Quando você é solteira, é responsável apenas por si mesma.

Quando se casa… estar bem sozinha não é o bastante.

Diálogo do filme IN THE MOOD FOR LOVE, de Wong Kar-Wai

Em coluna publicada no final do mês de maio na Folha de São Paulo, Contardo Caligaris, falando de amor, lamentou a valorização, em nossa cultura, da idealização da ruptura, da aventura, e o fato de que só a hora do “apaixonamento” importa. Caligaris citou um filósofo francês chamado Alain Badiou, que define o amor mais como um percurso do que como um acontecimento. Em última instância, ele crê na obstinação como o fator determinante para o triunfo do amor. A grande questão é que, apesar de todos o desejarem, ninguém parece querer fazer esse esforço por ele. Uma contradição que o polonês Zygmunt Bauman tentou explicar em Amor Líquido e que está toda hora dando tapas de luva na nossa cara. Para desespero de todos. Mas também para a felicidade da arte. Neste caso, especificamente do cinema.

Christophe Honoré, um dos poucos que conseguiram utilizar o legado da Nouvelle Vague para fazer um cinema moderno, estampa essa condição em pelo menos três de seus filmes. E o faz com uma leveza que contrasta com a peso de tal condição. Em A BELA JUNIE (La Belle Personne), EM PARIS (Dans Paris) e AS CANÇÕES DE AMOR (Les Chansons D’Amour), a eterna dúvida da humanidade em relação ao amor aparece como fio condutor dos roteiros. Dirigindo elencos que emanam sensualidade (fora o fato de os filmes serem falados na língua dos amantes, o que por si só já é um deleite), o francês de 40 anos converte dor e angústia em beleza. Transforma em arte o que é próprio da vida, e, assim, atribui mais sentido ao existir – ainda que não sejam fornecidas respostas, e sim reforçadas as dúvidas.

Em três cenas dos filmes citados, a dicotomia buscar versus manter dá ao amor uma condição de eterna impossibilidade em função do seu constante fracasso. Cada uma delas mostra fases distintas do amar, mas todas retratam o mesmo – a derrota do amor diante das circunstâncias da vida. Medo, quebra e desesperança. Mas que também poderiam ser chamadas de antes, durante e depois do amor.

A BELA JUNIE e o medo de amar

Em um dos últimos diálogos de A BELA JUNIE, Junie (Léa Seydoux) fala para Nemours (Louis Garrel):

“Eu pensei que houvesse uma coisa que você gostasse em mim. Minha franqueza. Imaginar que você pode não mais me amar é muito pior para mim do que aquilo que você chama de regras que fiz para mim mesmo. Eu sei que somos duas pessoas. Então, como qualquer um, nós podíamos estar juntos. Mas por quanto tempo? Se nós somos duas pessoas normais, por quanto tempo nosso amor vai durar? Amor eterno não existe, nem mesmo nos livros. Então amar significa por um tempo determinado. Seria um milagre para nós. Não somos diferentes das outras pessoas”.

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Em determinado momento, Nemours interfere:

“Você não pode resistir sozinha ao seu amor”.

Junie resiste ao seu amor. E sofre por isso. Sofre por ter medo de se entregar ao desconhecido, ao que pode fazê-la sair do eixo, desconcertá-la. Está estampado no seu rosto de beleza serena, na sua pele branca, nos seus olhos distantes, nos seus longos cabelos negros. Ela carrega consigo esse fardo. Uma condição que parece ser eterna. Isso a torna distinta. Desejada por ser inacessível, por parecer estar acima do amor.

Ao dispensar Otto – que se mata após o rompimento –, Junie diz que vai embora porque não quer se apaixonar por uma pessoa que sabe estar apaixonada por ela (Nemours, ainda que não revele a Otto quem é). Junie é franca, racional. Sabe da possibilidade de o romance com Nemours acabar em desilusão e, ao contrário das outras pessoas que se envolveram com o belo professor, prefere nem começar o caso. Mas a dor da paixão aparece e a faz sofrer antes mesmo ter experimentado o que tanto deseja.

Bauman, se por acaso topasse com Junie em um mundo onde os filósofos encontram personagens de cinema nas ruas de Paris, talvez dissesse a ela que qualquer sabedoria em relação ao amor só é possível após vivê-lo. Diria, arrisco dizer, para Junie ouvir Nemours, e não resistir ao seu amor. Para o sábio velhinho polonês que curte um cachimbo, a bela francesa é uma tola que pouco ou nada sabe sobre o assunto. Entre uma tragada e outra, ele talvez até lesse para ela o trecho abaixo, que está em Amor Líquido.

“Enquanto vive, o amor paira à beira do malogro. Dissolve seu passado à medida que prossegue. Não deixa trincheiras onde possa buscar abrigo em caso de emergência. E não sabe o que está pela frente e o que o futuro pode trazer. Nunca terá confiança o suficiente para dispersar as nuvens e abafar a ansiedade. O amor é uma hipoteca baseada num futuro incerto e inescrutável”.

O rosto pálido de Junie denota o temor em relação a esse futuro incerto. É o semblante que Christophe Honoré dá à impossibilidade do amor. A personagem de Léa Seydoux é a personificação daquilo que sentimos quando pensamos na finitude do que gostaríamos que fosse eterno. É o fantasma que assombra a vida de todos os amantes. Olhar pra ela é ter a certeza de que tudo irá acabar - mesmo sem ter começado. Que a separação e a desilusão um dia virão. Que o abandono e a solidão são inevitáveis. Olhar para Junie é olhar para o futuro. Sua beleza representa a morte da esperança. A morte prematura do amor.

EM PARIS e a quebra

No filme EM PARIS, Paul (Romain Duris) sofre com fim do seu relacionamento com Anna (Joana Preiss). Cansado de não encontrar alternativas para sair da fossa, ele pega o telefone para tentar por um fim à sua angústia. O resultado é a bela cena abaixo. A música é Avant la haine (Antes do ódio), escrita por Alex Beaupain – que assina as trilhas musicais de vários filmes de Honoré.

(CLIQUE NA CENA)

A letra mostra um momento de dúvida. Como superar o fim quando ainda apostamos no amor? Como saber quando o amor, na realidade, deixou de existir? Que aquilo que sentimos não é mais amor, e sim a falta, a dor da ausência, a lacuna deixada pelo próprio amor? Paul e Anna cantam essas incertezas.

Ele reconhece o seu estado agonizante e tem uma “ideia terrível”: terminar qualquer tipo de relação que ainda exista com Anna “antes do ódio”. Antes que sua condição deplorável comece a determinar seus sentimentos por quem até então era devoto. Ele não quer odiá-la, por isso aposta na separação. Anna diz que não – ainda que também não tenha certeza do sim. Diz que um beijo faria tudo isso passar.

No belo dueto, Honoré nos mostra novamente a impossibilidade do amor, mas agora no momento da quebra, da ruptura. O sentimento deixa de existir e pega Paul e Anna despreparados. Querem ficar afastados antes do ódio, mas querem permanecer juntos porque ainda acreditam no poder do toque. Eles querem continuar se amando. Mas isso já não é mais possível.

Honoré transforma em poesia o exato momento (que parece infinito) em que nada resolve. Ela diz que prefere “as tempestades do inevitável” a ter de perder definitivamente aquele amor. Mas sabe que, naquele momento, não podem e nem conseguiriam estar juntos. Ainda que talvez seja, no fundo, o que eles querem. Sentem falta um do outro, da companhia, do carinho. Resta apenas uma angústia sem fim.

A desesperança em AS CANÇÕES DE AMOR

No primeiro terço do musical AS CANÇÕES DE AMOR (Les Chansons D’Amour), Julie (Ludivine Sagnier), Ismaël (Louis Garrel) e Alice (Clotilde Hesme) vivem um triângulo amoroso instável. As incertezas a respeito de uma relação que causa estranhamento em quem está de fora os fazem levantar dúvidas sobre a possibilidade de se levar aquilo adiante. Desconfortáveis, expressam – na maioria das vezes de forma leve e divertida, como em Je n’aime que toi (CLIQUE NO LINK) – a insatisfação diante da falta de certezas sobre algo que não é visto como normal. Até que Julie morre, e a dúvida dá lugar à desesperança em relação à possibilidade do amor.

Sem o equilíbrio representado por Julie, as outras duas pontas do triângulo buscam maneiras de seguir em frente. Alice se envolve em uma relação heterossexual que logo se mostra um equívoco. Já Ismaël se vê em uma situação até então improvável. Seduzido por Erwann (Grégoire Leprince-Ringuet), não sabe se sua dúvida em ceder ou não àquela aventura homossexual é resultado da sua vontade ou da confusão que virou sua vida sem Julie. Apaixonado, Erwann trata de questionar o porquê da resistência de Ismaël cantando em dueto com o personagem de Louis Garrel. A música é As-tu déjà aimé?, mais uma vez de Alex Beaupain, que assina a trilha do musical.

Erwann pergunta a Ismaël se ele já amou pela “beleza do gesto”. O personagem de Garrel diz que sim, mas que não foi nada fácil, que muitas vezes não foi bem tratado. Erwann insiste e diz que quando ousamos amar somos simplesmente invadidos pelo perfume dos males do amor. Ismaël retruca dizendo que os amores passageiros e sua carícias efêmeras esgotam nossos esforços. Então Erwann se rende ao desiludido Ismaël, e termina responsabilizando o amor por toda a nossa desgraça.

Se antes da morte de Julie os personagens se questionavam sobre se o que sentiam era realmente amor, com a perda, a dúvida dá lugar ao desencanto. À tristeza de ter consciência tarde demais. À desesperança de que um amor como aquele pode nunca mais se repetir. No momento em que não estava claro o flerte de Erwann, Ismaël canta uma serena melancolia diante do que parecia imutável – a impossibilidade do amor.

Mas no final, Ismaël acaba se rendendo a Erwann e a uma relação totalmente diferente de tudo o que havia vivido. Uma esperança para o amor?

O público jovem, principalmente o adolescente, é o alvo principal da trama, que tem visual, som e enredo feitos sob medida para conquistar a molecada, sobretudo as meninas. A constatação sobre ECLIPSE é subjetiva - para quem gosta, deve ser ótimo; para quem não gosta, é mais do mesmo. Apesar de todo o frisson gerado em torno do lançamento da fita, com promessas de menos inocência, mais ação e mais terror, na essência acaba sendo igual aos seus antecessores CREPÚSCULO (Twilight, 2008) e LUA NOVA (New Moon, 2009): um romance juvenil, com direito a triângulos amorosos, promessas eternas, a chance de fazer o absurdo tornar-se real em nome desse amor e toda a sorte de malfeitores que querem acabar com a união. O que destaca a franquia desde seu primeiro volume é o emprego do caráter sobrenatural, envolvendo vampiros e lobisomens.

A presença do diretor David Slade (de MENINA-MÁ.COM e 30 DIAS DE NOITE) na condução do projeto garantiu um pouco mais de realismo às criaturas e às cenas de ação, mas é difícil realizar um trabalho mais intenso do que isso com o material em mãos. Além de ser muito mais um romance do que um thriller de horror, a autora dos livros aplicou à história doutrinas e valores tradicionais, como a defesa à virgindade e aos bons costumes, algo meio contraditório para um vampiro. É patética a cena em que Bella tenta fazer sexo com Edward e ele lhe responde que prefere respeitá-la até o casamento, pois ele é de um outro tempo e tem outros costumes… Vá saber!

As cenas com pitadas de terror são o que há de melhor no filme. Os atores melhoraram a performance, a maquiagem outrora estilo minâncora está bem melhor e a produção é impecável, cheia de locações bonitas e boa fotografia. A trilha sonora rock ‘n’ roll moderna é bacaninha também. O que falta à trama é movimento, ação: durante suas pouco mais de duas horas, vai-se preparando uma guerra entre vampiros recém-nascidos contra o clã dos Cullen e a alcateia de lobisomens liderada por Jacob Black (Taylor Lautner), o rival de Edward na disputa por Bella. Tudo aponta para uma batalha apoteótica, mas na hora “H” é decepcionante, rapidamente resolvida e com muito pouco sangue.

O mesmo acontece na luta final entre Edward e a vampira Victoria (Bryce Dallas Howard). Há provocação mas não há finalização.
Acima de qualquer impressão, ECLIPSE já está sendo um grande sucesso, quebrando diversos recordes, arrastando os fãs para o cinema e enchendo mais ainda o bolso dos produtores, mas opinião é opinião e cada um tem a sua.

Agora, o garoto Andy (voz de John Morris) não é mais exatamente um garoto, e sim um jovem adulto na casa dos 17 anos, com o desafio da universidade a sua frente - um momento em que os brinquedos há muito perderam o significado em sua vida e devem lhe dar adeus, com um destino incerto, que pode ser tanto as mãos de outra criança, o esquecimento do sótão ou mesmo a lixeira. Este é o mote principal de Toy Story 3, uma trama cheia de despedidas e comoções em meio a um festival de cores, risos e fantasias de um mundo encantado que só os brinquedos poderiam nos proporcionar.

Este terceiro episódio pode até não ser o mais impressionante da trilogia, uma vez que o primeiro filme foi um marco no mundo da animação tridimensional cinematográfica, mas certamente é a maior aventura vivida por nosso amigos de plástico até hoje. Da casa de Andy para uma creche e da creche para diversos outros lugares sinistros, a turma de Woody e Buzz precisam enfrentar a tristeza do abandono de seu dono, crianças destruidoras de brinquedos e uma conspiração liderada por um urso cor-de-rosa malvado com cheirinho de morango chamado Lotso (voz de Ned Beatty).

Sobra encanto em TOY STORY 3: mesmo com algumas críticas negativas, as bilheterias têm mostrado que a fita está sendo um sucesso entre crianças e adultos. Com menos fundamentos inteligentes que outras recentes produções da Pixar, a trama dirigida por Lee Unkrich (de PROCURANDO NEMO, MONSTROS S.A. e TOY STORY 2) pega o espectador pelo coração e pelo saudosismo da infância.

A história traz à tona, por meio de memórias, uma época feliz vivida pela maioria da nossa geração, dando aquela vontade de revirar o baú e puxar de volta aqueles velhos brinquedos que tanto nos acompanharam nos melhores anos de nossas vidas. Dos 8 aos 80, é difícil permanecer alheio às boas recordações e não se comover perante a evolução da vida no passar dos anos. Mas a história relembra ainda que é preciso seguir em frente, seja você um menino que virou homem ou um boneco de pano, aparentemente inanimado.

E, para todos aqueles que sentem saudades, vale o consolo de que não importa a idade: brinquedos sempre serão brinquedos e crianças sempre serão eternas crianças…

Com o elenco pouco conhecido e cheio de boas atuações, o filme é tenso, sobretudo nas cenas do aeroporto, onde a humilhação dos imigrantes por parte da polícia é escancarada e revoltante. As cenas gravadas em Pernambuco são suavizadas pelo contexto regional muito bem destacado na filmagem e pela presença da divertida prostituta Bia (Cristina Lago), com seu inglês de improviso e sua malandragem inocente.

Com direção de José Joffily (de ACHADOS E PERDIDOS e 2 PERDIDOS NUMA NOITE SUJA), a trama só é prejudicada pela montagem. A alternância de ambientes é constante demais, causando cortes televisivos à fita nos momentos em que era necessária uma continuação, acabando com o clima e tornando o final um pouco óbvio para quem já conhecia a sinopse ou já havia assistido ao trailer.

Tirando este fato, trata-se de um título bem interessante enquanto cinema e enquanto crítica social.

Após sua chegada a uma praia deserta, onde a família mantém uma bela casa, um grande escândalo envolvendo o político estoura na mídia e o escritor se vê envolvido na vida de Lang, o que inclui o convívio com a amargurada e estranha esposa do político, Ruth (Olivia Williams, de EDUCAÇÃO), e sua fiel assessora Amelia (Kim Cattrall, a Samantha Jones de SEX AND THE CITY).

Com esta prerrogativa, o escritor fantasma descobre inúmeros segredos e vai se embrenhando em uma trilha cheia de pistas e perigos, incluindo uma investigação sobre a morte do escritor que o antecedeu no trabalho da biografia. Assim como o mau tempo quase constante na praia, o filme contém um ar pesado: com diálogos excelentes, saídas inteligentes e um trabalho de câmera que nos põe para dentro da tela, o diretor, mesmo à distância, em sua cela onde cumpre pena por abuso sexual, conseguiu realizar uma obra digna de aplausos, apresentando um suspense que foge do convencional e consegue intrigar profundamente o espectador.

O medo, a dúvida e a desconfiança são peças-chave para a trama, que conta ainda com a participação do ator Tom Wilkinson no papel de um professor que é peça-chave para o desfecho do mistério. Polanski consegue traduzir para sua obra uma sensação claustrofóbica que ele mesmo deve estar passando, estando preso, o que aumenta a atenção, fator necessário para um bom entendimento da história, que se torna complexa com o avanço dos minutos. A boa escolha do elenco e as atuações contidas dão o toque final à fita que, embora passe longe das grandes bilheterias, é grandiosa em sua composição.

A trama inicia com a busca por Harriet Vanger (Ewa Fröling), uma moça desaparecida nos anos 60, aos 16 anos. Desde então, durante todos esses anos, seu tio Henrik (Sven-Bertil Taube) vem recebendo quadros com flores, que acredita serem presentes do assassino da moça. Com todas as buscas já feitas e ainda sem respostas, Henrik contrata, como última alternativa, os serviços de Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist), um jornalista investigativo de muito prestígio, que está enfrentando um processo por difamação de uma grande empresa. Mikael penetra então em um mundo de segredos familiares, onde crimes violentos de cunho racial, religioso e sexual acabam por vir à tona.

Em parceria com a perturbada hacker Lisbeth Salander (Noomi Rapace), o jornalista se envolve em um jogo perigoso de perseguição, no qual as pistas do crime o levam cada vez mais para perto da morte.

Dirigido pelo dinamarquês Niels Arden Oplev, o thriller é uma boa obra de mistério - consegue envolver o espectador com sua história, sem necessitar de um festival de efeitos especiais ou de ação incessante. Com um toque característico do bom cinema europeu, a trama é direta e o espectador não é poupado dos diálogos fortes e das cenas chocantes. O final justo e surpreendente permite que a fita agrade os apreciadores de histórias policiais e de investigação. Resta saber no que se tornará se os direitos do livro caírem mesmo nas mãos de Hollywood…

Muito tempo depois, as mulheres de nosso tempo descobriram que há um novo conto de fadas para elas sonharem: a Nova York de SEX AND THE CITY, habitada por Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker) e suas amigas. O conto pode nem sempre acabar com o “felizes para sempre“, mas é repleto de moda, glamour, independência e, como o próprio título sugere, sexo. Mais que uma resposta ao mundo masculino, a série, que perdurou por 6 anos, foi o grito máximo de independência da mulher moderna no universo pop e até hoje serve como referência.

Para contentar os fãs com saudades da série (e, de quebra, fazer uma caixinha), a ideia foi transferi-la para a telona do cinema. O filme de 2008 foi um tremendo sucesso e agora ganha sua sequência com SEX AND THE CITY 2 (EUA, 2010). Com o enredo deixado em segundo plano, o filme é uma mera desculpa para relembrar os personagens e para apresentar mais um desfile de vestidos, penteados, lugares glamorosos e situações, em sua maioria, divertidas.

Esta sequência foge mais da realidade da série e se concentra na viagem de Carrie, Charlotte (Kristin Davis), Miranda (Cynthia Nixon) e Samantha (Kim Cattrall) a Abu Dabhi, um dos Emirados Árabes. Desta vez Samantha está às voltas com uma terapia de hormônios para manter-se jovem, Charlotte com dificuldades em criar suas duas filhas pequenas, Miranda em firmar-se profissionalmente e Carrie, como sempre, envolvida com suas habituais crises emocionais com Mr. Big (Chris Noth) e, para dar uma apimentada no conflito, ressurge Aidan (John Corbett), um amor do passado.

História há muito pouca - todo aquele envolvimento presente na série e no primeiro filme dão lugar ao visual, às paisagens e aos figurinos. Mais cômica do que dramática, a fita é quase que dedicada exclusivamente ao público feminino, exibindo homens semi-nus, uma centena de roupas que vão do inovador ao esquisito, um festival de cabelos e maquiagens que mudam a cada cena, além das boas e velhas confusões em que se envolvem o quarteto de amigas. De duração longa (146 minutos), o filme não pesa no relógio, entretém e faz rir bastante. É válido pela nostalgia da série em si, como trama deixa um pouco a desejar.

Evite comparações deste ROBIN HOOD (Robin Hood, 2010) com aquele de 1991, estrelado por Kevin Costner. Sim, o personagem é o mesmo, a história até é a mesma, porém, esta versão atual de Ridley Scott narra o surgimento do contraditório herói, aquele conhecido por tirar dos ricos para dar aos pobres.

Russell Crowe (parceiro do diretor em outros títulos como GLADIADOR e REDE DE MENTIRAS) vive o protagonista, desde o soldado Robin Longstride até o forjado Robert Loxley, para finalmente tomar sua definitiva identidade junto à lenda que o cerca. Cate Blanchet é Lady Marion, uma camponesa sem papas na língua e uma mulher visionária, atrevida demais para seu tempo. Seu envolvimento com Robin é de primeira importância para a evolução da história, que se passa logo após as cruzadas do violento Rei Ricardo Coração de Leão (Danny Huston), quando o soberano é abatido em combate e o trono é assumido por seu irmão João (Oscar Isaac). Este é um tirano e injusto rei que, ao dispensar os serviços do fiel William Marshal (William Hurt, em um papel pequeno) cede o posto de conselheiro ao nefasto Godfrey (Mark Strong), um traidor que planeja instaurar uma guerra civil na Inglaterra entre a realeza e o povo, facilitando um ataque surpresa em conluio com o exército francês.

A arena da história que Scott tem para nos mostrar é um espetáculo de imagens, batalhas perfeitamente produzidas, cenários e figurinos perfeitos que remetem para a Inglaterra do século XII, efeitos sonoros ensurdecedores (ou era o som do cinema que estava desregulado) e uma boa trama que, apesar de longa, não deve ser recebida com cansaço ou preguiça.

O roteiro contém alguns clichezinhos típicos de filmes de batalhas, como a caracterização piegas de Robin enquanto líder e a incursão do elenco na íntegra durante a luta, onde não faltam crianças e mulheres que sempre conseguem ir escondidas e, mesmo sem preparo algum, ainda vencem qualquer duelo. No mais, o filme se sai muito bem e termina na hora certa.

Se foi proposital ou não, a fita tem passagens que nos servem de metáfora e nos permitem traçar paralelos com nossos tempos. Basta observar as atitudes da coroa para com seus súditos, as motivações das batalhas e os absurdos cometidos em nome da igreja e em nome do rei. É, os tempos mudaram, mas o caráter humano, muito pouco: os pobres continuam sofrendo com fome e opressão, as guerras continuam matando aos milhares, mas agora com bombas e morteiros, as nações continuam querendo engolir umas às outras, mas com estratégias muito mais elaboradas do que séculos atrás. E os governantes… Esses continuam fazendo o que bem entendem, mentindo descaradamente e achando, assim como os reis antigos, que estão acima até mesmo de Deus. É pra rir ou pra chorar?

Em termos de qualidade e de ação, ninguém fica devendo nada para ninguém: o que se perde por um lado, ganha-se pelo outro. Em uma via, o personagem de carne e osso vivido por Downey Jr. cresce na fita, em tom afetado e arrogante, de modo que se torna impossível não amá-lo e odiá-lo ao mesmo tempo. Por outra, o roteiro sofreu com alguns furos e alguns pulos dados para diminuir os trâmites da história e focar-se mais na ação. Alguns eventos, como o desenvolvimento do vilão Chicote Negro (Mickey Rourke) e o surgimento da Máquina De Guerra (Don Cheadle) parecem em certos momentos imediatos demais e desprovidos de uma motivação maior. Acertos como as participações contidas de Sam Rockwell como o ambicioso Justin Hammer, Scarlett Johansson na pele da Viúva Negra e a reprise de Gwyneth Paltrow como Virgínia “Pepper” Potts, em detrimento de um espaço maior para o protagonista, foram providenciais para dar gás ao filme e não atê-lo a uma gama de tramas paralelas desnecessárias.

HOMEM DE FERRO 2 cumpre bem o seu papel e com certeza será uma das maiores bilheterias deste ano no verão americano, que já iniciou sua temporada de blockbusters. O ator/diretor Jon Favreau soube repetir a fórmula de sucesso do primeiro filme e, de canja, ainda deu os ares da graça no papel de Happy Hogan, o motorista e braço direito de Stark. Um terceiro volume está encomendado e em fase de elaboração, possivelmente para 2012, o ano em que também deveremos ver o Homem De Ferro lutando ao lado de Hulk, Thor e Capitão América em OS VINGADORES (The Avengers), dos quais os dois últimos heróis, além de estarem com seus filmes próprios em fase de produção, ainda deixam pistas de sua eminente chegada nesta película aqui comentada. Esperem até depois dos créditos para ver!