Segundo longa-metragem da diretora Debra Granik, INVERNO DA ALMA tem a seu favor a ótima performance de Jennifer Lawrence, uma jovem que acertou completamente na composição de sua personagem. Destemida para sua idade, mas também fragilizada por dentro, a Ree Dolly de Lawrence é o que existe de melhor na história. Lawrence, indicada ao Oscar por seu desempenho, é tudo aquilo que o longa não consegue ser. John Hawkes, outro celebrado pela Academia com uma indicação, também ajuda nessa missão.

De resto, INVERNO DA ALMA é uma experiência arrastada e pouco interessante. O conflito principal da trama (a garota em busca do pai desaparecido) não consegue sustentar o filme, principalmente porque tudo se resolve muito cedo e de forma pouco instigante. Toda a dramaticidade está centrada na protagonista, a engrenagem que faz a boa parte do longa funcionar. Se não fosse por Lawrence, INVERNO DA ALMA seria algo completamente desnecessário. Por sorte, ela conseguiu levar o filme nas costas – pena que não o suficiente para tirá-lo da falta de ritmo.

Porém, O VENCEDOR não obedece exatamente a essa lógica por conta de um elenco muito afinado e de uma sensibilidade que transborda a cada fotograma. E qual a história: em uma família de descendência irlandesa, que mora na pequena Lowell, um boxeador, Dicky (Christian Bale) com certa trajetória vencedora, ao mesmo tempo em que tenta treinar o irmão mais novo, Micky (Mark Wahlberg) entrega-se ao crack. Eles são controlados – literalmente – pela mãe (Melissa Leo), acompanhada por uma trupe de irmãs aloiradas e cafonas.

Já que os documentaristas de uma rede televisiva resolveram mostrar o lado decadente de Dicky, O VENCEDOR acaba entrando num sistema especular: um filme dentro do filme. Isso justifica um certo exagero na postura dos familiares, sempre à beira de um ataque de nervos, especialmente as irmãs, que nada acrescentam à história, a não ser dar à família um caráter ainda mais triste e decadente.

Quando Micky resolve, por si mesmo, lutar contra tudo e contra todos, depois de ter conhecido a namorada Charlene (Amy Adams), começa a fase redentora do filme. O público torce para que ele quebre o círculo vicioso com a família loser, mas recebe o baque ao perceber que é genuíno o carinho e o amor na hora das vitórias de Micky sem a ajuda do irmão – a essas alturas na prisão – e a mãe. Talvez O VENCEDOR seja um filme de méritos justamente por esses pequenos momentos, em que alguns gestos quebram com o já pré-concebido, e a plateia passe a questionar justamente o seu julgamento sobre os personagens em exibição.

São muitas as cenas pungentes, como a da exibição do documentário, que pega a família de Micky de surpresa e é um mergulho em sua intimidade da forma humilhante que tão bem a mídia sabe fazer. Mas talvez a mais bela cena do filme seja um dos resgates da mãe ao filho viciado em crack. Depois de buscá-lo em uma casa onde se reúnem seus amigos out-siders em busca das alucinações da droga, sentada no carro, aguarda Dicky e chora. O filho entra, senta-se ao seu lado, e canta Bee-Gees. Logo é acompanhado pela mãe, às lágrimas: I started a joke/ Which started the whole world crying/ But I didn’t see/ That the joke was on me…

O VENCEDOR brinca com os sentimentos. Coloca a namorada contra a mãe e as irmãs. Coloca o filho mais novo contra o irmão mais velho. E se é óbvio que desde o início sabemos que isso tudo entrará em reconciliação depois, o que fica é o rastro de ternura que ele carrega, especialmente porque a atuação do elenco é digna de nota.

A magreza de Christian Bale, que já havia sido surpreendente em O OPERÁRIO, é uma das características marcantes de sua atuação, mas não é apenas a parte física que faz de sua perfomance algo brilhante. Bale arregala os olhos e percorre a tênue linha do caricato, mas traz uma ingenuidade quase visceral. É o grande favorito ao Oscar de ator coadjuvante, ainda que seja dele o papel principal, e não de Wahlberg, que é apenas “trampolim” para a perfomance de Bale. Melissa Leo também está um espetáculo: uma mãe superprotetora, cafona, centralizadora e apaixonada, a seu modo, pelos seus. Amy Adams também foge de seus papéis mais sofisticados ou mais ingênuos e encara uma barwoman com um pé na bagaceirice. Possui uma força no olhar que convence a todos.  

Uma das curiosidades é que Darren Aronofsky, de CISNE NEGRO, é um dos produtores do filme. O VENCEDOR concorre a sete estatuetas ao Oscar: filme, ator coadjuvante (Bale), atriz coadjuvante (Leo), atriz coadjuvante (Adams), diretor (David O. Russel), roteiro original e edição. 

O filme mais perturbador do ano, quem diria, tem como tema central o ballet. Na verdade, a dança é apenas subterfúgio para a  grande metáfora que é lidar com o próprio medo do fracasso. O incrível é a habilidade que o diretor Darren Aronofsky tem para criar um clima tão tenso em cenas aparentemente ingênuas e leves.

Desde PI, Aronofsky já mostrava uma mão cheia na direção de atores. Com o maravilhoso RÉQUIEM PARA UM SONHO (um dos meus filmes preferidos desde sempre), fez brilhar Ellen Burstyn em um dos mais viscerais desempenhos já realizados (vale lembrar que ela perdeu o Oscar para… Julia Roberts). Com O LUTADOR, tirou do ostracismo Mickey Rourke e lhe ajudou a realizar uma atuação excepcional, digna de indicação ao Oscar. Pois agora é a vez de Natalie Portman, que vai – e merece – receber a sua estatueta.

Em CISNE NEGRO, Nina (Natalie Portman) defronta-se consigo mesma ao ganhar o papel principal do ballet O Lago dos Cisnes. Geralmente, são duas as bailarinas principais neste espetáculo, composto pelo russo Tchaikovsky com base em um conto de fadas alemão: uma que faz a pura e casta mulher aprisionada como o Cisne Branco, e outra que faz sua irmã gêmea, agressiva e sensual: o Cisne Negro. Mas o coreógrafo e diretor da companhia, Thomas (Vicente Cassel), quer a mesma bailarina nos dois personagens. O problema para Nina é que em seu repertório só há espaço para o Cisne Branco. Criada por uma mãe superprotetora (Bárbara Hershey, nunca antes tão perturbadora), o seu quarto é reflexo de sua personalidade: bonecos de pelúcia, caixinhas de música. Todas as noites, a mãe lhe beija a face antes de dormir. Nina ainda possui, psicologicamente, 12 anos, e na hora em que é confrontada a exercer o maior desafio da sua vida, entra em erupção. Altamente técnica, precisa deixar-se levar pela emoção, mas não consegue encontrar essa outra faceta dentro dela mesma. Por conta disso, acaba mergulhando num pesadelo de medos e angústias, vivendo no limite da realidade e da imaginação.

O clima tenso é acentuado por uma atmosfera especular. Há reflexos dela mesma em todos os lugares: no banheiro, no metrô, na sala de ensaios. É a metáfora mais óbvia do filme: a procura desse outro, desse duplo, desse cisne negro de Nina. O coreógrafo Thomas pede à bailarina que ela mostre o seu lado B, que ela o seduza, seduza a plateia, mostre de forma visceral essa personagem. Sugere que ela se sexualize, se masturbe, como tema de casa.

Tensa e rígida, Nina não consegue, e martiriza-se com isso. Cada dia aumenta o seu pavor – e o da plateia – ante a iminência do fracasso.  Dentro da companhia, Nina toma como exemplo a ex-diva Beth (Winona Ryder, impossível não pensar que todo o filme também é metáfora de sua vida, tendo em vista o que ela foi um dia), que foi aposentada por Thomas, e Lily (a russa Mila Kunis), novata que está louca para abocanhar o papel de Nina. Por conta da responsabilidade que carrega, começa a ver em todos uma possibilidade de sabotagem.

CISNE NEGRO é um complexo e tenso thriller psicológico, que lembra muito os bons tempos de Polanski. Lá no século XVII, Thomas Hobbes disse a máxima de que o homem é o lobo do homem. Em tempos de extrema competição, nós mesmos podemos ser nossos piores inimigos. Fantasiamos derrotas, anunciamos frustrações, desistimos muitas vezes antes de tentar, porque muitas vezes achamos que não iremos segurar tamanha responsabilidade.  

Esta busca do outro dentro de nós, do nosso duplo, é um dos pontos mais fortes do roteiro. Aliás, o duplo na literatura é estudado com afinco desde sempre. São muitas obras investigadas em que personagens representam verso e reverso de uma pessoa única e inteira. Freud, no texto Das Unheimliche, já dizia que o duplo sempre nos acompanha e não está fora de nós, por mais que pareça, provocando essa sensação de inquietante estranheza. É como se num mergulho interno descobríssemos, dentro de nós mesmos, um outro eu.

Nina procura incessantemente essa estranheza. A câmera de Aronofsky, grudada em Portman, faz a plateia sentir, ouvir, viver aquele medo que é dela e acaba sendo também nosso. Nas cenas finais, em que o espetáculo chega finalmente à sua estreia, entramos em estado de tensão máxima, algo que a maioria dos filmes de suspense e de terror não consegue fazer.

Natalie Portman está soberba. Sua Nina é frágil e consegue, já na primeira cena, convencer-nos de seus dilemas e de suas angústias. Ela se entrega ao filme, e a obra não seria a mesma sem ela, mas o filme não é somente ela, e ainda bem. CISNE NEGRO tem roteiro denso, inteligente, tem direção absolutamente segura, tem um elenco de apoio fantástico (Hershey, Cassel, Kunis), uma fotografia escura sensacional e um dos finais mais fantásticos que o cinema já produziu. Falar sobre isso seria muito interessante, mas também seria estragar a surpresa para quem deseja duas horas de cinema de primeira. E como eu tenho certeza de que esse filme vai ser utilizado em salas de aula, congressos e seminários sobre psicologia, deixo para ouvir depois as discussões dos experts no assunto. CISNE NEGRO concorre a 5 Oscar: filme, diretor, atriz, fotografia e edição.  

O público jovem, principalmente o adolescente, é o alvo principal da trama, que tem visual, som e enredo feitos sob medida para conquistar a molecada, sobretudo as meninas. A constatação sobre ECLIPSE é subjetiva – para quem gosta, deve ser ótimo; para quem não gosta, é mais do mesmo. Apesar de todo o frisson gerado em torno do lançamento da fita, com promessas de menos inocência, mais ação e mais terror, na essência acaba sendo igual aos seus antecessores CREPÚSCULO (Twilight, 2008) e LUA NOVA (New Moon, 2009): um romance juvenil, com direito a triângulos amorosos, promessas eternas, a chance de fazer o absurdo tornar-se real em nome desse amor e toda a sorte de malfeitores que querem acabar com a união. O que destaca a franquia desde seu primeiro volume é o emprego do caráter sobrenatural, envolvendo vampiros e lobisomens.

A presença do diretor David Slade (de MENINA-MÁ.COM e 30 DIAS DE NOITE) na condução do projeto garantiu um pouco mais de realismo às criaturas e às cenas de ação, mas é difícil realizar um trabalho mais intenso do que isso com o material em mãos. Além de ser muito mais um romance do que um thriller de horror, a autora dos livros aplicou à história doutrinas e valores tradicionais, como a defesa à virgindade e aos bons costumes, algo meio contraditório para um vampiro. É patética a cena em que Bella tenta fazer sexo com Edward e ele lhe responde que prefere respeitá-la até o casamento, pois ele é de um outro tempo e tem outros costumes… Vá saber!

As cenas com pitadas de terror são o que há de melhor no filme. Os atores melhoraram a performance, a maquiagem outrora estilo minâncora está bem melhor e a produção é impecável, cheia de locações bonitas e boa fotografia. A trilha sonora rock ‘n’ roll moderna é bacaninha também. O que falta à trama é movimento, ação: durante suas pouco mais de duas horas, vai-se preparando uma guerra entre vampiros recém-nascidos contra o clã dos Cullen e a alcateia de lobisomens liderada por Jacob Black (Taylor Lautner), o rival de Edward na disputa por Bella. Tudo aponta para uma batalha apoteótica, mas na hora “H” é decepcionante, rapidamente resolvida e com muito pouco sangue.

O mesmo acontece na luta final entre Edward e a vampira Victoria (Bryce Dallas Howard). Há provocação mas não há finalização.
Acima de qualquer impressão, ECLIPSE já está sendo um grande sucesso, quebrando diversos recordes, arrastando os fãs para o cinema e enchendo mais ainda o bolso dos produtores, mas opinião é opinião e cada um tem a sua.

Agora, o garoto Andy (voz de John Morris) não é mais exatamente um garoto, e sim um jovem adulto na casa dos 17 anos, com o desafio da universidade a sua frente – um momento em que os brinquedos há muito perderam o significado em sua vida e devem lhe dar adeus, com um destino incerto, que pode ser tanto as mãos de outra criança, o esquecimento do sótão ou mesmo a lixeira. Este é o mote principal de Toy Story 3, uma trama cheia de despedidas e comoções em meio a um festival de cores, risos e fantasias de um mundo encantado que só os brinquedos poderiam nos proporcionar.

Este terceiro episódio pode até não ser o mais impressionante da trilogia, uma vez que o primeiro filme foi um marco no mundo da animação tridimensional cinematográfica, mas certamente é a maior aventura vivida por nosso amigos de plástico até hoje. Da casa de Andy para uma creche e da creche para diversos outros lugares sinistros, a turma de Woody e Buzz precisam enfrentar a tristeza do abandono de seu dono, crianças destruidoras de brinquedos e uma conspiração liderada por um urso cor-de-rosa malvado com cheirinho de morango chamado Lotso (voz de Ned Beatty).

Sobra encanto em TOY STORY 3: mesmo com algumas críticas negativas, as bilheterias têm mostrado que a fita está sendo um sucesso entre crianças e adultos. Com menos fundamentos inteligentes que outras recentes produções da Pixar, a trama dirigida por Lee Unkrich (de PROCURANDO NEMO, MONSTROS S.A. e TOY STORY 2) pega o espectador pelo coração e pelo saudosismo da infância.

A história traz à tona, por meio de memórias, uma época feliz vivida pela maioria da nossa geração, dando aquela vontade de revirar o baú e puxar de volta aqueles velhos brinquedos que tanto nos acompanharam nos melhores anos de nossas vidas. Dos 8 aos 80, é difícil permanecer alheio às boas recordações e não se comover perante a evolução da vida no passar dos anos. Mas a história relembra ainda que é preciso seguir em frente, seja você um menino que virou homem ou um boneco de pano, aparentemente inanimado.

E, para todos aqueles que sentem saudades, vale o consolo de que não importa a idade: brinquedos sempre serão brinquedos e crianças sempre serão eternas crianças…

Muito tempo depois, as mulheres de nosso tempo descobriram que há um novo conto de fadas para elas sonharem: a Nova York de SEX AND THE CITY, habitada por Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker) e suas amigas. O conto pode nem sempre acabar com o “felizes para sempre“, mas é repleto de moda, glamour, independência e, como o próprio título sugere, sexo. Mais que uma resposta ao mundo masculino, a série, que perdurou por 6 anos, foi o grito máximo de independência da mulher moderna no universo pop e até hoje serve como referência.

Para contentar os fãs com saudades da série (e, de quebra, fazer uma caixinha), a ideia foi transferi-la para a telona do cinema. O filme de 2008 foi um tremendo sucesso e agora ganha sua sequência com SEX AND THE CITY 2 (EUA, 2010). Com o enredo deixado em segundo plano, o filme é uma mera desculpa para relembrar os personagens e para apresentar mais um desfile de vestidos, penteados, lugares glamorosos e situações, em sua maioria, divertidas.

Esta sequência foge mais da realidade da série e se concentra na viagem de Carrie, Charlotte (Kristin Davis), Miranda (Cynthia Nixon) e Samantha (Kim Cattrall) a Abu Dabhi, um dos Emirados Árabes. Desta vez Samantha está às voltas com uma terapia de hormônios para manter-se jovem, Charlotte com dificuldades em criar suas duas filhas pequenas, Miranda em firmar-se profissionalmente e Carrie, como sempre, envolvida com suas habituais crises emocionais com Mr. Big (Chris Noth) e, para dar uma apimentada no conflito, ressurge Aidan (John Corbett), um amor do passado.

História há muito pouca – todo aquele envolvimento presente na série e no primeiro filme dão lugar ao visual, às paisagens e aos figurinos. Mais cômica do que dramática, a fita é quase que dedicada exclusivamente ao público feminino, exibindo homens semi-nus, uma centena de roupas que vão do inovador ao esquisito, um festival de cabelos e maquiagens que mudam a cada cena, além das boas e velhas confusões em que se envolvem o quarteto de amigas. De duração longa (146 minutos), o filme não pesa no relógio, entretém e faz rir bastante. É válido pela nostalgia da série em si, como trama deixa um pouco a desejar.

Evite comparações deste ROBIN HOOD (Robin Hood, 2010) com aquele de 1991, estrelado por Kevin Costner. Sim, o personagem é o mesmo, a história até é a mesma, porém, esta versão atual de Ridley Scott narra o surgimento do contraditório herói, aquele conhecido por tirar dos ricos para dar aos pobres.

Russell Crowe (parceiro do diretor em outros títulos como GLADIADOR e REDE DE MENTIRAS) vive o protagonista, desde o soldado Robin Longstride até o forjado Robert Loxley, para finalmente tomar sua definitiva identidade junto à lenda que o cerca. Cate Blanchet é Lady Marion, uma camponesa sem papas na língua e uma mulher visionária, atrevida demais para seu tempo. Seu envolvimento com Robin é de primeira importância para a evolução da história, que se passa logo após as cruzadas do violento Rei Ricardo Coração de Leão (Danny Huston), quando o soberano é abatido em combate e o trono é assumido por seu irmão João (Oscar Isaac). Este é um tirano e injusto rei que, ao dispensar os serviços do fiel William Marshal (William Hurt, em um papel pequeno) cede o posto de conselheiro ao nefasto Godfrey (Mark Strong), um traidor que planeja instaurar uma guerra civil na Inglaterra entre a realeza e o povo, facilitando um ataque surpresa em conluio com o exército francês.

A arena da história que Scott tem para nos mostrar é um espetáculo de imagens, batalhas perfeitamente produzidas, cenários e figurinos perfeitos que remetem para a Inglaterra do século XII, efeitos sonoros ensurdecedores (ou era o som do cinema que estava desregulado) e uma boa trama que, apesar de longa, não deve ser recebida com cansaço ou preguiça.

O roteiro contém alguns clichezinhos típicos de filmes de batalhas, como a caracterização piegas de Robin enquanto líder e a incursão do elenco na íntegra durante a luta, onde não faltam crianças e mulheres que sempre conseguem ir escondidas e, mesmo sem preparo algum, ainda vencem qualquer duelo. No mais, o filme se sai muito bem e termina na hora certa.

Se foi proposital ou não, a fita tem passagens que nos servem de metáfora e nos permitem traçar paralelos com nossos tempos. Basta observar as atitudes da coroa para com seus súditos, as motivações das batalhas e os absurdos cometidos em nome da igreja e em nome do rei. É, os tempos mudaram, mas o caráter humano, muito pouco: os pobres continuam sofrendo com fome e opressão, as guerras continuam matando aos milhares, mas agora com bombas e morteiros, as nações continuam querendo engolir umas às outras, mas com estratégias muito mais elaboradas do que séculos atrás. E os governantes… Esses continuam fazendo o que bem entendem, mentindo descaradamente e achando, assim como os reis antigos, que estão acima até mesmo de Deus. É pra rir ou pra chorar?

Em termos de qualidade e de ação, ninguém fica devendo nada para ninguém: o que se perde por um lado, ganha-se pelo outro. Em uma via, o personagem de carne e osso vivido por Downey Jr. cresce na fita, em tom afetado e arrogante, de modo que se torna impossível não amá-lo e odiá-lo ao mesmo tempo. Por outra, o roteiro sofreu com alguns furos e alguns pulos dados para diminuir os trâmites da história e focar-se mais na ação. Alguns eventos, como o desenvolvimento do vilão Chicote Negro (Mickey Rourke) e o surgimento da Máquina De Guerra (Don Cheadle) parecem em certos momentos imediatos demais e desprovidos de uma motivação maior. Acertos como as participações contidas de Sam Rockwell como o ambicioso Justin Hammer, Scarlett Johansson na pele da Viúva Negra e a reprise de Gwyneth Paltrow como Virgínia “Pepper” Potts, em detrimento de um espaço maior para o protagonista, foram providenciais para dar gás ao filme e não atê-lo a uma gama de tramas paralelas desnecessárias.

HOMEM DE FERRO 2 cumpre bem o seu papel e com certeza será uma das maiores bilheterias deste ano no verão americano, que já iniciou sua temporada de blockbusters. O ator/diretor Jon Favreau soube repetir a fórmula de sucesso do primeiro filme e, de canja, ainda deu os ares da graça no papel de Happy Hogan, o motorista e braço direito de Stark. Um terceiro volume está encomendado e em fase de elaboração, possivelmente para 2012, o ano em que também deveremos ver o Homem De Ferro lutando ao lado de Hulk, Thor e Capitão América em OS VINGADORES (The Avengers), dos quais os dois últimos heróis, além de estarem com seus filmes próprios em fase de produção, ainda deixam pistas de sua eminente chegada nesta película aqui comentada. Esperem até depois dos créditos para ver!

Baseada no livro homônimo de Rick Riordan, a história gira em torno de Percy Jackson (Logan Lerman), um garoto que descobre ter poderes especiais por ser filho de Poseidon (Kevin McKidd) – o deus do Olimpo que rege os mares – e que, mesmo sem saber, foi acusado pelos deuses por ter roubado o raio de Zeus (Sean Bean), fato que promete desencadear em uma guerra cujo campo de batalha será a Terra. Acompanhado da bela guerreira Annabeth (Alexandra Daddario) – filha da deusa Atena (Melina Kanakaredes) – e de seu protetor, o sátiro (metade homem, metade bode) Grover (Brandon T. Jackson), Percy embarca em uma aventura através dos Estados Unidos que os leva desde um jardim de estátuas habitado pela perigosa Medusa (Uma Thurman, em uma ponta impagável) até as profundezas do inferno, comandadas por Hades (Steve Coogan) e sua voluptuosa esposa Perséfone (Rosario Dawson), para enfim confrontar o verdadeiro ladrão de raios e tentar restituir a paz entre os superiores do Olimpo. O elenco conta ainda com a participação do ex-007 Pierce Brosnan e Catherine Keener como mãe de Percy, em um look riponga vergonhoso.

O filme, embora com um certo esforço, até que é divertido – verdade seja dita: os efeitos especiais, a abundância de ação e certas cenas que fogem do universo infantil para um patamar mais adulto (como a ambientação do inferno, por exemplo) contribuem mais para o desenvolvimento da fita do que a trama por si só. As referências à mitologia grega surgem a todo instante, e isso se torna um pouco chato, pois há tentativas de encaixá-las em lugares incabíveis, tornando a história toda boba demais. A mão de Chris Columbus na direção torna evidente a comparação com a série de filmes HARRY POTTER, uma vez que o diretor foi o condutor dos dois primeiros longas do bruxinho – a essência da história e a narrativa se assemelham muito em certas partes, nas quais o universo de J. K. Rowling ainda leva a melhor na disputa.

Não é preciso muito esforço para encontrar diversas referências também às CRÔNICAS DE NÁRNIA, O SENHOR DOS ANÉIS e filmes antigos que referenciam a mitologia, como FÚRIA DE TITÃS (que, por sinal, ganhou refilmagem a ser lançada ainda este ano). O fato é que é difícil encontrar originalidade absoluta em um mercado saturado de ideias e com uma sede infindável por inovação, mas em PERCY JACKSON há abusos excessivos de releitura, paráfrases, referências e homenagens. Pensei em ler o livro mais adiante, mas tenho receio de descobrir que no papel acontece a mesma coisa – e, para essa constatação, será preciso bem mais que as 2 horas de duração da versão cinematográfica.