um denominador comum que lhes aproxima: a iminência da morte, da finitude.

Vê-se no palco um amplo dormitório onde Marlene busca o sono, até ser interrompida pela chegada de Leni, que invade o quarto escalando a sacada do prédio. Neste quarto encontra-se à esquerda uma cama de casal, à sua frente uma série de malas, do outro lado uma penteadeira, cujo espelho também é um monitor de vídeo, e uma poltrona; ao fundo uma ampla porta-janela com uma sacada e uma parede, formada por meio de painéis superpostos, que demonstram a nobreza e austeridade do cômodo, com fotos dos quadros dos amores de Marlene.

Marleni promove, por meio da metalinguagem, uma fusão das artes cênica e cinematográfica, a partir da mescla de projeção de imagens no palco, seja a paisagem e a sacada por meio de projeção de imagens, seja o aparecimento das personagens, quando saem de cena, ou quando fazem um flash back, no espelho da penteadeira e no balcão da sacada, ou mesmo a imagem das atrizes alemãs nas películas, o que dá um resultado muito bonito aos olhos dos espectadores, embora seja, infelizmente, um recurso pouco explorado ao longo da peça.

O espetáculo, dirigido pela cineasta Liliana Sulzbach e pela atriz Márcia do Canto, apresenta algumas falhas importantes, quais sejam: um texto enfadonho por ser demasiadamente didático e explicativo, pormenorizando para a audiência quem foram as personagens ali retratadas, e a equivocada utilização de microfones nos figurinos das atrizes, que ao invés de auxiliá-las na projeção de voz, prejudica-as na medida em que, muitas vezes, principalmente nas falas de Celina, dê a impressão de que está sendo dublada.

Por alguma razão, a plateia em geral ri de uma série de situações trazidas, quando na verdade estas situações tenderiam muito mais para a o drama do que propriamente à comédia. Desta forma, Marleni, pelo conjunto da obra, demove a audiência da sua cômoda situação de espectador e os envolve, estranhamente no riso, já que talvez não tenha conseguido provocar a reflexão pelo aspecto dramático do texto. Ainda que cheio de boas intenções, o espetáculo fica muito aquém do esperado, tendo em vista o quilate dos artistas envolvidos no projeto, e recebeu, ao final, um aplauso morno da plateia do Teatro do CIEE.

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Direção: Gilberto Gawronski

Com: Luis Salem, Alex Nader, Nildo Parente, Sergio Maciel, Celso André, Rodolfo Bottino, Alcemar Vieira, Gustavo Wabner, Tatsu Carvalho, Rafael Leal, Gilberto Gawronski, Murilo Fontes e Wallace Lima.

Medida por Medida, de William Shakespeare, na montagem carioca com direção de Gilberto Gawronski, lotou o seu terceiro dia de apresentação no Teatro Renascença. O público ali presente teve a oportunidade de conferir este texto que até então, ao que se tem notícia, nunca antes fora encenado no Brasil. Somado a esse ineditismo, Medida por Medida, por meio da concepção de Gawronski, oferece uma estética inovadora e curiosa. Ao invés de um cenário austero e rebuscado, que traria referências do início de 1600, época aproximada em que se passa a narrativa, o diretor apresenta o espetáculo a partir de uma estética gay e fetichista.

No palco surgem luzes de neon, gelo seco e estruturas metálicas, além de dois tecidos suspensos no teto, nos quais duas figuras absolutamente andrógenas realizam malabarismos corporais no alto do palco, envoltos nestas faixas, ao longo da encenação.

O texto, traduzido ao português por Bárbara Heliodora, ainda que aparentemente seja mantido no original, acentua o caráter homoerótico da encenação por ser entrecortado por uma trilha sonora pop de alguns ícones do universo gay: de Edith Piaf a Madonna, de Queen a Depeche Mode, e pela entonação um tanto efeminada na reprodução dos diálogos de alguns personagens. O figurino e os adereços cênicos também traduzem a estética fetichista, em alusão a uma Viena impregnada de pecado e volúpia. Excetuando-se as personagens femininas, também interpretadas por atores, reportando-se à época em que somente homens atuavam nos tablados, que se vestem com figurinos compatíveis à época original do texto, ainda que exageradamente maquiadas, lembrando, propositalmente, drag queens, a grande maioria dos personagens masculinos se apresentam com figurinos em couro, bem ajustados ao corpo, numa referência aos rituais sado-masoquistas.

Neste esteira, o delegado, Tatsu Carvalho, ao invés de portar uma arma de fogo, é detentor de um chicote e o Duque, Luis Salem, no momento em que transfere o seu mandato para Ângelo, Alex Nader, ao invés de lhe entregar uma espada, como símbolo de poder, lhe entrega uma chibata.

O público, que no início da encenação talvez tenha um certo estranhamento por conta desta estética homoerótica adotada, logo logo mergulha no espetáculo em razão do texto atual e pungente, ainda que datado do longínquo século XVII e da competente atuação do elenco, que estabelece, aos poucos, uma empatia com a audiência. Medida por Medida desnuda o conflito entre virtudes e pecados, apresentando o drama de Ângelo, o mandatário delegado, que na ausência do mandatário titular, o Duque, deve fazer cumprir a norma jurídica, de acordo com sua consciência, nesta Viena corrupta e corroída de princípios éticos e morais.

Em razão da existência da culpa judaico-cristã, que nos acompanha desde o nascimento até a nossa morte, a polêmica do enredo permanece vigorosa em nossa consciência por trazer à tona a culpa resultante da utilização da letra fria da norma e a sua aplicação no caso concreto. Segundo o renomado jurista Francisco Cavalcanti Pontes de Miranda (1892/1979), “devemos aplicar a norma jurídica desigualmente na medida de sua desigualdade”. Desta forma, segundo ele, estaríamos aplicando a lei de forma mais igualitária e justa. Ainda que soe estranho aos ouvidos de um leigo, é exatamente este princípio que possibilita uma aplicação mais equilibrada do regramento jurídico.

Medida por Medida reacende a discussão da ética na aplicação da norma e, por conta da estética pop-gay-fetichista empregada pela montagem, apimenta a discussão sobre a diversidade e pluralidade existentes no ser humano, trazendo o universo do dramaturgo inglês aos nossos dias. Encerrando o espetáculo, entre muitas palmas e o som de Madonna, todo o elenco reunido dança uma rave shakespeariana.     

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