Gramado está com muito mais turistas pelas ruas. Uma grande movimentação ali na esquina… quem serão os astros do cinema? Humm… Max e Flávio do Big Brother. Ok, ok. Mas gostei do Max: o cara tem um milhão e vem para o meio da multidão, na boa.

Enfim.

É de Festival que se quer falar. Último dia da mostra competitiva. Último filme estrangeiro, e é uma despedida em grande estilo. Literalmente, GIGANTE, filme uruguaio do jovem diretor argentino Adrián Biniez (o cara tem trinta e poucos anos), vencedor de três importantes prêmios no último Festival de Berlim (Grande Prêmio do Júri, Prêmio Especial Alfred Bauer e Melhor primeira produção).

Jara é segurança de um supermercado. Passa seus dias sem muito o que fazer: no trabalho, espiando as imagens vindas das câmeras de vigilância e tomando seu mate; em casa, jogando playstation com o sobrinho, já que ainda mora ainda com a mãe e a irmã. Seus dias entediantes ganham um pouco de cor quando ele descobre uma atrapalhada funcionária da limpeza. O interesse ganha ares de obsessão, e o segurança começa a perseguir todos os seus passos, eliminando, com algum humor negro, alguns oponentes que aparecem pelo caminho.

É quase o amor da bela e da fera, mas em versão menos glamorosa: nem a bela é tão bela, já que é solitária e passa seus momentos de lazer em uma lan house, batendo papo na internet à procura de um relacionamento; e nem a fera é tão fera, pois todos o veem como um bom coração. Ambos nada têm aparentemente em comum, a não ser a solidão e o gosto por rock pesado.

Há cenas divertidas, por conta da falta de jeito do segurança em cortejar a moça. O filme é propositadamente lento, compactado a partir de silêncios, vazios, pois destaca o ritmo monótono daquelas vidas sem rumo, lembrando bons filmes americanos independentes que trataram de personagens similares, como GARÇONETE e POR UM SENTIDO NA VIDA (THE GOOD GIRL). É uma obra crua, com muitos planos abertos, o que acentua a pequenez dos personagens, mesmo que gigantes. Gigante mesmo é Horacio Camandulle, excepcional ao conseguir transmitir, concomitantemente, doçura e sisudez em um papel que poderia tornar-se tragicamente caricato.

Uma boa sacada do filme é que Julia, a moça da limpeza, é praticamente uma desconhecida para o público, que a vai descobrindo juntamente com o protagonista. Só ouvimos sua voz na última cena que, coincidentemente, remete ao final do também ótimo LA TETA ASUSTADA. Esses dois latinos, aliás, fizeram bonito na Alemanha, e devem arrebanhar alguns bons kikitos.

Em noite de Rainha dos baixinhos, ainda há espaço para o cinema. Para o bom cinema.

A simbologia da tempestade intermitente, do mau tempo, do dilúvio que vem para lavar tudo pode ser manjada, mas o encontro casual de dois solitários em Buenos Aires rende um belíssimo filme nas mãos de Paula Hernández, diretora e roteirista de LLUVIA, quarto concorrente estrangeiro do Festival de Gramado. Valeria Bertuccelli é Alma, uma jornalista que não tem mais casa. Ernesto Alterio é Roberto, um engenheiro que não sabe o que fazer com um apartamento. Ela, um dia, sentiu-se uma estrangeira dentro de sua casa. Inventou uma viagem como desculpa para encher o seu carro com seus pertences, abandonar o companheiro de nove anos e partir para lugar nenhum. Ele, espanhol, vem com urgência para acompanhar os últimos dias de seu pai, um quase desconhecido, em estado terminal. Alma estaciona nas ruas de Buenos Aires, e lá dentro cria um novo mundo provisório. Roberto, depois do velório, deve se livrar do apartamento e dos pertences do pai. A chuva insistente, o trânsito interrompido… a porta do carro de Alma se abre, e Roberto entra.

Contemplativo, com uma trilha sonora belíssima, LLUVIA fala das pequenas coisas que perdemos pelo caminho: referências de infância, sonhos da adolescência, o sentido de nossas escolhas. Esses dois personagens molhados duelam-se, por vezes silenciosamente, em busca de algo nem sempre tangível. Não há uma paixão avassaladora, como seria previsível em duas pessoas carentes. Há trocas de olhares, de tristezas, de algum afeto. Com atuação primorosa da dupla central (Bertuccelli chega a lembrar uma Juliette Binoche portenha) e com um roteiro em que cada palavra possui um sabor especial, o filme de Hernandéz, como aliás boa parte do sempre competente cinema argentino, consegue emocionar por seu jeito simples e terno.

Além dos atores, que podem receber alguma premiação, a produção técnica do filme é muito boa, com destaque para a fotografia molhada.

Argumento.net é veículo oficialmente credenciado ao 37 º FESTIVAL DE CINEMA DE GRAMADO. Acompanhe aqui, diariamente, tudo o que rola no evento cinematográfico da cidade serrana mais charmosa do país.

Paulo Ricardo Kralik Angelini, especial argumento.net em Gramado. 

Aquela simpática senhorinha, sempre sorrisos, tão pequenina, depois se soube, é a diretora Maria Camila Loboguerrero, do longa NOCHEBUENA, terceiro estrangeiro em competição em Gramado. Empolgada, subiu ao palco do Palácio dos Festivais louvando o fato de mulheres diretoras darem as caras neste 37º Festival: são quatro, apenas contando os longas em competição. Só por essa alegria já se torcia para que a comédia de humor negro colombiana fosse um divertido programa no início da noite desta quarta-feira. Pena. Não há nada mais constrangedor do que uma comédia sem timing. NOCHEBUENA é uma sucessão de erros. Ainda que a linha farsesca seja uma das diretrizes da obra, a história de uma família em meio à crise é artificial e entediante. Na véspera de Natal, uma chique proprietária rural (Consuelo Moure, o melhor do filme) enfrenta traições em família (o filho mais novo tem um caso com a esposa do mais velho), um problema financeiro (com ingênuas e nada críveis situações) e um desarranjo em sua tubulação sanitária (fato que é trazido como metáfora óbvia, mas que acaba se dispersando – e inexplicavelmente sumindo – da narrativa). Por conta desse clima de farsa, a atuação dos atores é exagerada e canastríssima, relacionando-se com o caricato e com o estereótipo. Não se vê o tom de crítica social, pois a alienada família não parece ser real, logo suas atitudes caem no desinteresse. O roteiro possui muitos furos, um amontoado de clichês e nada, nada provoca graça. Uma plateia assistiu de forma silenciosa uma obra que não disse a que veio.

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A simplicidade do filme de Llosa é comovente. Filha de uma mãe estuprada na violência política do Peru, Fausta (Solier, estupenda) carrega a lenda da teta assustada, quando o medo, fruto da violação, é transmitido pelo leite materno. Por isso, é uma moça tímida, arisca, não gosta de andar sozinha na rua e tem muito pavor de também ser uma próxima vítima. Para evitar isso, decide implantar uma batata na vagina, pois “somente algo nojento para assustar uma pessoa nojenta”. Sua batata cria raízes, e essa também é uma grande metáfora do filme.

O apego de Fausta às tradições obriga-a a levar a mãe, recém falecida, ao seu antigo povoado. A menina vive na casa do tio, em Lima, que não tem condições de ajudá-la na tarefa, pois está casando uma filha. Para conseguir o dinheiro, ela decide trabalhar no casarão de uma importante musicista peruana, uma pianista de gênio forte, em crise criativa.

A silenciosa relação entre essas duas mulheres é um dos pontos altos do filme. A senhora escuta as canções da menina e, depois de muitas tentativas, convence Fausta a cantá-las, ou melhor, vendê-las: uma pérola para cada vez.

Traindo seus princípios, a jovem aceita, constrangida, vendendo as suas raízes, de alguma forma, para a indústria cultural, e por ela sendo explorada e usada. É também nesta casa que Fausta conhece um jardineiro, único com quem consegue dividir seus medos.

Poético e sensível, LA TETA ASUSTADA apoia-se na oralidade e no folclore latino-americano e constrói, na tela, cenas de raro apuro estético, além de provocar no espectador o deleite de quem escuta uma doce canção que não se perde no tempo.   

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Colaborou Marcelo Brody.

O FIM DA ESTAÇÃO

O céu parece clarear em Gramado. No início da tarde desta segunda-feira, parou de chover, o frio aumentou e as nuvens começaram a dançar, abrindo espaço para o esquecido azul.

O segundo dia da mostra competitiva teve o primeiro representante estrangeiro: LA PROXIMA ESTACIÓN, do argentino Fernando Solanas, diretor já premiado em Gramado. A película é um documentário, integrante de um projeto de outros quatro longas, que constroem um grande painel desde a grave crise econômica na Argentina, no início de 2000. Narra o esfacelamento da extensa rede ferroviária do país vizinho, aliás um fato comum às nações subdesenvolvidas. Solanas divide seu filme em capítulos, denominados estações, e cumpre o papel de filme denúncia. Além do desvio de verbas, do desumano desmanche do sistema ferroviário, acarretando uma enorme leva de demissões (80% da rede foi desativada), equipamentos caríssimos comprados para a fabricação de maquinário e trilhos foram saqueados, muitos deles com a conivência dos órgãos públicos. Nada que cause estranheza a nós, brasileiros. Apoiado no testemunho de personagens de diferentes esferas sociais, desde antigos trabalhadores da rede (em depoimentos emocionados, alguns em estado de miséria, porém sempre lúcidos e bem-articulados) até políticos que se dizem surpresos com as informações trazidas pela equipe (será que é síndrome da América Latina o famoso bordão: eu não sabia de nada?), LA PROXIMA ESTACIÓN, embora não tenha conseguido uma grande identificação com a plateia de Gramado, consegue manter o interesse. Menem, figura patética da política do país vizinho, digno canastrão de alguma republiqueta de bananas de Woody Allen, leva o kikito de maior vilão. Kirchner, eleito para tentar moralizar, prometeu recuperar a situação dos ferroviários, mas nada fez, começando inclusive a  vender prédios públicos a preços ridículos, leva o kikito de coadjuvante.    

LA PROXIMA ESTACIÓN consegue a façanha de terminar um tanto quanto poético, ao mostrar o papel social e até lúdico do trem, que aos poucos desaparece, literalmente, dos nossos trilhos, deixando cidades, aldeias, pessoas ilhadas no meio do nada. Mais que isso, mostra a força de luta do povo argentino, que consegue, com seu incorformismo, incomodar as autoridades, seja nas paneladas, seja na recuperação em mutirão de uma estação de trem abandonada. Bem que o povo brasileiro poderia, nisso, copiar os hermanos. Um pouco convencional, talvez até televisivo, mas com uma assinatura que merece presença na mostra e desperta a curiosidade do espectador.    

ESQUIZOFRENIA 

Qual a função de um Festival de Cinema? Obviamente, cada mostra assume sua própria identidade, muitas vezes construída ao longo de décadas. Uma dessas funções é a de abrir espaço para obras pouco convencionais. Assim como em um desfile de modas: ninguém compra as roupas que as modelos vestem; aquilo é conceitual. Em um festival, talvez vejamos obras que nem terão a oportunidade de estreia nas salas de cinema comerciais. Obras de estética não tradicional, que subvertem a lógica, que desviam a norma, que rompem com a fórmula. A FESTA DA MENINA MORTA, ano passado em Gramado, é um bom e competente exemplo disso. Outras vezes, pode-se chegar ao extremo desse anticonvencionalismo: a experimentação. Bom, a própria palavra diz: experimentar é desenvolver algo novo, aparentemente diferente. A CANÇÃO DE BAAL, segundo longa nacional em competição, dirigido por Helena Ignez, assumidamente pretendia ocupar a vaga de filme-híbrido da mostra.

“Quando a gente entende uma história, é porque ela foi mal contada”, diz, em certa altura, um personagem do filme. E é justamente este o mote, o desejo pleno da obra: se fazer incompreensível. Desde a primeira cena, A CANÇÃO DE BAAL tenta, exaustivamente, não dizer nada. Ou dizer tudo com o nada. E eis uma teorização digna de conversa de bar: isso é válido?

Cenas com algum apuro visual que se pretendem artificiais. Atuações absolutamente forçadas, falas ditadas, canhestras (à exceção de Beth Goulart, que em poucos minutos ilumina a tela). Personagens soltos, não encadeados. No início do século XX, Fernando Pessoa trabalhou naquilo que acreditava ser o verdadeiro teatro simbolista, com a peça O Marinheiro. Pretendia, o escritor português, a escrita do não personagem, do não enredo, do não movimento, da não ação. Helena Ignez não citou Pessoa (mesmo porque sua obra está longe de ser simbolista), mas falou em Brecht, talvez porque todos achem que qualquer coisa estranha pode ser Brechtiana ou Kafkiana, mesmo que pouco saibam sobre ambos. De qualquer forma, pouco se vê de Brecht no filme. Não se trata do teatro épico, não traz consigo características de distanciamento utilizadas pelo referido autor: seja através das canções em coro, seja principalmente através do rompimento brusco das esquetes com o congelamento das cenas por algumas frações de segundo, artifícios tipicamente utilizados por Brecht com a função de afastar o apelo emocional dos personagens e se concentrar no aspecto político das situações encenadas. Tampouco o musical anunciado pela diretora se faz presente. E nada tem de épico. Ou seja, não é o vendido musical épico brechtiano anunciado por Ignez, e talvez seja isto o que mais incomode nesta obra, ou seja, vender algo que não é entregue ao espectador. Por mais inventivo e original que a narrativa possa pretender se apresentar, ela não traz as características anunciadas e isto causa mais desconforto e frustração ao público, que obviamente pode ser tachado de pouco inteligente ou conservador por não ter afinidade com o referido filme. 

A CANÇÃO DE BAAL é uma compilação de cenas que pouco dizem. Evidentemente que o cinema experimental deve ter espaço. Entretanto, um Festival como o de Gramado, que convida celebridades da Malhação e as anuncia em pleno cerimonial noturno; que estende um tapete vermelho para que os tietes se aglomerem do lado de fora; que deixa pouquíssimo espaço na sala de cinema para o público, cobrando exorbitâncias para os poucos que a esses lugares se habilitam; que divide a sala em cores, reprodução sutil de uma escala hierárquica ridícula dos que podem mais e menos (e isso não tem absolutamente nada que ver com afinidade cinematográfica, pois patrocinadores e atores televisivos B conseguem seus lugares vips)… enfim, ou muito me engano, ou o Festival de Gramado nunca abandonou seu foco para o popular, para o comercial. Portanto, em ano de 85 inscritos, parece que a comissão quis dar ares de moderninha ao escolher uma obra tão não Gramado. Enfim, essa nem Einstein nem Freud explicam. 

Argumento.net é veículo oficialmente credenciado ao 37 º FESTIVAL DE CINEMA DE GRAMADO. Acompanhe aqui, diariamente, tudo o que rola no evento cinematográfico da cidade serrana mais charmosa do país.

Inegavelmente, a linha narrativa é quase a mesma. Apesar de tantas semelhanças, AMOROSA SOLEDAD, dirigido por Victoria Galardi e Martin Carranza, é bastante superior. Bem verdade que a ótima Ines Efron (XXY e NINHO VAZIO), construindo uma Soledad maniática e adorável, carrega a obra nas costas. Quase não há ação dramática em AMOROSA SOLEDAD. Na história, há algo emperrado, entupido, como o vaso sanitário da casa da protagonista que insiste em derramar água, até o momento em que, mais fácil do que o arrumar, Soledad tem a brilhante ideia de transformá-lo em uma mesinha. Feliz da vida, coloca uma toalhinha no vaso, e sobre ela, um cactus e uma vela. Pronto, está solucionado o problema.

Não. O problema é que para Soledad não é tão fácil colocar a poeira para baixo do tapete. “Tenho inveja de você, que cursou uma faculdade. Ir todos os dias ao mesmo lugar, convivendo com as mesmas pessoas… isso não é para mim”, diz, a certa altura. Doce, neurótica, sensível, frágil… assim é a Soledad: diferente dos outros. Transitando entre seu apartamento e sua lojinha de objetos de decoração, dividida com um casal de amigos gays, Soledad constrói sua rotina de forma repetitiva e maçante. Ainda assim, seus grandes olhos azuis nunca param de brilhar. O movimento da câmera acompanha este ponto de vista. As cenas surgem, por vezes, desnecessárias. Raras vezes se viu no cinema tanto telefonema, muitos deles sem razão de ser. É a mãe ligando, é o pai (participação especial de Ricardo Darín), é o ex-namorado. Hipocondríaca, adoradora de velcro e de equipamentos médicos, Soledad vive nos hospitais, para tratar de dores talvez imaginadas, mas nunca de fato vemos o aprofundamento destas situações, simplesmente porque não interessam. O que importa é a construção das manias e crises da personagem, uma perfeita sintonia de Efron com os diretores, pois sua Soledad tinha tudo para ser antipatizada, mas é alguém com quem nos identificamos e por quem torcemos.

Celeste Cid, protagonista de MOTIVOS PARA NO ENAMORARSE, esforça-se, e é o que há de melhor no filme, porque seu colega de cena, Jorge Marrale, é caricato a não mais poder. Porém, sozinha ela não consegue a façanha de Efron, pois tudo é deficiente nesta obra: o roteiro é um amontoado de clichês, a produção é simples e o elenco coadjuvante deficiente. A própria personagem é uma cópia deslavada da adorável Amélie Poulain de Audrey Tautou. Há os mesmos closes que tentam pegar os grandes olhos curiosos, há a mesma narração em off que tenta infantilizar suas vivências. Há um preciosismo com filtros e um estilismo exagerado que dão às cenas cores que transformam tudo em uma artificialidade gritante. Ou seja, aqui em tudo se percebe a mão do diretor Mariano Mucci em cena, em uma tentativa de construir uma fábula amorosa. Sem sucesso.

Já AMOROSA SOLEDAD, trocadilho com o nome da personagem e uma espécie de saudosismo dos bons tempos (e saudade daquilo que nunca ela terá, no caso, um verdadeiro amor) é um pequeno filme que conquista pela sua simplicidade, apoiado em uma bela trilha sonora e uma produção bastante caprichada. O seu final é de uma poesia absurda, uma cena aparentemente banal, mas que revela tudo, tudo o que se esperava da personagem. Não é à toa que AMOROSA SOLEDAD teve uma importante conquista no Festival de San Sebastian, um dos mais respeitados da Europa, no ano passado: Prêmio do Júri Jovem. Os dois filmes são um excelente caso de estudo, a provar a tese de que o talento ainda faz a total diferença em tempos de massificação… quando até o cinema argentino, sempre tão criativo e inventivo, mostra-se com uma aparente falta de ideias.     

Estava em cartaz o novo queridinho das plateias chilenas: EL REGALO. A história é batidinha, a saber: Francisco (Nelson Villagra, muito bom ator), viúvo septuagenário, desiludido com a aposentadoria e sentindo-se deprimido, recebe de presente de seus amigos Tito (Julio Jung, famoso comediante no Chile) e Pacheco (Jaime Vadell) uma excursão ao norte chileno, no belo cenário das termas de Chillán. É claro que os amigos chamam, também, uma antiga namorada de Francisco, a ainda virgem Lucy (Gloria Münchmeyer), para que uma temporada de amor tire a carranca do ex-professor de Física.

O detalhe é que Francisco anda, há alguns dias, tentando se matar, sem sucesso. Ao saber que a excursão conta com um grupo de idosos, ele fica quase revoltado e detesta a ideia. Mas quando alguém comenta que o lugar é lindo, com muitos precipícios, Francisco aceita, cheio de segundas intenções.

Dirigido por Cristián Galaz e Andrea Ugalde, é impossível não se divertir com os quiproquós que o filme apresenta. Típica comédia de erros, EL REGALO é competente na direção de atores, e o ponto alto é o elenco. Uma boa chance a bons atores que muitas vezes caem no ostracismo, a película foi acusada de ser um filme de velhos para velhos, mas isso é uma bobagem: o tema é universal.

É certo que o roteiro é previsível e repleto de clichês, daqueles a darem uma segunda chance a pessoas desiludidas. Mas os acontecimentos de Francisco, que tenta escapar de Lucy e acaba presa fácil da divertida Carmen (vivida por Delfina Guzman, impagável), além de encontrar outro deprimido, o sexualmente ambíguo Nicolas (Héctor Noguera), garantem bons momentos. Troca de casais, mal-entendidos, confusões, tentativas mal-sucedidas de suicídio e pequenos dramas pessoais fazem a diversão da plateia, que ri muito. O prazer com que o elenco contracena é, de fato, contagiante.

Com cara de novelinha, o simpático filme – um dos mais vistos em 2008 aqui no Chile, Prêmio do público de melhor produção chilena no Festival de Valdivia, Três Prêmios no Festival de Viña del Mar (Imprensa Especializada, Júri Jovem e público) – merece ser visto. E o que é o cinema também se não isso: diversão quase ingênua? Resta saber se os brasileiros terão esta chance.

Silêncio. Quando as palavras já não conseguem ser ditas. Quando o silêncio já não é mais aquele local tranquilo da cumplicidade, mas sim um espaço arenoso de falta, de medos, de frustrações.

Um casal em um restaurante. E o silêncio. Um abismo habita entre a dupla. E a queda. É o fim de um relacionamento. Vicenta N´Dongo e Álex Brendemühl, bons atores de Barcelona, são dirigidos por um queridinho do cinema chileno, Matías Bize, jovem talento nascido em 1979. Depois de três filmes de sucesso e de vários prêmios, Bize fez este LO BUENO DE LLORAR em toque de caixa. Com ares de filme amador, rodado em apenas 11 dias e editado em 4, a película, uma co-produção chilena-espanhola, não chega a engrenar e mais parece cinema experimental.

Ainda que haja um toque de sensibilidade, perceptível em boas seqüências, como a do restaurante, a do carro estacionado e a da antecipação da comunicação vazia entre eles em um futuro próximo (o final do amor que um dia foi), a mão pesada do diretor, também roteirista, em seu esforço de conduzir o filme com vistas a realizar uma obra-prima, transforma LO BUENO DE LLORAR em um amontoado de clichês perdidos em intermináveis planos-sequência, muitas vezes sem razão de ser. A pretensão é o calcanhar de Aquiles da obra, que abusa do artificialismo. Apesar de curto, o filme é enfadonho e absolutamente esquecível.

Os personagens são rasos, apesar do esforço do elenco, e em nenhum momento o público tem empatia com eles. De qualquer modo, a bela trilha sonora e os diálogos que faz o filme com BEFORE THE SUNSET, com Ethan Hauke e Julie Delpy, valem uma conferida, ainda que dificilmente o filme entre em cartaz comercial no Brasil.

No Chile, passou praticamente despercebido, restando agora a ser exibido em mostras sobre o novo cinema chileno. Os grandes amores que se acabam, apesar de um assunto batido, é tema crucial em nossas vidas, capazes de gerar vasto material que, eventualmente, pode proporcionar belos filmes, mesmo originais e com uma estética diferenciada. Não é o caso de LO BUENO DE LLORAR. Rodado em uma Barcelona sombria – o que vai ao encontro da decadência deste relacionamento, fugindo da cidade luminosa que outros cinemas já mostraram –, especialmente no Bairro Gótico, o lirismo e a poesia perdem para a obviedade de um discurso que aperta na mesma tecla: onde foi que erramos e por que estamos aqui, agora. Em silêncio.     

Falta muito, muito mesmo, para que VILLA (favela, em espanhol) chegue aos pés de um CIDADE DE DEUS. A comparação é inevitável por conta das decisões estéticas e de roteiro. Vejamos:

as entranhas de uma favela são expostas no filme, com direito à narração em off, com curiosidades e explicações sobre o ambiente;

as histórias de três amigos da favela são recheadas de aventuras com a polícia;

a edição inicial mistura os créditos com cenas banais da favela, com uma trilha forte, uma espécie de samba-eletrônico;

cada batida da trilha traz uma cena, em uma montagem realmente picada;  

a câmera nervosa;

o olhar amedrontado da população classe média baixa que mora ao redor da favela.

Dirigido pelo jovem Ezio Massa, de trinta e poucos anos, VILLA conta a história de três amigos:

Freddy (Julio Zarza), Lupin (Fernando Roa) e Cuzco (Jonathan Rodriguez), oriundos de uma classe paupérrima, moradores de barracos ou de rua, que têm em comum o amor típico pela seleção de futebol da Argentina.

O período é a Copa do Mundo de 2002. Os três tentam conseguir uma televisão para assistirem ao jogo durante a madrugada (era o torneio da Coréia do Sul e do Japão). O filho de peruanos, que carrega o estigma de tal, mas nascido na Argentina, Cuzco, consegue um aparelho velho, que é destruído por Lupin. Depois do incidente, cada um resolve a sua maneira descolar um televisor para ver a partida da equipe argentina: Freddy invade uma loja de eletrodomésticos; Lupin assalta um homem, rouba a sua roupa e, bem vestido, vai a um bar que transmite a partida; Cuzco, finalmente, vai à casa de uma velha senhora a quem havia ajudado no supermercado.

A boa edição do filme mescla as cenas de angústia do povo argentino pelo gol que nunca saía com a tensão crescente da “invasão” dos três amigos: uma pequena multidão na vitrine da loja invadida por Freddy chama a atenção da polícia que vai ao local; Lupin ajeita o revólver quando percebe que dois policiais entram no bar onde gastou um valor que não pode pagar; o canivete do pequeno Cuzco é acionado, para desespero da boa velhinha que o acolheu em sua casa.

A atuação dos atores é boa, pois todos convencem no papel de excluídos, marginalizados. Há cenas gratuitas, que tentam, de certo modo, glamorizar a violência. O roteiro, porém, não alça grandes vôos. Fica uma sensação de que havia um bom argumento que não foi explorado a contento.

A Buenos Aires que aparece é outra. A bela capital argentina não está em cena, mas sim a sua periferia. Para quem conhece a cidade, quando se vai ao aeroporto internacional, há uma bela igrejinha no meio do caminho, na auto-estrada. Pois é por aquelas bandas que surge uma gigantesca favela, com suas artérias expostas a lembrar as nossas, brasileiras. Contudo, é justamente este o maior pecado do filme: para que mostrar a favela se o filme é todo ao seu redor? Para que aquela narração em off? Em CIDADE DE DEUS, a favela era o maior dos personagens. Aqui, em VILLA, não. 

A favela que surge é quase enfeite, cenas cotidianas que não têm relação direta com o desenrolar da história, já que os personagens saem de lá para cometer as suas infrações.

De qualquer modo, chama a atenção em VILLA o seu virtuosismo e, principalmente, a abordagem social em um outro viés: nada dos belíssimos dramas humanos discutidos por uma classe média em decadência – que assistimos em diversas e geniais obras cinematográficas argentinas contemporâneas –, mas a agressividade e a crueza da camada mais pobre, escondida pelas circunstâncias, longe demais do look europeu do qual Buenos Aires tanto se orgulha.

PERRO COME PERRO, representante da Colômbia no Festival de Cinema de Gramado de 2008, foi uma excelente surpresa, desde o roteiro, com ares de Tarantino, passando pela excelente atuação do elenco e chegando à ótima fotografia, com um filtro meio amarelado. O filme de Carlos Moreno (kikito de melhor diretor) tem cara de boa bilheteria. Conta a história do submundo do crime colombiano, quando Victor (o ótimo Marlon Moreno, kikito de melhor ator), um bandidão, rouba de outro e faz jogo duplo. Uma série de acontecimentos faz com que o tal bandido – a platéia torce para ele – esteja prestes a sair ileso da falcatrua. Só que outros bandidos e um inusitado homem que telefona equivocadamente ao quarto de hotel de Victor atrás de uma tal de Adela (o que resulta numa ótima piada dentro do filme) querem estragar os planos do larápio.

A degradação dos personagens é metáfora óbvia aos vira-latas que aparecem durante todo o filme, seja latindo, seja babando na tela. Ao final, exauridos, os bandidos seguem tentando passar a perna um no outro, enquanto os cães se atacam e reviram os lixos.