Chegando ao cúmulo de mostrar uma japonesa comendo hóstias com ketchup enquanto está lendo um mangá pornô, o roteiro também comete outros deslizes completamente amadores. Vamos citar pelo menos dois que são gritantes. Primeiro, o fato de que a personagem de Maria Padilha faz hemodiálise há dez anos e não tem qualquer fragilidade física aparente. Ela usa lindos vestidos com decotes e tem uma aparência bem saudável para alguém que está há tanto tempo se tratando. O segundo (e pior) é criar um romance sem dar qualquer aviso prévio. Os personagens conversam uma vez e, poucos minutos depois, o roteiro anuncia que existe uma paixão ali. Uma paixão tão avassaladora que muda os valores dos personagens. Assim, de uma hora pra outra.

Difícil engolir problemas que poderiam ser facilmente contornáveis. O que acontece é que, como já dito, a vontade do longa não é contar bem uma história e sim fazer barulho. E isso fica evidente até para os menos críticos, que podem notar cenas mais compridas do que o necessário (notem o padre de Fábio Assunção caminhando em câmera lenta com seus cabelos esvoaçantes no corredor do hospital) e decisões abruptas que não convencem. São erros que, se inexistentes, deixariam PAÍS DO DESEJO no nível do satisfatório. Mas não dá para perdoar deficiências tão amadoras. Por isso, o resultado termina como extremamente raso e superficial. Criar polêmica não basta. Além de discuti-la, a missão de um filme também é de, no mínimo, encená-la de forma convincente…

Com o elenco pouco conhecido e cheio de boas atuações, o filme é tenso, sobretudo nas cenas do aeroporto, onde a humilhação dos imigrantes por parte da polícia é escancarada e revoltante. As cenas gravadas em Pernambuco são suavizadas pelo contexto regional muito bem destacado na filmagem e pela presença da divertida prostituta Bia (Cristina Lago), com seu inglês de improviso e sua malandragem inocente.

Com direção de José Joffily (de ACHADOS E PERDIDOS e 2 PERDIDOS NUMA NOITE SUJA), a trama só é prejudicada pela montagem. A alternância de ambientes é constante demais, causando cortes televisivos à fita nos momentos em que era necessária uma continuação, acabando com o clima e tornando o final um pouco óbvio para quem já conhecia a sinopse ou já havia assistido ao trailer.

Tirando este fato, trata-se de um título bem interessante enquanto cinema e enquanto crítica social.

CONTRATEMPO é, sobretudo, uma enorme lição de solidariedade, momento de comunhão absoluta entre jovens aprendizes da música, as diretoras do filme e seus produtores, João Moreira Salles e Maurício Andrade Ramos. Para quem está por dentro dos “bastidores” do nosso Cinema, basta destacar a fotografia de Flávio Zangrandi e a montagem de Sérgio Mekler, dois bambas em seus ofícios. Feito este necessário “prólogo”, vamos à obra.

Desde a escolha do título, passando pela seleção das locações, enquadramentos, músicas, tudo em CONTRATEMPO é de uma delicadeza cativante. Há depoimentos tão verdadeiros quanto chocantes, como o de Leandro Serizac (jovem adotado por família estrangeira, cujo pai muito o maltratou), revelando umas tantas vezes nas quais os jovens amantes da música precisaram optar entre sua vocação, o desamor e a violência rondando tão perto – a maioria vive em morros cariocas… Bastas vezes, as lágrimas chegam aos olhos, mas não há pieguismo nas cenas. No mais das vezes, é possível observar, por quase todos os lugares onde trafegam os jovens, a presença constante de uma televisão e marcas de cartões de crédito e de outras iguarias da indústria do consumo. A ambiência favorece a visão desse contraste, sempre injusto, onde tantos têm tanto e muitos (mesmo com merecimento natural e talento visível) têm pouco. Ao mesmo tempo, é lindo ouvir as notas de ‘Garota de Ipanema’ ecoando num bairro da periferia – nada mais carioca que ouvir Tom Jobim e Vinícius de Moraes num filme ambientado no Rio – ou o magistral Corcovado de Tom. Uma glória a inclusão dessas duas pérolas de nosso cancioneiro no filme! Aliás, todo o repertório revela fina sensibilidade, e destacamos a delícia de conhecer grupos como o Grota do Surucucu, de Niterói, e o Filhos da Marta, do morro entre Botafogo/Humaitá, além da beleza da romântica música “A Gente”, do jovem Pedro Nascimento…

Essas nuances contribuem para tornar CONTRATEMPO uma obra para ser vista e apreciada não apenas por músicos e/ou amantes da boa música, mas por quem quer que tenha interesse por qualidade de vida, fraternidade, dias melhores para quem vive/sobrevive fazendo Arte, mesmo em condições tão precárias e adversas.

Malu Mader e Mini Kerti estão de parabéns por terem conseguido fazer um filme de rara beleza, amplo alcance e longevidade atemporal. As duas conseguiram fazer de um tema simples e hoje corriqueiro nas grandes cidades do mundo – os projetos sociais – um manancial relevante e pertinente sobre a vida a se erguer carente, injusta e deficitária, cotidianamente, ao nosso redor, pelos muitos subúrbios e periferias abandonadas do país. Ao terminar o filme, o espectador entende o verdadeiro sentido do título. E, mais uma vez, a emoção domina. Malu e Mini propiciam, através de belas imagens e depoimentos simples e tocantes, uma reflexão involuntária sobre o país que estamos (?) deixando que se erga em volta de nós.

Vendo aqueles jovens transportei-me a algumas sábias palavras do saudoso e querido cronista Artur da Távola, a quem por certo pareceria, esses jovens estarem descobrindo que “compartilhar é a mais feliz experiência e que o mundo só será possível se os homens tornarem a vida uma tarefa de todos. [...] os sons daqueles jovens trouxeram, sobretudo, uma fé que surge como pacificadora e não como justiceira. Como igualitária e não como massificadora. Como certeza de que a vida tem um fluxo, um sentido e uma direção e só quem a descobre, sente ou percebe, consegue transformar-se em consonante com o que é cósmico e universal”, como ele sintetizou em Ainda Existem Crianças Cantando (livro Alguém que já não fui, ed. Salamandra).

Ao mesmo tempo é possível sintonizar a influência direta, decisiva e benéfica de João Moreira Salles na direção. Quem viu NÉLSON FREIRE e NOTICIAS DE UMA GUERRA PARTICULAR, dois documentários antológicos de Joãozinho, sabe do que estou falando. É como se Malu/Mini estivessem a trilhar, naturalmente, com seu olhar e atitude femininos, caminho análogo ao de João – como se Malu fosse o João de ontem ou como se o João de hoje fosse a Malu de amanhã.

Oxalá esteja eu certa e as belas sementes espalhadas por João Moreira Salles frutifiquem cada vez mais, disseminando para o cinema documental um viés rico, poderoso, afetivo e necessário, como necessária é a existência da VideoFilmes (instigadora, propulsora e fomentadora) no hoje tão diverso e rico panorama do Cinema Brasileiro.

Este é o pequeno milagre de Matheus Souza, roteirista e diretor deste filme BO brasileiro que caiu nas graças do público carioca. Merecidamente. Impossível não se identificar com alguma – ou muitas – das tiradas desse casal que se encontra para a derradeira despedida.

Ele está a caminho de uma prova. Ela precisa conversar. Eles têm uma hora. Ela vai embora. Para onde, ninguém sabe. A partir disso, o casal faz um pequeno inventário de fatos sérios e de bobagens, todos com um invólucro de cultura pop. Da Vovó Mafalda a He-Man, de Michael Jackson a The Strokes, passando por Pokemon, Tamagotchi e mais uma carreira de monstros japoneses, o discurso sempre divertido, autorreferencial, procura encontrar na “arte” um parâmetro, já que as referências dessa juventude estão cada vez mais apagadas.

É assim que os excelentes Érika Mader e Gregório Duviver constroem um dos casais mais bacanas da recente história do cinema brasileiro. Bem verdade que ganharam de brinde diálogos inteligentes, palavras que conseguem de imediato a simpatia do espectador.

A conversa do casal é muitas vezes registrada em longos planos-sequência, que são entremeados por um flashback em preto e branco, modernoso, trazendo momentos impagáveis do casal.

A câmera próxima, a discussão sobre relacionamento, faz lembrar Domingos de Oliveira. Obviamente, este é um filme que também tem o gosto de Nick Hornby, Tarantino sem sangue, Kevin Smith, JUNO, Quadrinhos. É uma salada de referências. Por vezes pode-se pensar: existe gente assim, que pega emprestado tudo o que há no mundo da fantasia para dar sentido para a sua própria história? Sim, existe.

E é bom que exista. Porque por baixo desta casca intertextual, no fundo do fundo desses personagens nerds, existe vida, existe dor, existe a falta. Na busca de alguma coisa, ela partiu. E deixou o personagem esquisito que usa os óculos do avô, e nós, plateia cúmplice, de corações partidos.

Simples, eficiente, e improvavelmente poético. APENAS O FIM é uma lição em muito cinema pretensioso feito por aqui.

Paulo Ricardo Kralik Angelini, especial argumento.net em Gramado 

O último filme em exibição da mostra nacional competitiva foi CORPOS CELESTES, dirigido por Fernando Severo e Marcos Jorge. Severo, emocionado, lembrou Gramado que já havia ganho um prêmio na categoria Super8, e que, naquele momento, pensou que sua carreira de cineasta iria deslanchar. Muito tempo depois, exatos 29 anos, apresentava a Gramado seu primeiro longa-metragem. Já Marcos Jorge vem com o nome em alta por conta de ESTÔMAGO, obra independente que caiu nas graças da crítica e faturou muitos prêmios pelos festivais do Brasil.

Fez uma bonita homenagem a Antar Rohit, ator americano (e artista plástico) que faleceu precocemente e não chegou a ver a obra finalizada (o filme está pronto desde 2006, mas foi adiado por conta de ESTÔMAGO). O discurso de Jorge foi um dos mais poéticos, sem ser piegas, de todo o Festival.

O que mais chama a atenção de CORPOS CELESTES é que ele seja um filme de baixo orçamento: o cuidado da produção é louvável.

O prólogo da obra, os primeiros 40 minutos, é de uma beleza ímpar. Chiquinho (Rodrigo Cornelsen, ótimo, um verdadeiro achado da equipe) é um menino curioso, que vive em uma cidadezinha paranaense, a espiar um estranho norte-americano, Rick (Antar Rohit), dono da maior casa da região, que por sua vez espia as estrelas em um telescópio. A curiosidade de ambos pelos planetas faz com que se aproximem e travem uma convivência mal-vista pela comunidade.

A química entre Cornelsen e Rohit é fantástica, e há cenas de uma poesia emocionante, como aquela em que Rick ensina, na prática e a partir da utilização de frutas e legumes, a disposição dos planetas no universo. Rick é um solitário, por algum motivo abandonou a família nos Estados Unidos e vive naquele lugar ermo; como as estrelas, que por vezes morrem, mas deixam seu rastro e seu brilho por mais tempo, anúncio de uma vida já apagada, com os dias contados.

Os créditos de abertura só vêm quarenta minutos depois. Chiquinho já é professor de astronomia na Universidade. Apesar de Danton Vigh estar convincente em cena, a ausência de Cornelsen é uma pena. Deve ser por isso que os diretores colocam trechos do menino em flashback, técnica algumas vezes desnecessária, mas sempre comemorada pela magnética presença do pequeno. A entrada da bela Carolina Holanda no filme é o seu ponto mais fraco. A fim de compor o personagem do Francisco maduro como uma cópia similar do apagado Rick – há dinheiro e projeção profissional, não há afeto – o roteiro prevê que ele se envolva com uma mulher que ama a vida (exageradamente, a direção falha e Holanda é por demais careteira), mas que sobre as origens dela nada se saiba. É pouco convincente que uma desconhecida e espaçosa vá morar com alguém e não se sabe nem o sobrenome dessa pessoa. A situação piora quando entra em cena o filho de Rick (Jeff Beech, fraco), um personagem que não diz a que veio, a não ser o óbvio: vasculhar a infância de Chico.

É uma pena que um filme com um início tão promissor resvale em algumas passagens por demais melodramáticas ou pouco críveis. Apesar destes percalços, CORPOS CELESTES consegue manter um ritmo interessante e merece ser conferido. Em uma mostra nacional tão fraquinha como a deste ano, pode levar alguns kikitos.           

POR QUE EU NÃO GOSTEI

Marcelo Brody ,especial argumento.net em Gramado 

Ruy Guerra foi o agraciado da última noite da mostra competitiva, em que lhe foi entregue o Kikito de Cristal. Após a apresentação do cineasta pelos mestres de cerimônia, Renata Boldrini e Zé Vítor Castiel, Guerra subiu ao palco e emocionou a todos, se reportando a uma resposta, dada por Gabriel Garcia Marques, quando esse foi indagado por um jornalista para saber os motivos pelos quais ele escrevia. Parafraseando o escritor, disse que fazia cinema para ser amado, apesar de ser um fascinante e doloroso ofício.
Logo a seguir foi exibido o último longa-metragem desta edição do Festival, CORPOS CELESTES, de Marcos Jorge e Fernando Severo. A película é uma mescla de estilos: alegoria e realismo são as vertentes escolhidas pelos diretores na confecção desta obra. O prólogo, que é a parte mais bacana do filme, encanta a plateia a partir do magnetismo, carisma e excelente interpretação de Rodrigo Cornelsen, que vive Francisco em criança, mais adiante interpretado por Dalton Vigh. O lirismo da primeira parte do filme dá lugar a uma narrativa enfadonha, na qual personagens surgem sem maiores explicações, como no caso da namorada do protagonista, Carolina Holanda, que além de ter surgido do nada, não cumpre uma função relevante na película. O filho do americano que cometeu suicídio no início do filme surge também através de uma forma muito forçada. Se ele sabia da existência de Francisco, como amigo de seu pai, como pode ter ficado surpreso quando o protagonista lhe disse que seu pai havia cometido suicídio? CORPOS CELESTES apresenta um roteiro que utiliza a narrativa dos personagens em diálogos absolutamente forçados para dar entendimento do enredo ao público: como na passagem entre Diana e o filho do americano no táxi e na conversa entre o irmão mais velho e Francisco na borracharia, quando o mesmo retorna a cidade.

Desta forma, infelizmente, fica empobrecida a história com a utilização desses recursos retóricos, uma vez que uma imagem vale mais do que mil palavras. Encerra-se mais um Festival sem maiores surpresas, principalmente na mostra nacional, alternando-se documentários e ficção que possivelmente vão dividir os desejados kikitos, uma vez que não houve nenhuma obra vista sem alguma ressalva. Já a mostra competitiva das produções estrangeiras trouxe alguns títulos bastante impactantes, para a felicidade do público presente. Fica a certeza de que o cinema nacional ainda busca a sua identidade, e o Festival cumpriu o seu papel ao trazer esta diversidade de produções e estilos, cabendo ao espectador fazer as suas escolhas e a sua crítica.

DE VOLTA AO QUARTO 666, de Gustavo Spolidoro, é um bom começo, pois o curta é a própria homenagem ao cinema. Em 1982, Wim Wenders perguntou, em QUARTO 666, qual seria o futuro do cinema. Um dos entrevistados foi Michelangelo Antonioni. Quase 25 anos depois, Spolidoro coloca Wenders na frente da câmera para que ele questione suas próprias indagações. A boa sacada do filme, com bela edição, é a fusão de imagens em tempos distintos (o já falecido Antonioni surge e emociona Wenders), tão bem realizada que é quase como se todos partilhassem esse mesmo espaço. E de fato partilham.

DO MESMO LADO DO MURO, de Bruno Carvalho, traz Pedro Tergolina, o menino do multipremiado DONA CRISTINA PERDEU A MEMÓRIA, como um adolescente típico da geração atual: pouquíssima motivação e nervos à flor da pele. Uma namorada mais-ou-menos, dezenas de cartazes de sua banda a serem colados, mas nenhum muro serve… Situações opacas, uma vida sem cor e um personagem daltônico. Com boa atuação do elenco juvenil, o curta possui um competente trabalho de câmera e tem um final bastante interessante, quando o microcosmo vence o macro: é no quarto que o adolescente de fato é dono do terreno. E só lá.

ENCICLOPÉDIA, de Bruno Gularte Barreto, conta com o pequeno prodígio Eduardo Sandagorda, já premiado por trabalhos na televisão, como um menino apaixonado por livros de enciclopédia. Seus sentimentos são traduzidos por verbetes, sempre à mão para socorrer seus dramas de infância. Todos sabem como é difícil dirigir crianças, e os pequenos que aqui aparecem fazem trabalho de gente grande. É um filme doce, querido, muito por conta de Eduardo, Amanda Urnau e Luíza Mor.

JOGO DO OSSO, de Henrique de Freitas Lima, faz parte de um projeto urgente de trazer às telas do cinema os ótimos causos de Blau Nunes, de Simões Lopes Neto. Contando com um bom elenco, encabeçado por Evandro Soldatelli, Tiago Real e Renata de Lélis, o curta tem uma megaprodução, realizada em São Gabriel. Porém, há qualquer coisa que não funciona como deveria: algumas cenas são bastante artificiais, a presença do narrador por vezes se perde e aparece desnecessária. A despeito do talento dos envolvidos, o resultado é uma obra que deve ser divulgada nas escolas, mas enquanto cinema deixa um pouquinho a desejar.

PALAVRA ROUBADA, de Mirela Kruel, é um poético ensaio sobre o amor. Marcelo Adams e Rodrigo Fiatt decidem roubar a maleta de um velhinho, e descobrem que o conteúdo é apenas valioso para ele mesmo. Há ótimos enquadramentos, uma bela fotografia e uma sacada que remete a LOST IN TRANSLATION: na revelação do segredo do filme, a palavra é roubada pelo barulho de um trem que cruza a tela. Aliás, definitivamente o Trensurb entrou como cenário dos curtas gaúchos, tendo aparecido em três ou quatro produções.

QUIROPTEROFOBIA, de Fernando Mantelli, entrou com o aval de participar da mostra nacional, o que sempre garante uma espécie de nariz torcido da concorrência, já que os outros foram preteridos da mesma. Enfim, o filme de Mantelli nada tem a ver com isso e consegue trazer um suspense e um clima de terror competentíssimos. A bela iluminação e a trilha de 4Nazzo, além da atuação espetacular de Nelson Diniz, garantem claustrofóbicos momentos na história de um casal e um taxista que se veem sequestrados por um estranho adorador de sangue. A nota bacana é que o roteirista, Tiago Rezende, é ex-aluno do Colégio João XXIII e participou do projeto que há na escola de produção amadora de curtas.

Outro que também participou da mostra nacional foi A INVASÃO DO ALEGRETE, uma brincadeira despretensiosa que caiu no gosto da plateia da mostra nacional e, é claro, provocou ainda mais gargalhadas e aplausos na exibição da competição gaúcha. Um telefonema anônimo para um médico de Alegrete avisa de uma suposta invasão da vizinha e rival Uruguaiana. Em tom farsesco, com cenário fake e recheado de piadas e referências gaudérias, o filme de Diego Müller tem um bom ritmo e consegue arrancar muitas risadas do público. É um pouco ingênuo, mas talvez a intenção seja realmente essa. Destaque para o grupo de atores, em especial Miguel Ramos.

AOS PÉS, de Zeca Brito, conta a história a partir de um ponto de vista inusitado: os pés. Carla Cassapo e Leonardo Machado emprestam seus pés, canelas e vozes a um casal que se encontra e tem “one night stand”, e o resultado é um bom filme.   

FOGO, de Hique Montanari, é um exercício de linguagem com belíssimo visual. Cada quadro da fotografia em preto e branco de Juarez Pavelak é de um apuro técnico impressionante. O elenco de gaúchos notáveis – Irene Brietzke, Nelson Diniz (só dá ele neste ano), Liane Venturella, Sandra Possani, Naiara Harry, entre outros – improvisou e inventou uma língua, incompreensível, assim como o roteiro. Entretanto, ainda que hermético, o ótimo trabalho estético merece ser conferido.

GROELÂNDIA, de Rafael Figueiredo, trata da incomunicabilidade entre mãe e filho, em tempos distintos. Liane Venturella brilha, e seu rosto angelical nunca esteve tão perverso. Contudo, a tarimbada atriz tem como apoio dois atores iniciantes muito competentes, especialmente o menino mais novo. O elenco atua com uma naturalidade pungente, e o público vê-se testemunha próxima dos conflitos familiares. O excelente roteiro de Cristina Gomes (a última cena é inspiradíssima), a boa edição de Fabio Lobanowsky fazem de GROELÂNDIA um dos mais belos curtas desta safra gaúcha. Talvez merecesse um espaço na mostra nacional.

Outro que merecia um espaço na competição oficial é MAPA-MÚNDI, de Pedro Zimmermann. O capricho da produção, que conta com uma dupla de atores bem conhecidos nacionalmente, Walmor Chagas e o sumido André Mauro, é notável. A fotografia, a trilha sonora e os efeitos visuais são de primeira categoria. Walmor reina absoluto, interpretando um velho que mora isoladamente em algum canto não habitado no interior do Rio Grande do Sul, e de lá não consegue partir. É um trabalho terno, uma história saborosa que foi extremamente aplaudido. 

LIVROS NO QUINTAL, de Vinicius Cruxen, é livremente inspirado na música homônima de Vítor Ramil. Uma mulher debate-se com seus conflitos. Outro exercício de linguagem, visualmente interessante, mas que não chega a decolar.

Outro ponto positivo são as produções do pessoal recém saído da universidade: a PUC apresentou dois excelentes trabalhos, MARESIA, de Christian Schneider e Natália Piva Chim, e

SEGURA NA MÃO DE DEUS, de Elisa Slim. O primeiro é uma bonita obra em preto e branco sobre uma bailarina que é violentada, contando com a expressividade de Patrícia Soso. O outro é uma comédia, com um argumento que não é creditado, mas que inegavelmente remete a Intermitências da morte, de José Saramago. Numa cidade, uma fanática por velórios vê-se em dificuldade quando ninguém mais morre. Deborah Finocchiaro, já se sabe, tem o timing perfeito para a comédia, e brilha. O problema do curta é que, do meio para o fim, ele se perde, e as cenas finais apelam para o escatológico e para o humor mais fácil. Da Unisinos veio SOBRE UM DIA QUALQUER, dirigido pelo jovem e tímido Leonardo Remor (que quase não conseguiu falar na apresentação da obra), tem como grande destaque a ótima Sissi Venturin, como uma mulher que decide transformar a sua vida. 

Sexta-feira. Quase 30 graus em Gramado. Após o tornado Xuxa, a cidade agora recebe suas patricinhas e mauricinhos de plantão, gente ávida por ver e ser vista. Fica mais difícil transitar pela cidade serrana. Ontem à noite, foram escolhidos os melhores filmes gaúchos, o troféu Assembleia Legislativa. Lamentei que GROELÂNDIA tenha saído de mãos vazias. O melhor filme foi DE VOLTA AO QUARTO 666, de Gustavo Spolidoro. Quem mais carregou peso foi a equipe de SOBRE UM DIA QUALQUER, que levou 6: diretor, atriz para Sissi Venturin, montagem, direção de arte e fotografia. Acho que FOGO merecia algum prêmio técnico. O prêmio de melhor ator foi para o ótimo Nelson Diniz, por QUIROPTEROFOBIA, que disse ter vencido pelo conjunto da obra: ele estava em outros dois curtas, FOGO e A INVASÃO DO ALEGRETE. Querido do público, este último levou apenas o de roteiro. O de produção executiva foi merecido: MAPA-MÚNDI. E JOGO DO OSSO (música) e LIVROS NO QUINTAL (edição de som) completaram a premiação.       

O TROCO, de André Rolim, aposta na comédia fácil. Um casal decide vingar-se de uma operadora de telemarketing, fazendo-a esperar por longos minutos. Com interpretação exagerada dos atores, o roteiro é um tanto óbvio e o curta, apesar de grande apelo popular, não engrena.

NÃO ME DEIXE EM CASA, de Daniel Aragão, conta a história de um amor adolescente em preto e branco. Apesar de um requinte técnico, com a bela fotografia em preto e branco, a obra se perde em um roteiro confuso, entremeado por capítulos nominados, muitos deles com frases clichês do tipo “Quem ama se isola das crueldades da vida”. O curta também foi prejudicado pela projeção no Palácio, pois o som não estava bom, e alguns diálogos soavam incompreensíveis.

OLHOS DE RESSACA, de Petra Costa, traz um casalzinho com mais de sessentas anos de união estável. A fotografia de Eryk Rocha, filho de Glauber, tenta desvendar o lado não óbvio dos dois. O problema é que, apesar de ser uma bonita história de amor, o curta não chega a empolgar, por conta da especificidade da matéria documental, que interessa mais aos conhecidos do casal do que ao público em geral.

O último filme em exibição foi ERNESTO NO PAÍS DO FUTEBOL, de André Queiroz e Thaís Bologna. Um menino argentino – excelente atuação –, fanático por Maradona, enfrenta a arrogância típica brasileira no que se refere a futebol. As crianças duelam guerras futebolísticas, e tudo pode piorar quando há um grande confronto Brasil X Argentina. Bem produzido, o curta é querido, mas poderia ser genial. Há qualquer coisa que fica pelo caminho. Contudo, há uma cena no meio dos créditos que é impagável.  

EM TEU NOME, com direção de Paulo Nascimento, foi o quinto concorrente a melhor longa-metragem nacional, apresentado no Festival de Cinema de Gramado. O filme conta a história de Boni, Leonardo Machado, que deixa os bancos acadêmicos e resolve entrar para a luta armada. A narrativa é uma adaptação de uma história verídica de João Carlos Bona Garcia, que inclusive lança um pequeno depoimento, juntamente com sua esposa, ao final do filme. Destaca-se no elenco a participação de Sílvia Buarque, muito convincente no papel de Lenora, jovem torturada e posteriormente exilada, que sucumbiu no exílio pelos maus tratos e humilhações sofridas na prisão. Apesar de ser um tema já bastante explorado pelo cinema nacional, EM TEU NOME se mostra uma obra competente, com uma boa direção de atores e um roteiro, embora linear, muito bem construído. Ainda que a narrativa se passe na década de 60 e 70, o diretor optou por fazer uma licença poética e temporal incluindo Vitor Ramil, em uma das cenas iniciais do filme, cantando, de sua autoria, Deixando o pago, canção que também marca o retorno do protagonista ao pampa no final da narrativa. Questões como o exílio, o sentimento de saudade, a reflexão sobre os atos dos guerrilheiros contrários ao regime são alguns dos temas abordados ao longo da película. O sotaque e a assinatura gaúcha do filme traz, de algum modo, o imaginário um pouco ufanista dos pampas, algo inerente a nossa cultura. A película, apesar de competente, deixa um gosto de dèjá vu ao espectador, talvez por não ter apresentado nada de inovador acerca de uma temática já bastante explorada e conhecida pelo público.

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